雕刻艺术入门知识篇1

传承了三千年的中国古典家具，是被全世界公认的中国传统文化代表，其型”艺”韵”材”，处处皆文化。家具工艺本身，可以说就是文化老到的木作技术，是国人在木材的文化上展现的聪明才智。在木作榫卯结构中，融汇了古人在力学、几何学、哲学与文化知识等多方面的传统文化底蕴。而明清时期家具制作之鼎盛，正是集千年文化之大成。其中，故宫内的皇室家具更体现了家具的最高水平，是古典家具的典范。而当今难得一见的紫檀家具作为历史文化的传承，继承了古典文化的一脉精髓，反映了不同时期文化的紫檀雕刻，更是中国民间文化遗产中以特定形式和技法流传至今的艺术。交错的纹理、致密的结构，让紫檀也成为了市场上经久不衰的宠儿，在当今更是价格堪比黄金。纯手工制作，以雕，以刀作画，各种雕刻技法的融合，使紫檀雕刻技艺”入选第三批部级非物质文化遗产名录。

紫檀作为一种百年生长一寸的硬木，因其材质绝伦、存世极少，自古以来被视为异材。所谓寸檀寸金”，实不为过。对于一般收藏家而言，拥有一件紫檀制品几乎为奢望，然而著名实业家陈丽华女士却拥有1000多件这样的器物。如今，这些价值连城的宝贝陈列在京东一座规模宏大的仿古建筑群中，这里是紫檀艺术的圣殿——中国紫檀博物馆。

走到中国紫檀博物馆这座具有浓郁明清宫廷风格的建筑前，李瑞环同志题写的紫檀宫”三个大字高悬博物馆正面。据博物馆工作人员介绍，博物馆是1999年9月开馆的。整个展馆现在分三层，展出面积近万平方米，共展出各种用珍贵硬木雕刻而成的艺术品和古典家具千余件。其中，博物馆的建造也沿用了传统工艺，正门就使用了400多立方米木材，并且全部是纯木结构，支撑大门的四根柱子高8米，粗0.6米，无论是规模还是材质，在北京的仿古建筑中都属罕见。而馆前千余平方米的广场，完全仿效过去皇家使用的海漫斗板地面——大青砖铺设后再浸润桐油。而指导整个工程请来的几位老专家，都是建国之初即在故宫博物院里从事木作、瓦作和画作方面的业界泰斗，被称作活着的国宝”。

紫檀的皇家风范

进入紫檀宫，果然不同凡响。1：1大小金碧辉煌的金銮殿首先就让每个游客眼中放光，仿故宫乾清宫的宝座绝对是新鲜出炉的样子，故宫原版金銮殿反而显得暗淡很多，要是不看说明，还以为这个是故宫在这里展出的展品呢。红木制作的乾清宫贴金屏风宝座，屏风雕有9条龙，共5扇，表示皇权的九五之尊，透着皇家至高无上的气派和尊贵。大厅两旁矗立着四个高耸的立柜，其中之一，便是陈丽华的家传之物。清代的立柜高3.3米，分为顶箱、立柜两部分，上面雕刻有博古纹。花瓶代表平安，香炉代表稳固的政局，稻谷和宫灯代表五谷丰登，柿子和如意代表事事如意，仙桃代表长寿，石榴和佛手代表多子多福。柜子用万字文装饰，万字文四出头相互连接，表示福泽绵延。立柜运用各种题材作为装饰图案，将美好的寓意蕴含其中，展现了传统文化中的古人智慧。

宝座后方，紫檀木雕故宫角楼9梁18柱72条脊，三数相加正好是99，代表九九至尊之意。角楼没用一根钉子、一点胶，完全是靠榫卯结构支撑起来的，堪称巧夺天工的神秀之作。4米高的模型是1:5比例制作，共耗费紫檀木料400余吨。如此的大手笔，不得不感叹女主人的魄力。据了解，紫檀木属于东南亚名贵的物种，就像赌石，不切开谁也不知道里面的质量，有十檀九空”之说。八九十年代，博物馆馆长陈丽华出于对紫檀无以复加的热爱，曾耗费巨资八下南洋，搜寻购置了几十万斤的紫檀和黄花梨大料，以故宫器物为蓝本，开始打造宫廷艺术。为了展现紫檀精品的高贵典雅，所有紫檀作品都是工匠们手工完成的。故宫角楼模型仅屋檐斗拱就由4600块紫檀料组装而成，这里每个部件都要经过10多道工序，而这个建筑需要10多名工匠花费几年时间完成。由于数百年才能成材，所以紫檀雕刻都是惜材”如金，而这个紫檀王国的建设更是经过了二十余年的前期打造，才有了今天这样恢弘的气势。

过去皇家布局讲求对称，在这里也是一样遵循了皇家礼制。一层东厅、西厅进门分别放置了紫檀雕故宫御花园万春亭和千秋亭的模型，两个建筑交相呼应。从东厅而入，紫檀雕山西省万荣县飞云楼模型很是抢眼，整座楼阁宛若万云簇拥、飞逸轻盈，若是天公作美，再飘来几朵白云，缠绕于楼顶，确有高耸入云、凌空欲飞之意境，所以用飞云”命名。这座楼有趣的是外观看起来是3层4檐，其实内藏玄机，楼内实为五层，有两个暗层藏于其间，建筑结构和造型完全为明清之遗风。全楼斗拱排列密集，形状极富变化，各檐翼角翘起，势欲飞翔。有专家曾表示，该楼结构之巧妙，造型之精美，外观之壮丽，堪称中国楼阁建筑的杰作。

据说紫檀原可以入药，明朝工匠发现紫檀坚硬无比可以做成家具后，便成为了皇帝和后妃们独享之物。明万历年间，航海贸易开放，紫檀才真正走上历史舞台。原色原木的紫檀作品，不用油漆打蜡，更成为收藏家们的诱惑之物。紫檀宫这里的雕刻作品从插屏、桌凳、茶几、条案、多宝格，到立柜、罗汉床、架子床应有尽有，众多的仿清家具雕刻有灵芝卷草、飞禽走兽、山水楼台、人物故事等丰富多彩的内容，有的意在劝诫学子，有的是突出皇权，有的则寓意美好，其题材都是古人们精心选材下的得意之作。明清各式架子床在展馆内一字排开，清代的雕刻繁复精美，而明代图案则简洁大方。这里有仿清代正厅的实景展示，内部完全按照儒家的礼制左右对称布局，深色的家具让整个厅堂环境庄严而肃穆。

艺术美的追求

移步二楼，仿故宫养心殿格局的大开间儿宽敞明亮，梁柱的雕梁画栋间，门窗、木塌、边桌、椅案在金色布艺的搭配下，洋溢着高贵清丽的气息。东西两侧展厅门口各摆放了一组紫檀嵌檀香、乌木嵌黄杨屏风宝座，利用木材的不同色泽互作花纹，嵌件上再施雕刻，装饰手法异彩纷呈。

进西侧黄花梨家具展厅，一种淡淡的清新木香沁人心脾。这里一把便携式的黄花梨交椅格外惹眼，弧形的靠背支撑，无缝的拼接技术，有趣的是舒缓流畅的线条造型下，有种浑然天成的皇家霸气。可见老祖宗们在生产皇家的器物时，也有着对于美的艺术追求。这里与一层展厅相对应位置，有黄花梨雕刻的明朝正厅布局，条案、方桌、柜格、圈椅、玫瑰椅都属当时流行的陈设，不同于清时期家具的富丽华贵、装饰繁复，明代家具雕琢简约，更显质朴含蓄。

转贴于

在这里最引人注目的，要数最能展现老北京厅堂民风民俗的喜房了。其内配备均为明清时期皇家所用的家具，方桌木椅、喜台喜座等摆放布局都是按照老北京的规矩，讲究的是过去大户人家娶媳妇的老礼儿。雕刻的玲珑剔透万字符喜床；红纱幔帐间，麒麟送子、游龙戏凤的刺绣；喜床两侧对称放有红穗装饰的宫灯和地灯，映衬出古香古色喜庆气息。

踏上三楼，在大厅中央一座紫檀制作的民宅四合院艺术品最为引人注目。整体布局出入躲闪、高低错落，三进院落完美再现了北方民居的建筑风貌。在展厅西侧，最为著名的是建馆之初的镇馆之宝——12幅紫檀雕的《清明上河图》。这件价值连城的艺术珍品幅长32.4米、宽1.77米，总重量为5397公斤，作品刀法娴熟、线条圆润、纹理清晰、粗细有致，综合了线雕、浅浮雕、深浮雕、平雕、圆雕、毛雕、透雕等紫檀雕刻的所有手法。仔细观瞧，房屋、桥梁、舟车、人物活灵活现，就连河水波纹，乃至船上悬空飘荡的细细绳索也被一一立体地再现了出来。讲解员告诉记者，这叫透雕技艺，技术难度很高，2厘米细的纤绳长长地悬于空中，凭借的是老师傅们几十年修为下来的经验。整幅画作完全按原画的意境，但雕刻带来的艺术效果，空间感和立体感更为突出。

紫檀宫渠主任告诉记者，《清明上河图》作为紫檀平面雕刻作品堪称精湛。但近几年，博物馆的大型根雕艺术作品则更为立体地展现了材质美和艺术美的完美融合，高2米的樟木根雕《西游记》从设计到雕刻用了5年时间，故事中近百名人物呈现其中，情景再现了西天取经的艰险，堪称艺术珍品。但雕刻之中也不无遗憾，最早收来的树根中有一块自然镶嵌的石头，为了便于雕刻就去除了，现在看来要是留在其中，必能成为石猴托生又一经典故事了。

保护当下放眼未来

据了解，以前这里的作品准许观众触摸，可由于曾有过观众无心的损坏，给艺术品带来巨大损失，所以现在博物馆用亚克力透明罩作为保护。看到众多展厅角落摆放着大大的瓷缸，不禁产生了疑惑。讲解员告诉记者，这是冬天放水用的，由于木制家具热胀冷缩的特性，家具制作都有伸缩缝，对湿度要求很高，除了空调的温湿调控，这里还在水缸里注水，防止入冬器物干裂。

中国紫檀博物馆渠主任告诉记者，这里每年接待数万人，随着人们对珍稀木材认识的提高，紫檀博物馆还将在今年年底进行陈设改造，在突出展品的同时增加与观众的互动性。在这里，每年非遗日、国际博物馆日、馆庆日都会请雕刻师傅来现场演示。

作为紫檀雕刻技艺的传承人，陈丽华馆长为更好地传播紫檀文化，曾多次携紫檀珍品赴德、美、法、日、韩等国进行海外巡展。2012年，中国紫檀博物馆还要干的一件事情，就是用几年的工夫重现老北京城存在过的内城九门、外城七门，制做出来一个紫檀雕刻的老北京城，这又将是一个很艰巨的挑战。她要通过这些藏品将传统工艺保留下来，让后代了解祖国的传统雕刻文化。

这个博物馆古旧之物占很少一部分，仿明清紫檀艺术品新作很多。作品植根于传统，其人文价值、艺术价值很高，得到国内外专家们的一致认可。紫檀能留存千年，一件作品只要经得起历史的洗礼，不管经过多少年，迟早会成为文物，中国紫檀文化也将能传承下去。陈丽华是个有理想的人，他认识到要传承中华紫檀雕刻文化，材料是关键。面对现在高档木料匮乏的现实，陈丽华计划在海南建立黄花梨培植基地，为数百年之后的中华儿女留下宝贵的遗产，让优秀民族文化技艺世代流传下去。

紫檀作为一种百年生长一寸的硬木，因其材质绝伦、存世极少，自古以来被视为异材。所谓寸檀寸金”，实不为过。对于一般收藏家而言，拥有一件紫檀制品几乎为奢望，然而著名实业家陈丽华女士却拥有1000多件这样的器物。如今，这些价值连城的宝贝陈列在京东一座规模宏大的仿古建筑群中，这里是紫檀艺术的圣殿——中国紫檀博物馆。

走到中国紫檀博物馆这座具有浓郁明清宫廷风格的建筑前，李瑞环同志题写的紫檀宫”三个大字高悬博物馆正面。据博物馆工作人员介绍，博物馆是1999年9月开馆的。整个展馆现在分三层，展出面积近万平方米，共展出各种用珍贵硬木雕刻而成的艺术品和古典家具千余件。其中，博物馆的建造也沿用了传统工艺，正门就使用了400多立方米木材，并且全部是纯木结构，支撑大门的四根柱子高8米，粗0.6米，无论是规模还是材质，在北京的仿古建筑中都属罕见。而馆前千余平方米的广场，完全仿效过去皇家使用的海漫斗板地面——大青砖铺设后再浸润桐油。而指导整个工程请来的几位老专家，都是建国之初即在故宫博物院里从事木作、瓦作和画作方面的业界泰斗，被称作活着的国宝”。

紫檀的皇家风范

进入紫檀宫，果然不同凡响。1：1大小金碧辉煌的金銮殿首先就让每个游客眼中放光，仿故宫乾清宫的宝座绝对是新鲜出炉的样子，故宫原版金銮殿反而显得暗淡很多，要是不看说明，还以为这个是故宫在这里展出的展品呢。红木制作的乾清宫贴金屏风宝座，屏风雕有9条龙，共5扇，表示皇权的九五之尊，透着皇家至高无上的气派和尊贵。大厅两旁矗立着四个高耸的立柜，其中之一，便是陈丽华的家传之物。清代的立柜高3.3米，分为顶箱、立柜两部分，上面雕刻有博古纹。花瓶代表平安，香炉代表稳固的政局，稻谷和宫灯代表五谷丰登，柿子和如意代表事事如意，仙桃代表长寿，石榴和佛手代表多子多福。柜子用万字文装饰，万字文四出头相互连接，表示福泽绵延。立柜运用各种题材作为装饰图案，将美好的寓意蕴含其中，展现了传统文化中的古人智慧。

宝座后方，紫檀木雕故宫角楼9梁18柱72条脊，三数相加正好是99，代表九九至尊之意。角楼没用一根钉子、一点胶，完全是靠榫卯结构支撑起来的，堪称巧夺天工的神秀之作。4米高的模型是1:5比例制作，共耗费紫檀木料400余吨。如此的大手笔，不得不感叹女主人的魄力。据了解，紫檀木属于东南亚名贵的物种，就像赌石，不切开谁也不知道里面的质量，有十檀九空”之说。八九十年代，博物馆馆长陈丽华出于对紫檀无以复加的热爱，曾耗费巨资八下南洋，搜寻购置了几十万斤的紫檀和黄花梨大料，以故宫器物为蓝本，开始打造宫廷艺术。为了展现紫檀精品的高贵典雅，所有紫檀作品都是工匠们手工完成的。故宫角楼模型仅屋檐斗拱就由4600块紫檀料组装而成，这里每个部件都要经过10多道工序，而这个建筑需要10多名工匠花费几年时间完成。由于数百年才能成材，所以紫檀雕刻都是惜材”如金，而这个紫檀王国的建设更是经过了二十余年的前期打造，才有了今天这样恢弘的气势。转贴于

过去皇家布局讲求对称，在这里也是一样遵循了皇家礼制。一层东厅、西厅进门分别放置了紫檀雕故宫御花园万春亭和千秋亭的模型，两个建筑交相呼应。从东厅而入，紫檀雕山西省万荣县飞云楼模型很是抢眼，整座楼阁宛若万云簇拥、飞逸轻盈，若是天公作美，再飘来几朵白云，缠绕于楼顶，确有高耸入云、凌空欲飞之意境，所以用飞云”命名。这座楼有趣的是外观看起来是3层4檐，其实内藏玄机，楼内实为五层，有两个暗层藏于其间，建筑结构和造型完全为明清之遗风。全楼斗拱排列密集，形状极富变化，各檐翼角翘起，势欲飞翔。有专家曾表示，该楼结构之巧妙，造型之精美，外观之壮丽，堪称中国楼阁建筑的杰作。

据说紫檀原可以入药，明朝工匠发现紫檀坚硬无比可以做成家具后，便成为了皇帝和后妃们独享之物。明万历年间，航海贸易开放，紫檀才真正走上历史舞台。原色原木的紫檀作品，不用油漆打蜡，更成为收藏家们的诱惑之物。紫檀宫这里的雕刻作品从插屏、桌凳、茶几、条案、多宝格，到立柜、罗汉床、架子床应有尽有，众多的仿清家具雕刻有灵芝卷草、飞禽走兽、山水楼台、人物故事等丰富多彩的内容，有的意在劝诫学子，有的是突出皇权，有的则寓意美好，其题材都是古人们精心选材下的得意之作。明清各式架子床在展馆内一字排开，清代的雕刻繁复精美，而明代图案则简洁大方。这里有仿清代正厅的实景展示，内部完全按照儒家的礼制左右对称布局，深色的家具让整个厅堂环境庄严而肃穆。

艺术美的追求

移步二楼，仿故宫养心殿格局的大开间儿宽敞明亮，梁柱的雕梁画栋间，门窗、木塌、边桌、椅案在金色布艺的搭配下，洋溢着高贵清丽的气息。东西两侧展厅门口各摆放了一组紫檀嵌檀香、乌木嵌黄杨屏风宝座，利用木材的不同色泽互作花纹，嵌件上再施雕刻，装饰手法异彩纷呈。

进西侧黄花梨家具展厅，一种淡淡的清新木香沁人心脾。这里一把便携式的黄花梨交椅格外惹眼，弧形的靠背支撑，无缝的拼接技术，有趣的是舒缓流畅的线条造型下，有种浑然天成的皇家霸气。可见老祖宗们在生产皇家的器物时，也有着对于美的艺术追求。这里与一层展厅相对应位置，有黄花梨雕刻的明朝正厅布局，条案、方桌、柜格、圈椅、玫瑰椅都属当时流行的陈设，不同于清时期家具的富丽华贵、装饰繁复，明代家具雕琢简约，更显质朴含蓄。

在这里最引人注目的，要数最能展现老北京厅堂民风民俗的喜房了。其内配备均为明清时期皇家所用的家具，方桌木椅、喜台喜座等摆放布局都是按照老北京的规矩，讲究的是过去大户人家娶媳妇的老礼儿。雕刻的玲珑剔透万字符喜床；红纱幔帐间，麒麟送子、游龙戏凤的刺绣；喜床两侧对称放有红穗装饰的宫灯和地灯，映衬出古香古色喜庆气息。

踏上三楼，在大厅中央一座紫檀制作的民宅四合院艺术品最为引人注目。整体布局出入躲闪、高低错落，三进院落完美再现了北方民居的建筑风貌。在展厅西侧，最为著名的是建馆之初的镇馆之宝——12幅紫檀雕的《清明上河图》。这件价值连城的艺术珍品幅长32.4米、宽1.77米，总重量为5397公斤，作品刀法娴熟、线条圆润、纹理清晰、粗细有致，综合了线雕、浅浮雕、深浮雕、平雕、圆雕、毛雕、透雕等紫檀雕刻的所有手法。仔细观瞧，房屋、桥梁、舟车、人物活灵活现，就连河水波纹，乃至船上悬空飘荡的细细绳索也被一一立体地再现了出来。讲解员告诉记者，这叫透雕技艺，技术难度很高，2厘米细的纤绳长长地悬于空中，凭借的是老师傅们几十年修为下来的经验。整幅画作完全按原画的意境，但雕刻带来的艺术效果，空间感和立体感更为突出。

紫檀宫渠主任告诉记者，《清明上河图》作为紫檀平面雕刻作品堪称精湛。但近几年，博物馆的大型根雕艺术作品则更为立体地展现了材质美和艺术美的完美融合，高2米的樟木根雕《西游记》从设计到雕刻用了5年时间，故事中近百名人物呈现其中，情景再现了西天取经的艰险，堪称艺术珍品。但雕刻之中也不无遗憾，最早收来的树根中有一块自然镶嵌的石头，为了便于雕刻就去除了，现在看来要是留在其中，必能成为石猴托生又一经典故事了。

保护当下放眼未来

据了解，以前这里的作品准许观众触摸，可由于曾有过观众无心的损坏，给艺术品带来巨大损失，所以现在博物馆用亚克力透明罩作为保护。看到众多展厅角落摆放着大大的瓷缸，不禁产生了疑惑。讲解员告诉记者，这是冬天放水用的，由于木制家具热胀冷缩的特性，家具制作都有伸缩缝，对湿度要求很高，除了空调的温湿调控，这里还在水缸里注水，防止入冬器物干裂。

中国紫檀博物馆渠主任告诉记者，这里每年接待数万人，随着人们对珍稀木材认识的提高，紫檀博物馆还将在今年年底进行陈设改造，在突出展品的同时增加与观众的互动性。在这里，每年非遗日、国际博物馆日、馆庆日都会请雕刻师傅来现场演示。

雕刻艺术入门知识篇2

关键词：大理白族木雕工艺木雕设计课程教学可探索方向现有成果

云南是中国少数民族聚居最多的省份，除了汉族，26个少数民族占全省人口近三分之一，这使云南相比其他地区拥有更多的少数民族文化资源，其中彝族的刺绣，白族的扎染、木雕，苗族的银饰、剪纸等都是珍贵的民族民间工艺艺术。同时，云南也是一个旅游大省，大力发展旅游经济带动其他产业是云南目前及未来发展经济的模式。在这样的大环境下，云南地区艺术设计院校应借鉴其他美术院校的成功经验，利用地理区域和文化资源的优势，走建设具有本土特色专业课程的可持续发展道路。本文以大理白族木雕工艺与设计课程教学结合为例，谈谈该课程的可探索方向和现有成果。

一、大理白族木雕工艺概述及行业现状

中国有许多传统的手工艺正随着现代进程的迅速发展而面临生存危机，许多手工艺由于后继无人的技艺传承问题或者不被现代生活所需要等原因被迫退出历史舞台。尽管我国的非物质文化遗产保护工作一直在进行，但是仍有许多的手工艺渐渐消失。那么，有什么办法可以去保存它们呢？这实际上不只是文化工作者，同时也是当代艺术设计师们、艺术设计教育工作者们应该去思考的问题。以云南省为例，随着老一辈手艺人的去世，年轻人不愿继承和从事这类辛苦的手艺活，彝族苗族的刺绣工艺正逐步退化萎缩，这种现象同时也出现在其他的木雕、银饰、剪纸等传统手工行业中。导致这个现象的原因，一方面是传统产品对技艺要求高，无法工业化大批量生产，另一方面是行业古老、缺乏创新，跟不上现代化生活的脚步，与现代人生活需要和审美观出现落差，导致市场萎缩。而大理白族木雕产品设计课程的设置就是针对这些情况，希望通过为传统工艺注入现代设计理念的方式，拯救一个古老的行业，让这种古老的工艺能以崭新的面貌出现，最终打开市场为普罗大众重新接受。

大理白族木雕源于大理州剑川县，始于公元十世纪。白族人民在吸收了汉族和其他民族的文化和生产技术后，逐步形成了独特精湛的木雕技艺，剑川县素有“木匠之乡”的称号，目前云南的木雕产业也以大理剑川为中心，剑川木雕主要以整体性、写实性和传统性见强。雕刻技法有浮雕、线雕、透雕等，雕刻选用的木材有云木、红木、西南桦、缅甸红木等，木雕的内容以花草、动植物图案为主，也有神仙传说故事的题材，常见的有“八仙过海”、“八仙庆寿”等。木雕图案有香草、纹龙、纹凤、狮头、凤头、云纹等，变化多端，独具匠心。传统白族木雕是一门综合性很强的传统工艺，结合了艺术性、观赏性、实用性，并已渗透到人们生活的各个领域。

现有剑川木雕产品主要运用在建筑和居家装饰方面，比如仿古建筑的斗拱、门楣、格子门窗、家具，居家用品的文房四宝、茶盘、桌上器皿等，又或者是小型线雕壁挂、壁画类等具有民族特色的旅游产品。其中建筑方面的运用为大型木雕，目前多以机器切割结合手工后期精工处理的方式进行大批量生产，小型木雕比如笔筒、小型壁挂等多为手工制作，以小批量生产为主。

但是我经过实地调研发现，目前木雕工匠大多只注重雕刻技法的传承，图案设计和传统作品相比，有图案简化的趋势，许多作品线条图案粗糙不精致。除了个别实力雄厚的木雕工厂有设计人员进行图稿设计之外，大部分的小型加工厂或者作坊都是参考购买得来的图稿进行描绘雕刻，这类图稿以中国传统图案和工笔花鸟线描图稿为主，纯个人创作的极少。而产品类型方面，无论是大工厂还是小作坊，木雕产品多为传统已有的产品类型，很难看到有新的应用设计。总而言之，现在的白族木雕工艺是有技术无设计，如果不在传统工艺的基础上注入现代设计理念，不在内容与形式的结合上寻求创新，白族木雕就会停滞不前，最终将因市场的萎缩而在历史舞台消失。

二、大理白族木雕产品设计课程教学可探索的方向

针对以上提出的大理白族木雕工艺行业的特点和现状，木雕设计课程教学目前进行了可发展方向的探索，主要有以下三个可发展方向。

（一）木雕图案再设计

传统木雕中的线雕是以雕刀刻画线条构成图案，雕刀灵活的手法和力度形成作品的层次感和观赏价值，目前的线雕作品多以传统花鸟人物造型为主要创作内容，大部分的工匠都参照购买得来的白描图稿进行制作，无独创性，线雕人物大多造型呆滞和无变化，画面构成没有故事内涵，大多以单纯表现女性曲线身材为主，观赏性不强，内容空洞。云南是多民族地区，每个少数民族都有自己神秘和美丽的传说故事，这些文化资源都可作为创作蓝本，如果在教学中能更好地利用本土的传统文化资源优势，并结合现代图案设计手法，将为木雕产品带来崭新的面貌。以学生作品《木之本》剑川旅游产品记事本装帧设计为例，学生在教师的启发下，以大理白族的传统节

设计者：沈艳艳?摇?摇指导老师：黄绮

日――每年夏历六月二十五日的火把节和每年农历七月二十七日至八月初一石宝山歌会为主题进行创作。火把节的传统习俗是村村寨寨竖起大火把，夜晚时青年儿童都手持小火把，列队迎宾，手抓松香粉，对着火把撒向行人，泼火以示祝福。香粉一燃，火光冲天，寓意带来光明幸福吉祥如意。设计者从中提炼出夜晚和火光这两种重要元素进行图案设计，最终定稿以“火苗”“月亮”“祥云”“舞蹈的白族少女”等构成画面（见图一），人物的设计风格定位为现代插画风格，线条简单动感切合主题。石宝山歌会的表现沿用类似的风格和表现手法，石宝山歌会是白族人民抒怀赞美生活的盛大聚会，也是以夜晚和篝火为背景的节日，最终定稿以“火堆”“黑夜”“弹唱三弦的白族男子”等元素构成画面(见图二)。在产品雕刻制作时，尝试选用有别于传统着色的颜料，传统线雕作品多采用红、黄、蓝、绿、黑等高纯度色彩进行着色，而《木之本》则选择了金色和黑色来表现，一方面是为了更突出火苗、夜晚的主题，另一方面是寻求一种突破。但是尽管最终成品色彩效果在突出形体方面很到位，但是由于金色颜料过软，在雕刻时雕刀无法着力，导致作品中一些细节的表现比如手指、头发等都欠缺人意，无法体现精致之美。木雕设计课程不同于其他设计，对木雕工艺各方面的熟悉了解是构成该课程的基础，由于教师在工艺经验方面不够成熟使教学成果不够理想，这将有待在往后的教学工作中进一步改善。

（二）产品创新设计

目前剑川木雕产品主要集中在建筑和居家生活装饰方面，可以称之为传统型产品，新型产品有笔筒、小件壁挂等旅游产品，云南大理作为一个旅游城市，旅游产品开发市场的潜力是巨大的，但是设计到位并能给人留下深刻印象的木雕旅游产品很少。针对这个问题，教师应启发学生开发出新型的旅游产品，从木雕工艺、材料、实用性等方面启发学生进行产品创新设计。以学生作品《蝶》木雕餐具设计为例（见图三），设计初期，学生计划设计有木雕装饰的桌上器皿，但是在进行早期创意时很难摆脱传统器皿造型来进行设计，无法打开思路，总是停留在“在圆盘子上做装饰”这类的想法上，在课程中看了大量的现代器皿造型设计后，经过教师启发，从产品的造型上去寻找突破点而不是仅仅停留在用木雕装饰上，而从木雕装饰的传统纹样中寻找灵感，从而确定了以表现大理著名景点蝴蝶泉为思路以蝴蝶为造型的组合餐具设计方案，并延伸出产品的系列化，同时摒弃木雕繁冗的雕刻手法，以简洁的现代风格在组合餐盘的表面用线刻的技法进行装饰。这种突破，既利用了木雕工艺在雕刻产品造型方面的优势，又赋予了成品现代感，实用性强，使木雕产品融入现代生活气息，容易为消费者接受。

设计者：罗蕊?摇?摇?摇指导老师：黄绮

（三）工艺应用设计

由于白族木雕工艺从一开始就是应用于古建筑的设计和装饰，因此木雕一直给人以粗犷大气的印象，但是木雕在表现小型物件时也是有优势的。教师启发学生从工艺应用方面去思考创新，不要把木雕工艺的应用仅考虑为建筑或者家具，而是希望学生能突破传统思维创造出崭新的木雕产品。以学生作品《俏佳人》木雕小镜旅游产品设计为例（见图四），该作品将木雕工艺与女性便携式梳妆镜结合，以柔媚的女性肖像为设计切入点，通过半浮雕的木雕技法来表现作品，作品具有立体感，在该作品中一改以往木雕笨重粗犷的风格，细致的工艺与女性这一主题一拍即合得到很好的体现，产品精致小巧时尚，作为旅游产品便于携带又具有当地特色，易得消费者所喜爱，可以说在产品定位、工艺和设计的结合、观赏性和实用性的结合方面都比较理想。

设计者：秦伟伟指导教师：黄绮

三、结语

大理白族木雕产品设计课程是发展地方特色设计课程的探索，目前课程的设置主要包括木雕知识学习和木雕产品设计两大部分，在课程中，对木雕工艺的深入了解和认识是这门课程的基础，学生如果不去认识木雕工艺则在进行设计时无从下手。但是作为设计专业的学生，对自己的定位应该是设计师，单纯地学习木雕技术是这个课程所需要避免的。课程教学的目的是要让学生意识到可以通过现代设计理念来改变一个传统古老的手工艺行业，使一门传统手工艺行业能找到新的生存之路，这也是本课程由始至终应该贯彻的教学思路。该课程目前还处于探索阶段，有许多的不足之处需要不断地改进，希望随着课程不断深入，教师经验不断积累，这门课程能成熟起来，真正做到产学结合，培养出优秀的木雕设计师，能给木雕这个古老行业带来新生。

参考文献：

［1］王抗生.中国民间工艺风采丛书――民间木雕［M］.湖北：中国轻工出版社，2006.

［2］徐华铛.中国传统木雕［M］.北京：人民美术出版社，2006.

［3］谭均平.木雕工艺［M］.中国林业出版社，1992.

［4］夏风.破解传统木雕动物花卉之谜［M］.浙江：浙江古籍出版社，2007.

雕刻艺术入门知识篇3

黑玉石雕刻是西藏传统手工艺的重要组成部分，最初可能是受到中原文化和印度雕刻技术影响，并在此基础上形成具有浓郁藏民族特色的工艺，亦是玉与石并未严格区分的一门雕刻技艺。

5月18日是一年一度的国际博物馆日。2013年的这一天，在雪域高原西藏拉萨市，西藏牦牛博物馆主体工程完工，并接受海内外社会各界关心和支持西藏牦牛博物馆建设的人士的捐赠。

这一天，西藏蓝雪工贸公司总经理曲尼贡布为牦牛博物馆专门制作的玉石牦牛雕刻艺术品如期完工，并将其赠送给了即将建成的西藏牦牛博物馆。

“小货郎”投身民族艺术行

康巴汉子曲尼贡布的老家在四川省德格县藏区，按照家乡的传统，曲尼贡布十几岁就外出经商，他们曾将江南沿海地区堆积在库房里的布匹、鞋帽等轻工产品销往尼泊尔、印度，赚得钵满盆满。

而当他的生意做的风生水起并已经在拉萨成家立业的时候，由于尼泊尔政局动荡，好几车布料的销售款都打了水漂。鞭长莫及、心灰意冷的曲尼贡布想到在西藏投资开发民族品牌生产玉石产品，他相约和从小一起长大的学者朋友阿旺次仁到内地和西藏各地考察、调研玉石雕刻艺术文化。

石头在西藏随处可见。现在能见到的西藏最早的人类艺术遗迹就是西藏岩（石）画。西藏的玉石雕刻技艺历史悠久。据古书记载的民间传说，聂赤赞普曾将天降的经书、塔模等佛教圣物封存于洞中，并以黑玉石雕刻佛塔作盖，于是便有了西藏历史上有记载的第一件黑玉石雕刻作品。黑玉石雕刻是西藏传统手工艺的重要组成部分，最初可能是受到中原文化和印度雕刻技术影响，并在此基础上形成具有浓郁藏民族特色的工艺，亦是玉与石并未严格区分的一门雕刻技艺。

在曲尼贡布的老家德格附近有个地方叫扎溪卡（即今川西石渠一代扎溪河流域）自古就是藏族石雕文化的繁盛地，至今还有以家族和师徒组合形式承揽佛教信物石雕工艺的宝贵人才在藏区各处宗教圣地流动劳作。

机缘巧合，曲尼贡布在拉萨找到了几代从事石雕石刻艺术的来自扎溪卡的两位优秀艺人，自此开始了双方的合作。

刚开始，曲尼贡布是想利用开发成熟的西藏仁布玉和琼结玉为主要原材料。后来才找到了最适合自己想法的黑色蛇纹石玉。

当时是曲尼贡布的企业和西藏达孜县职教中心联合办学培养人才。当曲尼贡布为心仪的石材四处奔波时，功夫不负有心人，家在达孜县帮堆乡的学员们向他推荐了当地山上出产的一种奇特的黑色宝石（当地艺人多用作宗教品雕刻用料），经西藏相关机构鉴定为蛇纹石玉。

阿旺次仁后来告诉我们，蛇纹石玉是人类最早认识和利用的玉石品种，在中国距今约7000年的新石器文化遗址中就已出土了大量的蛇纹石玉器，是我国历史最悠久、产量最大、产地最多、应用最广泛的玉石品种之一。

蛇纹石质玉的质量评价一般从颜色、透明度、质地、块度等方面进行。一是颜色越鲜艳越好，越均匀越好；二是透明度越高越好；三是质地越细腻越好；四是块度越大越好。蛇纹石质玉产地多、品种多、产量大、硬度低，是中低档玉料，远不如翡翠、软玉珍贵。因此其价值应特别注意做工的精细程度。

迄今为止，曲尼贡布和他的公司是在西藏从事蛇纹石玉开发和加工工艺的唯一一家企业，麾下聚集着一批西藏最好的蛇纹石玉雕刻艺人。

“这是藏族人的手艺，一定要学好”

今年25岁的晋巴次旦是玉石雕刻厂的师傅，虽然年纪不大在西藏黑玉石雕刻方面却已经算是个“老人”了，他的技艺已然超过了师傅们，成为西藏黑玉石雕刻的第五代传承人。

晋巴次旦告诉记者，他的家在日喀则仁布县，在学西藏黑玉石雕刻之前，他就已经跟着一个河南师傅学习了几年绘画和汉族玉石雕刻，当时主要雕刻麒麟、牦牛等动物。

就在晋巴次旦进入仁布县职业技术学校学习绘画和雕刻的同时，在拉萨做生意的曲尼贡布开始接触西藏古老的传统技艺黑玉石雕刻技艺，他了解到作为西藏传统文化之一的黑玉石雕刻，并没有很好地保存和发扬，也没有专门开发这方面产品的工厂。曲尼贡布找到两位在拉萨已经小有名气的雕刻大师，在拉萨市堆龙德庆县岗德林村成立了西藏蓝雪工贸有限公司玉石雕刻厂。这是一个规模不大的民族手工艺品加工厂，主要加工西藏黑玉石等工艺品。

而在几年后，晋巴次旦的玉石雕刻技艺终于学有所成了，这时候他以前的老板听到西藏蓝雪工贸有限公司玉石雕刻厂正在招收学习西藏黑玉石雕刻的学徒，他觉得这是藏族人自己的技艺，他告诉晋巴次旦你有这方面的天赋，一定要学习西藏传统工艺，并且想办法把它发扬光大。于是，他带着晋巴次旦来到拉萨，拜师在传承人土登加措门下，正式踏上学习藏族传统玉石雕刻之路。

晋巴次旦一再说，“这是藏族人自己的手艺，所以一定要学好才行啊。”

已经有绘画和雕刻基础的晋巴次旦，学起西藏黑玉石雕刻来非常快。学习黑玉石雕刻的基础，是学习绘画，从最简单的祥云、莲花等图案，到佛像头部的比例，再到整个一尊佛像的结构、线条和比例。聪明勤劳的学徒，光是学画画都需要两年的时间。有了一定绘画基础的学徒，才能开始学习黑玉石雕刻，这个过程也需要三至四年。

黑玉石雕刻过程非常繁杂，第一步当然是上山采石。这种石头质地精密、细腻透明，一般产于拉萨河中游北岸墨竹工卡县境内的帮堆乡，但是产量非常少，很不容易找寻。石头采回来，先根据要雕刻的佛像或者香炉等形状大小切割，切割好的石头首先在表面涂上一层白灰，然后按照尺寸比例画出基本的线条，进行粗加工，雕刻出佛像的大致模样。“接下来是细加工，也是整个雕刻过程中最繁杂最谨慎的部分，技艺较好的雕刻师，心中已经有了一尊佛像的样子，不需要再画，靠记忆和感知来雕刻。不熟练的雕刻师，要画一层，雕刻一层，再继续画继续雕刻，这样重复十几次，才能完成。”晋巴次旦说，这个过程需要非常细心和谨慎，要全神贯注，从佛像的头部开始往下依次雕刻，粗的地方用小锤子细细地敲打，细的部分就用刀子慢慢地刮磨。“一旦走神，一锤子敲下去，把不该敲掉的部分敲掉了，很可能一件已经完成了百分之八九十的作品就被毁了。”想起那些“废品”，晋巴次旦还心有余悸。

一尊约莫20厘米高的佛像，需要4个月的时间才能完成。而最大的一尊约莫1.2米高的佛像，三个人差不多雕刻了一年，才完成。细加工完成之后，就用牦牛皮进行抛光，然后上油，有的还需要在佛像上镀一层金粉。最后一道工序是开光，这样一件黑玉石雕刻工艺品才算完成。

晋巴次旦说，加工这些石雕制品，其传统的手工加工技法大致有以下四种：“捏”：就是打坯样，也是创作设计过程。有的雕件打坯前先画草图，有的先捏泥坯或石膏模型。“镂”：是根据线条图形先挖掉内部无用的石料。“剔”：又称“摘”，是按图形剔去外部多余的石料。“雕”：是最后进行仔细的琢剁，使雕件成型。

晋巴次旦

告诉我们，结合传统的习惯，还可将石雕制品按雕件表面造型方式不同分，又可以分：

浮雕即在石料表面雕刻有立体感的图像，是半立体型的雕刻品。因图像浮凸于石面而称浮雕。根据石面脱石深浅程度的不同分，又分为浅浮雕及高浮雕。

圆雕是单体存在的立体拟造型艺术品，石料每个面都要求进行加工，工艺以镂空技法和精细剁斧见长。

镂雕也是一种雕塑形式，也称镂空雕，即把石材中没有表现物像的部分掏空，把能表现物像的部分留下来。当然还有透雕等其它雕刻方式。

玉石雕刻是一项工作量大、周期性长的脑力劳动和体力劳动相结合的技术，雕刻人员从早到晚都要盘腿坐在垫子上进行工作，晋巴次旦每天要工作8个小时。但是每天早晨，他还要趁着大脑清醒、思维活跃的时候，读一会书。“主要读一些跟西藏文化和佛教历史有关的书，比如西藏雕刻的历史，我雕刻的某个佛像的传说故事，这样可以更好地向别人介绍西藏黑玉石雕刻，也能帮助我更好地理解西藏黑玉石雕刻。”晋巴次旦说，白天工作结束后，他还要跟其他学徒一起学习两个小时画画。

晋巴次旦讲述从艺故事

尽管专家认为西藏蓝雪工贸公司现有产品主要为“十一世纪成型的南亚风格”，但曲尼贡布一再说他的理念无疑是开创具有西藏本土风格的玉石雕刻艺术，而且作为商人他很喜欢“人要衣饰，佛要金饰”这类的古训。作为公司主要技术把关人，晋巴次旦对此并非完全赞同——

“我到了蓝雪工贸公司以后才开始正真从事藏族黑玉雕刻工作，这就必须要求有唐卡艺术功底，我们就白天学雕刻技术，晚上学习唐卡绘画。不仅是学线条了，特别还要学习大象、山羊、金翅鸟等动物和树叶、山水等自然景物，因为佛像周边都要雕刻这些东西。你光知道雕佛像，不懂得这些技艺你就只是一个瘸腿艺人，在我看来反而要把学习这些放在前面。当这些东西用我们的手立体地浮现在人们眼前的时候，可比画在纸上还要漂亮多了。这样学了六年。我自己感觉刚开始就抓大件比较舒服，因为怎么拿都顺手，而且线条比较粗糙，容易掌握，一开始就雕刻小件反而不得要领，容易毁件。所以我要说我在这里遇到了非常好的老师，扎巴、巴桑、土登嘉措老师等，特别是扎巴老师经常教育我们、鼓励我们。土登嘉措老师技术高超，他带我们两年多，他的先辈是康北大德杂巴珠仁波其的高徒，有比较完整的传承谱系，现在我也是他的传承人之一，他对我们提高绘画技艺帮助很大，我们有任何疑问可以随时请教，那是一种很幸福的感觉。”

晋巴次旦认为，黑玉石雕刻最大的难点是要把平面的设计稿如何以立体的雕刻作品表现出来。把平面的设计稿放到四四方方的石材上很容易，但是一刀一刀的下去使其按照自己的意愿‘立’起来太难了，也会浪费很多石材。所以首先必须要有好的绘画基础，能把平面设计稿的立体关系理解透彻，包括图纸上看不见的镂空部分等。

黑玉石优点很多，是雕刻佛像绝好的材料。第一它材质不是特别细密，容易雕刻，第二，它很容易出颜色，它本身底色很好不说，当把佛像雕好后用砂纸给它打磨，然后上藏青油反复磨擦，多上几次油以后石料充分吸收油份，颜色越来越好看，然后就可以上金饰或彩饰。

从信徒或佛家的角度讲人要衣饰，佛要金饰，一般佛像制品都要作装饰。但晋巴次旦认为保持石料本身高贵的颜色是最好的也是最美最自然的，这在欧洲早期艺术中体现得很明显。“我去年参加全区非物质展示活动，因为我们的玉石作品涂抹了太多的东西，很多观众一看就说是木雕的吧，这一方面是因为他们对黑玉石雕刻不了解，另一方面就说觉得粉饰太多反而把石雕艺术的特点湮没了。”

雕刻艺术入门知识篇4

【关键词】园林;雕塑;公共艺术

随着人们对人居环境的日益重视,雕塑与环境的关系越来越密切,园林人文环境的品质成为这个时代改善民众生存质量和精神品味的关键。园林雕塑作为园林中不可缺少的景观,它充实着园林,起着画龙点睛的作用,并形成雕塑、公众、园林环境三者之间良性互动和共鸣。人们对环境的追求不仅仅是绿化和美化,还对环境的艺术形象和文化内涵提出了更新的要求。作为造型艺术的一部分园林雕塑以其特有的语言向人们展示其艺术魅力,它或以独特的形象给人带来视觉的冲击,或以丰富的内涵向人表达深刻的意义,或以抽象的造型让人浮想联翩??随着时代与艺术表现手法的发展与更生,有形雕塑运用的无形化越来越明显地渗透到其他艺术领域。特别是雕塑与园林环境渊源久远,而在现代手法的重构之外,二者的相互作用与融合有了更多新的内涵。

一、雕塑与园林景观环境的融合

1、园林景观的空间整体性

园林本身就是一门自然的艺术,自然美是园林美的核心所在。高尔德沃兹的《极岩裂线》,它展示的是从岩石中有规则的留出一条长长的“裂痕”,就如同地裂再现,真实程度令人叫绝。黑格尔说过:“雕像毕竟还是和它的环境有重要的关系……艺术家不应该先把雕塑作品完全雕好,然后再考虑把它摆在什么地方,而是在构思时就要联系一定的外在世界和它的空间形式和地方部位。”《园治》所反复强调“景到随机”“因境而成”“得是随形”等原则,也正是考虑园林雕塑立意的过程中,要结合其功能与自然环境这两个基本因素。

按照现代人的理解,园林不只是作为游憩之用,而且具有保护和改善环境的功能。园林景观的组成具有多样性特质,包含诸多元素,如地形、水体、植物、建筑小品、雕塑等。游憩在景色优美和安静的园林中,有助于消除长时间工作带来的紧张和疲乏,使脑力、体力得到恢复。园林中的文化、游乐、体育、科普教育等活动,更可以丰富知识和充实精神生活。园林景观各元素的整体性、系统性一直受到密切关。雕塑走出美术馆进入室外园林空间后,成为园林景观中核心的人文艺术景观。园林与雕塑的联系更加密切与广泛,以至于园林艺术与雕塑艺术在艺术理念上产生了相互影响。园林景观借鉴雕塑艺术中对空间的理解与营造手法,由此加强了园林空间的整体性与系统性。近年来,园林设计中对场所精神的重视,更加强化了对空间整体性的营造。

2、雕塑的环境化趋势

雕塑是一种环境艺术,它介于绘画和建筑之间,它的表现需要衬托和依附。雕塑艺术走出画廊,环境特性是其首要的特点。黑格尔把雕塑艺术分成二大类,有些雕刻作品本身是独立的,有些雕刻作品是为了点缀建筑空间服务的,前一种的环境只是由雕刻艺术本身所设置的一个地点,而后一种的环境只是由雕刻和它所点缀的建筑物的关系,这个关系不仅决定着雕刻作品的形式,而且在绝大多数情况下还要决定他们的内容。借用黑格尔的美学语言来概括,前者是独立美,后者是依附美。展厅雕塑,园林雕塑实质上就是这两种不同类型的美。?

环境雕塑是一种公共艺术,应该与它所在的环境紧密地形成一个有机整体,根据相应的特定环境中的空间结构、性质功能、情调气氛及尺度比例,追求布置在特定环境中的艺术效果。雕塑的位置选择、环境空间的物质因素是其重要的方面,以构成特定的思想情感氛围和园林景观的观赏条件。

3、园林景观与雕塑的空间融合

园林艺术与雕塑艺术在相互影响或制约下,使园林景观环境空间呈现出了新的面貌。现代园林已不是有雕塑的园林,而是整个园林空间的可雕塑性,由此所传达的是一种新审美价值和艺术观念,使得传统的园林空间得以革新,而雕塑作为一个孤立元素出现在园林中的局面也已消失。艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好,然后再去考虑把它摆在什么地方,而是构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式和地方部位。雕塑家、欣赏者、作品三者意念的共鸣融合,除雕塑自身给予人们美的感受之外,还依赖于雕塑自身的形式和置放的环境,雕塑作品在园林环境中的功能一是点缀,二是点题。只有优美的环境,雕塑的形式才能令人产生美感,长期置身于这种艺术环境中,潜移默化的感染力能唤起人们对美好理想的憧憬。雕塑家应在努力适应环境的同时强调和突出自我的个性特征,挖掘材料的美,结合具体的环境功能,集知识、艺术、趣味于一体,成为虚实空间与意念想象并存的实体。使雕塑在园林中随处可见,成为园中的点睛之笔,形成美的焦点。?如雕塑家野口勇设计的园林景观,将园林中各要素的组合体视为雕塑作品的一个对象,进行整体塑造,营造出整体感极强的园林空间。

二、雕塑和园林景观造型的融合

1、园林景观造型化

园林艺术是一门空间艺术,而空间与人最直接的交流体现在实体造型的视觉化。能被受众感知并理解的艺术形态,可以加强场所与人在情感上的交流,这也是人性化设计的核心内容之一。园林景观无论是自然或人工式造型,都需设计师精心设计与推敲,旨在营造出符合受众审美经验的实体空间。我国园林艺术,自古强调对“意境”的营造,其目的是将人与景融为一体,达到情感上的感染。将园林景观视为一件艺术作品来完成,它必然会具备艺术品的情感特质,更容易形成强烈的艺术感染力,从而满足大众对环境艺术需求的增加。园林景观造型化的趋势主要体现在:对造景元素的形态、肌理、材质、颜色的考究及各元素在空间布局上的关系。景观设计大师玛莎・施瓦兹设计的怀特海德学院拼合园,用人造材料替代天然植物,设计师抽取法国园林和日本枯山水的组成元素变形,拼接起来创造出离奇的造型艺术空间。例如由法国园林中大大小小的绿篱球和模型树组成的日本枯山水景观,如此独特新颖且具有美感的景观造型,将越来越受到人们的喜爱,这也是公共艺术发展的时代需要。

2、雕塑形态抽象化

在现代城市园林中,雕塑越来越形式化和抽象化,其空间占有方式与环境的关系决定了人们对雕塑的认识和接受程度。雕塑的风格与形式取决于公共环境的社会性。就传统雕塑而言,雕塑在艺术表现过程中,表达的是人对自然中所有事物的瞬间或永恒的感受,雕塑家的创作是对自然形态有意识的提炼,是艺术家以个人方式对现实的一种反映,也是人类精神世界与情感世界深层次的发现与挖掘。抽象雕塑是指有一定象征意义的抽象几何体形象的雕塑,它在现代园林中应用越来越广泛,特别是在一些城市的广场及公园中屡见不鲜。这类雕塑往往以其独特的造型、抽象的形体来表达一定的象征意义。它主要通过两种手法来表达其象征意义,一是对客观形体加以简化、概括或强化,二就是几何形的抽象,运用点、线、面、块等抽象符号加以组合。抽象雕塑在园林中应用不象具象雕塑那样给人以直接的感觉,而多以简洁抽象的形体激发游人对美的无限想象。因此抽象雕塑往往比较含蓄、概括,具有强烈的视觉冲击力和现代意味。例如南京卡子门的抽象雕塑,以倾斜升腾的直线和流畅的半圆形弧线,表达了城市南大门的主题。

3、雕塑和园林景观造型的融合

随着雕塑在园林景观中的广泛使用,园林景观为了追求趣味性和艺术吸引力,均趋向雕塑化、造型化。而艺术的相互渗透远不仅限于此,还表现在以雕塑的语言重构景观空间意义与内涵。园林艺术吸收雕塑艺术的表现手法,形成新的艺术形式。而在极简主义与大地艺术的推动与影响下,雕塑造型抽象化,使原本有些生硬的具像形态在园林中变得渗透与包容,带来全新的视觉与精神上冲击,为景观设计师与雕塑艺术家都带来了新的启示。相互认同和积极宽容而开放的文化氛围使不同的艺术家以不同的专业手法建构园林与雕塑公共空间,而不同欣赏者又以不同的视知觉欣赏公共空间的综合艺术。这种新生艺术流与艺术形态,使园林景观与雕塑形态达到了前所未有的和谐面貌。

三、雕塑材料与园林的融合

雕塑艺术为园林艺术设计注入了新的活力。传统园林的造园材料主要是水、石、植物等等,现在有艺术凝聚力的雕塑艺术为园林景观的材料运用拓展了思路,很多人工材料、现代高科技材料也被大量采用,例如:不锈钢、钢化玻璃、钛合金、玻璃、塑料等新材质广泛运用于园林景观中,地面铺装、城市家具、灯具等极大地拓展了园林景观使用材料的范围,丰富了园林景观材料的多样性。

在雕塑艺术中材料的运用时非常关键的,材料的合理运用可使环境中的雕塑具有独特魅力。材料的存在是与主体相关的,不可能孤立存在。表现主题的过程中,材料对雕塑意义的实现至关重要,同时空间环境中的雕塑要注意环境协调性及空间功能的双重要求。因而,对于现代环境雕塑而言,安全、轻质、坚固与取自自然的材质有了优势发展空间。不锈钢、石材、植物、水体都成为园林景观中雕塑材料的优选对象,也促使更多的艺术家对这些实用及生态材料加大试验性研究,力求拓展雕塑材料对环境的适应性。

园林景观材料运用的多元化和雕塑材料的环境适应性拓展促成园林环境中的材料呈现多样合理混搭的状况。园林景观材料与雕塑材料的使用变化趋势由二者相互影响与制约而形成,因此两者在园林环境空间中具有高度的协调性,并非是无理的堆砌,在视觉上和生态系统中,也具有高度的协调性。

总之,环境雕塑随着园林的时代性变革更注意与环境的协调和烘托。雕塑不仅是园林的组成要素,相对的,环境是雕塑的构成部分,它们的相互渗透与包容,改观了园林景观的形态面貌,成为一种新的艺术整体。剖析现代园林景观的发展趋势与现代园林景观中雕塑的面貌,不难发现二者已在诸多方面呈现水融的局面,园林与雕塑缘分与结合已不是两种艺术的简单加和,而是更多形式和层次上的相互渗透与包容。随着现代园林与雕塑的关系越来越密切,艺术家们已经不再满足于仅仅为园林提供一个装饰品,他们以自己的方式积极地投身到室外环境的塑造中去,使雕塑的内涵和外延不断地扩展。园林环境也在雕塑艺术力量的影响和感染下,呈现崭新的艺术面貌。

参考文献

[1]王显红.雕塑・空间・园林―――雕塑家野口勇的空间景观艺术创作[J].中外建筑,2004(5):1-5.

[2]王中.公共艺术概论[M].北京.北京大学出版社,2007.

[3]张江当代艺术馆.自然与艺术交融,景观与雕塑对话―――走进张江当代艺术馆[J].景观设计,2007(9):8-19.

作者简介:

雕刻艺术入门知识篇5

独具一格的雕刻作品

所谓蛋雕，即在禽类蛋壳上通过精雕细琢后形成的画作，它融雕刻与绘画于一体，运用微雕、浮雕或镂空雕等传统雕刻工艺来展现艺术效果，蛋雕作品一般不点染任何颜料，而是完全依赖蛋壳本色来体现。

事实上，蛋雕的历史并不长，但其影响却源于公元6世纪的彩蛋。在基督教传人欧洲后，约在中世纪时代，开始有人将鸵鸟蛋予以彩绘装饰，取其具有“新生”、“重生”之意，进而使它成为复活节的装饰品，这种习俗迄今仍流行于欧美各国深受基督教影响之地区。但将装饰蛋提升至艺术品境界的功臣，则非俄国的Faberge家族莫属。公元1884年Faberge家族为沙皇亚历山大三世设计了第一款的“皇家复活蛋”，随即被指定为皇室御用品珠宝商。其后接连不断完成的皇家复活蛋系列产品，使装饰蛋成为举世皆知的艺术品，所创造的豪华风格与民间彩绘蛋艺术相结合，形成今日欧美地区装饰蛋之独特风格与流行。其作品至今依然令人望其项背而难及，有时候在拍卖会上出现，也均以惊人的高价被拍走，成为了艺术蛋的精品。可以发现从彩蛋到艺术蛋，其历程与复活节有关，而西方蛋雕的出现，同样也离不开复活节的因素，作为西方国家一个十分重要的节日，复活节的主题就是蛋，在复活节前夕，家家户户都会将自己家里的蛋全部装扮得漂漂亮亮，而一些蛋雕艺人就瞄准市场，利用各种工具对蛋进行切割、钻孔、打磨，也有的则以传统的手工雕刻手艺将蛋壳雕琢成一件件造型别致、色彩绚丽、图案精美的蛋雕工艺礼品。如今，人们将鸡蛋钻孔掏空，在蛋壳上雕刻各种图案，终于形成了具有较高欣赏价值的艺术珍品――蛋雕艺术品。

集藏潜力正逐渐显现

雕刻艺术入门知识篇6

“乡土文化”蕴藏丰富，形式多样，是艺术学习的沃土。结合新课标美术活动领域的要求，通过地方特色的美术活动课题活动，将部分优秀的莆田乡土文化（古谯楼、雕刻、红团纹样）融入美术教学，让学生带着主人翁的自豪感进行创作，不仅使课堂变得更加生动、趣味、实用，而且达到了认识家乡、热爱家乡、热爱祖国的课程目标和教学目的。

乡土文化；古谯楼；雕刻；红团纹样；美术教学

现在越来越多的美术教师注重开发与利用当地的乡土文化资源，把它们有机地融合到自己的教学活动中，以拓展美术课堂教学、凸显美术教育的价值。我的家乡――莆田，素有“文献名邦，海滨邹鲁”之称，悠久的历史，沉淀了丰富的乡土文化资源，它涵盖了人们物质文化生活中衣食住行的方方面面，有俗语、民俗、宗教信俗、民间工艺等精神文明，其中古朴典雅的古建筑、誉满海内外的木雕工艺、独特的节日习俗等展现着无穷的魅力，都是我们可以充分利用的乡土文化资源。

现在的孩子，自幼接受的知识大部分是电视、电脑传播的，反而对家乡历史文化知之甚少。如何在美术教学中弘扬、传承莆田乡土文化，是我们教育工作者的一项重要任务。我尝试将部分优秀的莆田乡土文化融入美术教学，结合新课标“造型・表现、设计・应用、欣赏・评述、综合・探索”四个美术活动领域的要求，设计编写了一些地方特色的美术活动课题，并进行实践教学，让孩子在快乐的美术活动中接受乡土文化的熏陶。

一、游览历史古迹，提高观察、审美能力

莆田悠久的历史，积累了丰富的历史文化古迹，其中最具莆田特色的当属坐落于繁华闹市――步行街中段的“古谯楼”，它保持了宋代的建筑风格，是福建省保存最完整的谯楼建筑，是“兴化府”的象征，学生虽熟见却了解不深。为此我结合“造型・表现”领域的要求，设计了《游古樵楼》美术活动。

我以“踏着历史的足迹寻找古樵楼的美”为主题，带领学生参观古樵楼。在出发之前，将学生分成几个小组，每一组都带着老师交代的问题，如“古谯楼是什么年代建造的？”“古谯楼与现代建筑有什么区别？”“它的美在哪里？”“找找古谯楼建筑局部的特色”让学生带着问题去参观、调查，向讲解员请教、收集材料，并认真拍摄照片或视频，为以后的创作积累素材，通过近两小时的参观游览，同学们从不同角度、不同程度找到了自己的答案，各组间现场交流，进一步了解古谯楼，感受它的历史文化内涵和艺术魅力。

通过课前的参观、调查，学生对本课内容有了初步的了解，在接下来的课堂教学中，以学生拍摄回来的视频、图片结合具有莆仙特色的十音八乐等视听素材，帮助学生从艺术角度寻找、发现屋顶、横梁、柱子、门窗、栏杆的形状和花纹，感受古建筑的艺术魅力。欣赏画家和小朋友笔下的古谯楼，引导他们观察作品细节的刻画，透视近大远小等表达方式，以及作品如何抓住古谯楼的整体与局部的特点，表现古建筑的美。再由学生通过第一次作业展示自己的创作思路。在创作上可观察描绘（线描）或想象创作（色彩），这阶段的学习活动重在过程与体验，不要太难。第二阶段教师讲授创作的方法和具体步骤，通过二次作业以完善学生在课堂教学过程中得到的知识，提高观察、审美能力。

二、传承地方工艺，拓展美术创作能力

莆田的雕刻工艺享誉海内外，以“精微透雕”著称，有木雕、根雕、玉雕、石雕等，涉及的题材非常广泛，有、民间传说、莆仙戏曲、历史人物、童话故事、四大名著、花草树木、飞禽走兽等，构图饱满、布局生动、富于观赏性、装饰性；它已形成一条产业链，是莆田的经济支柱之一，早已融入寻常百姓家，它融合了美术课程的四个学习领域。为此设计校本美术课《闽中民间雕刻》。

第一阶段：引导学生搜集有关资料，如：身边的木雕（根雕、玉雕、石雕）厂；每年举行的中国（莆田）海峡工艺品博览会；身边的雕刻作品等这些资源；让学生收集有关雕刻的图片、实物、背景资料；这些艺术资源形成“无墙”的“学校”，真正达到学校、家庭、社会一体化。其目的是引导学生注重本土文化，认识、了解、喜欢上雕刻这门艺术。

第二阶段：集创作素材，进行课堂教学和实验课题活动。通过参观、体验雕刻的制作过程，让学生了解雕刻、感受美术创作乐趣，让学生在课堂上讨论、分析雕刻作品，试着用合适的肥皂或蔬果雕刻一件自己喜欢的作品；每件作品的完成都要经过构思、画稿、雕刻三个完整的过程，每一个过程都是一个创造，三种学习方式（自主、合作、探究）一一表现。成功的雕刻作品需博览群书、展开想象，将绘画与手工融为一体，动手动脑、开发智力、拓展美术创作能力。

三、珍视地方风俗，提高艺术感知能力