工艺美术运动总结篇1

《军民合作》

抗日战争时期，延安作为中国共产党中央机关的所在地和解放区的首府，成为全国人民向往的革命圣地，吸引了一大批有志于革命的美术青年从上海、杭州、广州等地来到延安，其中有胡一川、沃渣、江丰、马达、陈铁耕、黄山定、张望、刘岘、力群等。这批画家大都参加过鲁迅领导的新兴木刻运动，或在美术院校接受过正规的艺术训练，具有思想进步、富有革命精神和较好的艺术水平等特点。在延安，中国共产党不仅极其重视文化艺术工作在革命中的重要作用，而且还极富远见地兴办艺术学院，为当时的革命和未来的建国需要培养新型的文艺人才。1938年10月，由、、林伯渠、徐特立和周扬等人发起，在延安成立了“鲁迅艺术文学院”（简称“鲁艺”）。

1939年冬，由延安鲁艺出来的“鲁艺木刻工作团”在太行山抗日根据地，听到总司令“笔杆赶不上枪杆”和“笔杆必须赶得上枪杆”的讲话，决心采用民间传统的年画形式，趁1940春节，展开年画宣传活动。胡一川、罗工柳、杨筠、彦涵开始了年画创作。胡一川的木刻宣传画《军民合作》，就是在这时创作出来的较有代表性的作品。胡一川曾参加左翼艺术团体“一八艺社”，并担任领导工作。1937年赴延安，任教于鲁艺美术系，曾创作出抗日题材的木刻版画《到前线去》，产生了较大影响。这张《军民合作》借鉴了当地传统木板水印年画的形式，结合了鲁艺画家深厚的写实传统功底，表现出陕北老农民用自家的毛驴，为八路军运送枪支弹药时的喜悦心情。画面简洁明快，主题鲜明，人物造型生动，区别于传统年画过于刻板的程式化表情和动作，体现了艺术家学习民间艺术，改造民间艺术，利用民间艺术的高超技巧。这次创作的作品还有罗工柳的《积极养鸡增加生产》，彦涵的《春耕大吉》和《保卫家乡》，杨筠的《织布》等，一共印了一万多张，除了通过组织散发外，还拿到集市上去卖，结果大受群众欢迎，不到三个小时就卖掉了几千份。同时也得到了领导的重视，亲自给木刻工作团写信，表扬美术工作者。1940年2月8日春节，在八路军总部召开文艺座谈会，肯定了木刻工作团这次年画创作所取得的成绩，表示全力支持木刻工作团继续开展工作。

《拥护咱们老百姓自己的军队》

在延安抗日根据地，解放区的艺术家们为了使自己的作品与解放区军民的审美习惯和趣味相符合，在艺术形式的大众化和民族化方面，也进行了富有成效的探索和创新。

工艺美术运动总结篇2

关键词：紫砂壶；造型；艺术美；形式美

1前言

宜兴紫砂壶是实用性与艺术性完美结合的中国传统工艺品的代表。紫砂工艺正是沿着这两条道路在探索和发展，一方面无数的紫砂艺人在壶的制作技术上不断创新，为紫砂壶的发展奠定了坚实的基础。另一方面，在实用的基础上，艺人们也在如何使紫砂壶更具审美艺术性上孜孜以求。

2紫砂壶的艺术美

作为中国传统工艺的紫砂壶本身就根植在中国的文化土壤中，又加上历代深谙中国审美特征的文人的积极参与。因而，它的造型艺术是无法摆脱中国传统美学的影响的。当然欣赏者如果不能对中国艺术的审美特征有所了解的话，也是很难在更高层次上欣赏紫砂壶的美。中国传统的美学特征具有要素为：第一，强调美与善的统一；第二，注重形与神的关系；第三，突出实与虚的转化。这些审美的倾向在紫砂壶的造型设计中都或多或少的有所体现。

3紫砂壶的形式美

紫砂壶的造型设计须讲求形式美，形式美的最基本原则即在于寓变化于整齐，对立中求统一，使壶的整体保持平衡。这里要强调的是平衡有两种形式：一种是对称的平衡；第二种是非对称的平衡。左右上下并不相同，可是在视觉上又能保持平衡。这是一种富有变化的不规则的动态美。好比一个运动员，在运动中保持平衡，动作难度越高，越需要技巧。

4紫砂壶造型的点、线、面的结合

紫砂壶的壶型是点、线、面的完美结合。下面笔者主要谈一下线条的审美特征。其主要有两大方面：第一，简约；第二，变化。有了线条的简约性才有筋囊器对实物的抽象化概括，而正是线条的变化使紫砂壶具有了形态各异的造型。同时，壶体上装饰线条的变化更是紫砂壶具有了千变万化的审美效果。

工艺美术运动总结篇3

中心以学术研究、艺术展览为核心内容，旨在以中国建国以来的艺术思潮及艺术样式为主要的研究对象，为中国当代艺术的发展脉络做出文献性的梳理和记录，继而达成艺术经营推广的新模式：“非美术馆的美术馆”。通过结合自身良好的出版渠道，为最广大的中国公众提供中国现当代艺术教育及资讯。届时，中心将邀请不同国家、不同背景的艺术家及艺术理论工作者参与我们的研究和活动，使艺术的问题在一个开放性的国际化的平台上层开。以此来共同见证中国当代艺术的繁荣与发展。

湖南美术出版社是改革开放以来美术界、出版界重要的出版机构。尤其是对中国当代艺术的推广，介入时间最早，投入财力最多，推出的学术成果最丰富。

湖南美术出版社是较早推出中国当代艺术家精品画册的美术出版机构，不仅在编辑设计方面取得突破性的成就，同时在排印、印刷、装订等领域通过与知名生产机构的合作而处于国内前列。除了出版了大量具有高水准的个人全集作品画册之外(如《吴冠中全集》最近获得2007艺术，中国年度最有影响力出版物)，湖南美术出版社自90年代陆续推出当代艺术研究系列书籍。不仅开启了对中国当代艺术学术研究的出版先河，同时也推动了有关中国当代艺术的学术标准和评价体系的建立。

除了立足于出版层面的深度创新和坚持拓展外，湖南美术出版社也谋求在产业结构和经营模式上实现新的飞跃。针对中国艺术市场持续繁荣发展的现实形势，并结合自身在艺术界、出版界的资源优势，湖南美术出版社审时度势，决定在中国政治、经济、文化的中心首都北京成立名为“圣之空间艺术中心”的崭新的运营机构。

圣之空间艺术中心的定位，既包含了湖南美术出版社根据自身内部产业结构的创新性定位，也包括了湖南美术出版社依据中国当代艺术的文化特征和市场特征而确定的外部定位。具体而言，前者是将“圣之空间艺术中心”视为其产业结构转型的有机组成，也是其全面介入当代艺术产业的起点；后者则是以“圣之空间艺术中心”为切入点、在全球瞩目的中国当代艺术聚集中心798艺术区，尝试艺术经营推广的新模式：“非美术馆的美术馆”。

工艺美术运动总结篇4

关键词：装饰艺术；图案；形式法则

生活中，装饰艺术的样式随处可见，从手绘到电脑图形，从剪贴到数码工艺，各种装饰艺术形式都以其不同特点、形式、材料改变着人们的审美心理，美化人们的生活。同时，随着人们审美水平的提高，对于装饰设计也提出了更高的要求，传统的装饰作品从概念到设计都发生了很大的变化。只有继承和发展优秀文化遗产，才能更好地创新。

装饰艺术具有独特魅力和观赏价值。它可以通过各种装饰的特殊手段来创作，以达到装饰美感。但是装饰作品也要受到材料和工艺的制约。所以说装饰作品通常不是个人出于爱好而制作出来，而是要不断适应客观对象要求，克服工艺制作局限的过程中自然产生发展的。装饰艺术是一种理想化的艺术表现，它不是“如实”地描绘大自然，而是运用形式美的规律和法则，夸张变形的艺术手法，对自然界加以美的再创造，使其从自然形态升华为艺术形态，成为一种独立的艺术形式。

既然作为一种全新艺术形式，取材于生活，高于生活，那么就是要在选择题材后，对客观事物的形象、色彩、以及构图等方面进行重新的设计和编排，使其更具美感和装饰艺术价值。因此，我们要注重设计中形式法则的应用。

任何造型艺术包括设计都有共同的审美规律和法则，装饰艺术也是如此。它是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。掌握形式美的法则，能够更好地表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。人们通过长期的艺术创作，总结归纳出很多形式美法则，我们主要谈以下几种形式。

一、变化与统一

它是装饰图案变化的总则。世上一切事物都处于变化之中，但又统一于某种形式，艺术表现也是如此。变化是指相异的形、色、质等图案因素并置在一起，造成的显著对比的效果。如构图中的宾与主，虚与实；位置的上与下、前与后；形状的大与小、方与圆；数量的多与少、繁与简；色彩的明与暗、冷与暖；质地的粗与细、软与硬等等。变化富于动感――图案形、色、质等诸多构成因素的变化，给人以生动活泼，新鲜强烈，丰富多彩的感觉。但是，当其处理不当则易杂乱，松散而失去美感。

统一是指图案各组成部分间的内在联系。具体的讲即是通过图案各部分相同或类似的形、色、质等构成因素，将图案各变化的局部，组织整体的有机联系。统一富有静感――图案的形、色、质等诸构成因素的统一，给人以调和安定，庄重严肃，有条不紊的感觉。但是，过分的统一，也易单调，乏味而失去美感。

变化与统一既相互对立又相互依存。任何完美的图案都具有变化与统一两个方面的因素，并形成有机联系的整体。若一味追求变化，就会杂乱无章；片面强调统一，又会呆板单调。在装饰设计过程中，要在统一中求变化，或在变化中求统一；变化的因素越多，动感越强。

二、对称与均衡

对称形式在生活中极为常见。如人体的眼、耳、手、足：飞禽、昆虫的双翅；植物的对生叶片等。装饰作品运用对称主要是使图形产生平稳的关系。在装饰画中对称又可分为绝对对称和相对对称两种形式。

均衡也称平衡，它不受中轴线和中心点的限制，没有对称结构，但有对称式的重心。由形的对称变为力的对称，给人同量不同形的感觉，体现变化中的稳定感。平衡的结构富于动感，具有生动活泼的表现特征，呈现变化丰富的动态美。

在装饰艺术设计中，应根据实用与审美的需要，或采用不同的形式，或采取两种形式的结合，以获得完美的艺术效果。

三、条理与反复

条理与反复是装饰艺术作品构成秩序美感的重要因素，同时，反复的应用又是装饰艺术所特有的一种美的形式。

条理是指复杂纷纭的自然物象的构成因素，经过概括，归纳，使之规律化，秩序化，呈现出一种整齐美。装饰作品的条理首先体现在布局安排上。根据条理原则，使不同造型排列合理、错落有致，视觉上给人落落大方、整齐美观的感觉。条理不仅体现在布局方面，同时也体现于造型、色彩以及技法等方面。如乡间的麦田、都市的高楼大厦、蝴蝶的色彩、树木的年轮等，都呈现出不同的条理因素，显得井然有序，表现出整齐美。

反复是指同一形象因素的重复或有规律的连续排列，从而产生富于统一感的节奏美。如道路两旁的路灯、礼堂的座椅、花朵的花瓣排列等，单一元素的反复所形成的气势绝非个体能完成。在装饰作品中，一切对称形式的图案和连续图案都是反复形式的体现。除了相同图形的反复，还有近似图形的反复，运用得当，可以达到既统一又求得变化的理想效果。

四、节奏与韵律

节奏和韵律本是音乐的主要表现形式，同时也体现在建筑、雕塑、绘画和装饰艺术等不同的视觉艺术形式中。它是指不同的造型构图及色彩变化能使人内心产生类似欣赏音乐的节奏与韵律美感。

节奏是指艺术中有规律地出现音或形、色连续交替的现象。绘画及装饰图案中的节奏感则表现在造型及色彩有规律的、连续不断的交替和重复。交替与重复又是以不同的构成元素来体现，如果构成元素简单，所产生的节奏也比较平淡；若构成元素复杂，产生的效果则丰富，但要适度，否则就会杂乱，失去美感。装饰艺术图案设计中节奏的体现极为常见。如二方连续图案，图形有规律地重复形成节奏。(左图)古代彩陶图案，很多都采用了这种形式，表现题材丰富，主次分明，错落有致，体现出节奏美感。

韵律原是指诗歌、音乐中的声韵和节律。有规律的重复产生韵律。装饰艺术中图案的条理与反复也产生像诗歌一样抑扬顿挫的优美情调和韵律，画面和谐统一。但其中也应有相异成分，变化更富于生动。韵律存在于万物之中，如水中的波纹、天空中的流云、摆动着的柳枝……都呈现出富有韵味的韵律景象。节奏与韵律相统一，才能在整体中形成完美的视觉效果。

五、比例

比例在装饰艺术中常指艺术的整体与局部或者局部间的数量关系。装饰艺术中写实的装饰画基本是按照自然标准的各种比例关系表现，尽管画面运用了很多装饰语言，但仍未脱离自然的比例和真实感。

那么另一种形式是不受自然比例的限制，根据需要来安排图像之间的比例关系，装饰意味更强。有的图中人物和景物的比例关系与自然真实的相差甚远，但画面非常协调，以极强的装饰效果感染人，正是所谓“艺术来源生活，高于生活。”

综上所述，我们论述了形式法则的几种主要形式，在实践过程中，要灵活运用形式美法则，才能在装饰艺术中设计出更多更

参考文献：

[1]杨顺泰.王卫平.《设计的基础与应用》.上海教育出版社.2002

[2]孟梅林盛荣《装饰艺术》.合肥工业大学出版社.2004.

工艺美术运动总结篇5

美术感悟美术美术学习

一、美术教学首先要感知美术

美术，指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。一般指除了建筑艺术之外的造型艺术的通称。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，“五四”运动前后传入中国，开始普遍应用。也称“造型艺术”。按照目的可分为两大类，即：纯美术和工艺美术两类。

美术也称造型艺术或视觉艺术。它是利用一定的物质材料，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉形象的艺术。是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感受的一种艺术形式，因此，美术又称之为“造型艺术”“空间艺术”。

二、分类

在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。

1.绘画

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、色彩和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、壁画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界。

2.雕塑

雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象，表现手法借助于体积和结构等。

雕塑的产生和发展与人类的生产活动紧密相联，同时又受各个时代宗教、哲学等社会意识形态的直接影响。中国陕西何家湾和辽宁凌源、建平等地发现的5000～6000年前新石器时代的石雕、骨雕、人像和女神彩塑头像等，反映了人类对自然力的崇拜和对动物的崇拜以及认识人本身、认识世界的过程。

3.工艺美术

工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。转贴于

三、建筑艺术

建筑艺术是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准，建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。从总体来说，建筑艺术与工艺美术一样，也是一种实用性与审美性相结合的艺术。建筑的本质是人类建造以供居住和活动的生活场所，所以，实用性是建筑的首要功能；只是随着人类实践的发展，物质技术的进步，建筑越来越具有审美价值。

如何巧妙地学习美术，笔者认为要从如下几个方面入手：

首先，要有科学的学习方法和良好的心理素质。学习美术的过程中，有的同学作画非常刻苦、勤奋，但是技能并没有达到提高，至是在现有的水平上，原地踏步。这往往就是学生学习美术的思路和方法不对。从表面上看，他们老老实实，勤勤恳恳，没有做到及时的总结，没有去看到自己的画为什么没有得到提高，只是手法上的熟练，在这样的情况下怎能取得好的学习效果呢？那么我们就应该做到多动手，多动脑，实战经验结合理论知识，每次作画后都要认真的分析，自己的不足与优势，尽量少走弯路，达到学习的最高效率。

其次，要针对性地去学习。知己知彼，才能百战不殆。就是要求我们首先要弄清自己的学习状况，存在哪方面的问题，针对性地去克服与解决。比如，有的同学技法比较熟练，但是色调的搭配上不是很好，也有的人色彩搭配很合理，但是手法不纯属，因此做不出完美的作品。

工艺美术运动总结篇6

关键词：新艺术运动；直线风格；格拉斯哥学派；维也纳分离派；青年风格派

新艺术运动的主要成就集中在建筑、绘画等方面，其对园林设计的影响没有像对建筑那么大。在当时大多数的园林设计师眼中，自然风景园才是园林设计最完美的典范。而由新艺术运动中的艺术家所完成的若干园林设计，大多摈弃了风景式的形式，擅用建筑的语言把园林作为空间艺术来处理，并配以明快的色彩和精致的装饰细部。这两种不同理念的碰撞又一次引发了自然式和规则式园林的争论，并向着更深入和广泛的方向发展。

新艺术运动直线风格摆脱了单纯的装饰性，向着功能主义的方向发展，并产生了服务大众的民主思潮，直接孕育了现代主义运动的产生，并为其发展奠定了坚实的基础。

一.新艺术运动概述

在现代主义运动早期，比利时和法国等国家的艺术家们以自然界普遍存在的贝壳、水涡旋、花草枝叶等为设计素材，抽象出富有动感的曲线，作为建筑、家具和日用品的装饰。他们以这样的方式来反对传统的模式，希望通过装饰来表达对大工业化时代的一种恐惧和厌恶，和对弥漫了整个19世纪的矫揉造作的维多利亚风格的反动。这场运动席卷了欧洲和美国，涉及到包括建筑、园林、家具、产品、服装、平面设计、书籍插图、雕塑以及绘画艺术在内的众多领域。

由于民族文化、思维方式、审美情趣的差异，新艺术运动在英国、德国、奥地利发展出了有别于曲线运动的直线几何风格，探索了用简洁的几何形式和构成方法来进行设计的创新道路。他们分别以苏格兰格拉斯哥学派、奥地利维也纳分离派和德国青年风格派为代表。

二.新艺术运动直线风格流派及其特点

（一）格拉斯哥学派

麦金托什是格拉斯哥学派的领袖，他在英国新艺术运动中取得了令人瞩目的设计成就。在他早期的作品中还有一些曲线风格的特征，但后期由于受日本浮世绘的影响，他对线条的运用非常感兴趣，特别是简单的直线和几何图形，使他几乎放弃了所有的曲线，改用直线和简明的色彩。他一生所涉猎的设计领域非常广泛，包括建筑、家具、灯具、玻璃、地毯、壁挂等诸多方面，主要代表作品有格拉斯哥艺术学院、杨柳茶室、希尔家族住宅等。这些作品运用了简洁的几何造型和干练的构图原则，突出建筑的立体感，并配以优美的细部装饰，是新艺术运动中的精品。

格拉斯哥学派以多面的作品形成了几个风格特征，一是装饰性的线条图案、格子图形和玫瑰造型；二是柔和的配色，主要采用橄榄色、淡紫色、乳白色、灰色和银白色等清淡优美的色彩；三是大量使用高度抽象而复杂的平涂图形。

（二）维也纳分离派

分离派的先驱人物是建筑师瓦格纳，其他核心人物主要包括克里姆特、霍夫曼、奥布里希等。瓦格纳的代表作品是奥地利邮政储蓄银行。该建筑不但使用了玻璃、钢材等新材料，还有内装外露的创新装饰手法。建筑主体雄伟挺拔，大厅为不规则四边形结构，并以悬浮在钢柱和钢梁上的玻璃大跨拱覆盖，结构轻巧、视线通透。他还设计了银行的扶手椅和方凳，它们共同表现了瓦格纳超前于时代的现代设计手法。奥布里希的代表作品有达姆斯塔特的私人住宅和花园、几届德国艺术展的总体环境设计、1905年在达姆斯塔特举办的园艺展中的“色彩园”、1908年在第三次艺术展中设计的一个展览馆和一个高50m的婚礼塔、维也纳分离派总部等。分离派总部建筑拥有整洁的墙面、水平的线条、平整的屋顶，并运用了各种对比手法，如横与纵、方与圆、明与暗、石材与金属的对比等等，使得整个建筑看起来庄重而典雅，特别是安放在建筑顶部的金属镂空球，又让建筑轻巧活泼，被誉为神来之笔。霍夫曼的代表作品有斯托克莱宫，它以混凝土为主要建筑材料，运用立方体的构成组织建筑空间，塔体的顶部有有精致的雕塑细节，整体造型简洁干净，形式清新，细节华美，其花园设计也别出一格，在设计史上也引起了不小的关注。维也纳分离派在设计中整体上采用简单抽象的几何形体，尤其是方形，进行组合变化构成作品，并擅长运用连续的直线及纯白和纯黑的色彩进行创作，仅在局部保留少量的曲线装饰来点缀。整体作品造型干练有力，线条挺拔，色彩明快，装饰优美。

（三）青年风格派

贝伦斯是青年风格派的代表人物，是德国现代设计的奠基人。在1900年前后，他设计了大量的产品和广告设计，并完成了一些划时代的建筑作品。其代表作品有1901贝伦斯住宅、1904杜塞尔多夫的国际艺术与园艺展览公共园林、1905在奥登堡的德国西北部艺术展览上设计的园林、1907年在曼海姆庆祝建城300周年举办的园艺展上设计的一个专题花园、1909德国通用电器集团厂房及标志、产品等。另外，这个学派的莱乌格设计了位于巴登-巴登的苟奈尔（Gonner）花园、奥斯滕多夫设计了位于海德堡的Krehl别墅花园，这些新形式的设计以新的理念与手法获得了广泛赞誉，并为现代园林的发展做出了重要贡献。

青年风格派在开始也有明显的自然主义色彩，但是后期受格拉斯哥学派的影响，开始从简单的几何造型和直线的运用上寻找新的形式发展方向。以上提到的园林作品综合运用园墙、花架、亭、喷泉、雕塑、绿篱、修剪成圆柱体的植物及正方形种植池等元素来组织空间，使作品功能合理，空间明确，布局严谨，细部精美。

三.对现代园林设计的影响

（一）关注设计服务的对象，抓住设计艺术的本质

设计的本质是为人的，园林设计也不例外。正如新艺术运动重要的流派“维也纳分离派”设计家奥托.瓦格纳在其1895年发表的著作《现代建筑》中所说：“设计应该集中为现代生活服务，而不是模拟过往的方式和风格，设计是为现代的人服务，而不是为古旧复兴而产生。”

新艺术运动产生的背景源于19世纪人们对工业生产和维多利亚风格的厌恶，这一点与英国工艺美术运动颇为一致。但新艺术运动却不明确反对工业生产，相反还有选择的利用工业材料和力量进行艺术创作，设计出符合生产标准和模块运作的作品。新艺术运动把更多的目光投向日常用品而非绘画和雕塑，特别是在新艺术的平面设计和插图设计中。其出发点就是使设计艺术成为人们日常生活的一个组成部分，使设计开始真正为大众服务。民主的、关注大众的和关注生活的设计思想成为了这一运动的基调。

再看美国第一代园林设计大师托马斯.丘奇，在他暮年时，有人请教他的设计哲学，他回答说“我的哲学是客户总是对的”。从这句话中，我们可以理解设计因服务对象而存在的重要性了吧。

（二）将批判与开创的精神进行到底

首先，批判历史，融合本土与异域的文化，开拓新的形式和风格。

新艺术运动与以往任何历史阶段的探索完全不同，它以彻底革新的姿态完全否定了“历史主义”。新艺术运动基本上完全放弃对任何一种历史传统风格的借鉴，这种开创的精神正是现代主义的精神实质，它奠定了以后各种设计运动对于历史风格的断然否定关系。

新艺术运动中的格拉斯哥学派和维也纳分离派率先开始了对几何直线风格的探讨，倡导精炼、简洁设计语言，并认识到理性主义和功能的核心作用。这些与新艺术运动中以自然题材的曲线为装饰主题的风格相去甚远。简单的几何直线设计、黑白的机械化中性色彩符合大工业生产机械化、批量化、标准化的需要，符合现代主义为大众设计的民主思想。在这样一种社会经济文化背景下，这些探索和尝试是符合时代大势要求的，也为后来的设计者们提供了经验和借鉴。

新艺术运动的设计师们也注重与异域文化的融合，在创作中借鉴日本、埃及、希腊、中国、阿拉伯等国家和民族的艺术元素，再用一种新的形式表现出来，从而成就了其独特的风格。现代主义运动发展到现在，已经不再是一种风格横行天下的局面了。多元的文化带来了多元的设计风格，相互融合与创新是未来园林设计发展的一条路子。

其次，使用新的技术和材料，让科学与艺术交融发展维也纳分离派运动的成员断言，新结构和新材料的出现必然会导致新的设计理念的萌生，他们认为建筑设计领域内的完全复古主义思想是极其荒谬的，他们坚持当代的设计应该是为当代人服务的，而不是为任何意义上的古典复兴而存在的。他们主张采用简单的几何造型和直线线条，再必要辅以适度而少量的曲线点缀，来达到适当而不夸张的装饰效果。

新艺术运动大胆尝试和实验了各种想法和材料，工业化生产的新材料铸铁和玻璃作为结构和装饰材料，在新艺术运动中得到了最极致的发挥。只要看一看吉玛德（HecrotGuimand）的巴黎地铁站，蒂芙尼的玻璃台灯和泽林设计的柏林蒂次百货商店就十分清楚了。

而我们看园林设计中的材料，大部分都是沿用下来的一些素材，比如鹅卵石、青砖、木头等。跟建筑和室内设计不一样，在室外能经得起考验的材料也确实不多，很多新的工艺和材料，比如金属、塑料等，也是到近几年才慢慢应用起来，被普遍接受的程度不高。但不管结果如何，行业要发展，新工艺和新材料的推广始终是摆在设计师面前的一个问题。

（三）关注空间的设计，把植物作为组织空间的要素

在现代园林中，空间是设计主体。园林设计基本的图面要素有点、线、面、体、色彩、质感等，设计师即是根据服务对象的生活方式和意愿，运用园林设计的要素，来营造一个个空间而完成最终设计的。

新艺术运动的另一个核心人物穆特修斯在三卷本的著作《英格兰的住宅》中指出，园林与建筑之间的概念要统一，理想的住宅园林应该是尽量再现建筑内部的“室外房间”，座椅、栏杆、花架、亭子、喷泉等室外元素的布置也应与室内家具布置相似。新艺术运动中的园林，都是建筑师或艺术家们用建筑的语言来设计的，它们有明确的建筑式的空间划分，并将植物修剪成圆柱体或规则的绿篱，或用几何式的种植池来组织空间，如同建筑物的地面、天花板、围墙、门窗一样，形成一个空间到另一个空间的转换。

四.小结

世界范围内的现代化运动已经深入人心，我们回顾这一百年前的设计运动，其目的不仅仅是要回顾这个运动的历史功绩，而是要在当下这个风云变幻的时代中，找到一种富含国际视野、文化底蕴、民族精神、生活理念等各方面的设计道路，积极地寻找运动给我们带来的启示，并深刻的发掘中国传统文化和古典园林的精髓，同时能深化与西方设计文化的接触与沟通，并用先进的理念和独到的眼光探索发现新的技术和材料，用更新颖的设计来充实本国的园林设计之路。

参考文献：

[1]高兵强等著.新艺术运动[M].上海：上海辞书出版社，2010.

[2]王向荣，林箐著.西方现代景观设计的理论与实践[M].北京：中国建筑工业出版社，2002.