绘画艺术和工艺美术的区别范文

毕加索说过：“最失落的两个职业是牙医和摄影师：牙医想当医生，摄影师想成为画家。”这句话是画家在自己的时代对于摄影艺术与摄影师的不屑与调侃，放在当下来看这句话会略显偏执，但是从这句话中能读出的是摄影师从古至今都与画家有着不可分割的联系也有着本质的区别。在艺术形态的分类中，摄影艺术和油画艺术都属于视觉空间艺术，他们又都同属于再现性造型艺术。所以二者在艺术特征上同样具有造型性、视觉性、空间性、静止性、瞬间性等视觉艺术的特点。摄影技术的出现曾经对油画艺术产生过冲击，在摄影刚被人们认识之初，摄影不能如绘画般使对象超越自身而达到理想美的境地，它的写实性会让人觉得作品不如油画有味道，但同时，画家们也越来越能感觉到来自摄影师的威胁。而随着摄影技术的逐步发展，摄影与油画之间就有了密不可分的联系，曾有一个时期人们会担心架上艺术会逐步被摄影艺术所代替，实践证明摄影艺术与油画艺术是两条相交的线条，在产生联系后，分别向各自的方向前进，没有后退更无所谓谁替代谁。摄影的出现为油画的发展创造了新的方向，油画艺术的造型性、视觉性也同样为摄影艺术提供了更多的审美支撑。它们的共同点是两者都属于在二维平面上表现三维空间，借助光影、色调、线条和构图的变化效应，熔铸了艺术家对生活的思考和创作灵感。照片用不同于绘画的形式重塑客观世界，它们的共同点是照相机和画笔都是由人控制的，虽然画笔和照相机本身都不理解客观世界，但一旦由人掌控，就像赋予它们灵魂一样，都可以传达情感与记录真实。

在当下，摄影艺术促进了油画创作风格在思想上、形式上的多元化发展。很多后现代主义的绘画流派就证实了这一点。例如照相写实主义，是七十年代流行的一种艺术风格。照相写实主义的画家们不直接写生，他们往往是先用照相机摄取所需的形象，再对着照片把形象复制到画布上。随着科技的发展，有时他们也会使用幻灯机把照片投射到幕布上，获得比肉眼所看到的大得多、也精确得多的形象，再丝毫不差地照样描摹，这样就达到了与照片同样的写实性与清晰性，甚至超越照片。照相写实主义的出现或许是对摄影艺术的挑战，是人工对机器的挑战，不能说谁更胜一筹，只是会引起人们新的思考，架上绘画该走向何方？摄影艺术又该走向何方？摄影和油画都要在生活长河不停流动的时间过程中，捕捉其具有典型意义的瞬间，把所要表现的内容，选择一定的空间，以物质媒介将其凝定下来，构成具有完美精神风貌与本质意义的艺术形象。

摄影是对现实世界的真实反映，而绘画则是一个再创造的过程。绘画是加法、摄影是减法，它们之间虽有许多共同之处，但不能忽略它们在本质上的区别。首先是工具材料不同所引起的区别，摄影艺术是科技文明的产物，而油画所用的媒介材料是油画颜料、画笔和画布画质等材料，摄影艺术更强调瞬时性与记录性，而油画艺术更强调永恒性。摄影艺术的出现会为部分画家带来方便，但在同时也增加了画家的创作惰性，有部分人利用摄影技术与电脑科技相结合来完成自己的油画创作，创作之初可以采用这种方式来对画面进行构建，但如果从头至尾依赖照相机，这种做法无形之中使他们丢失了原有的艺术创作理念，也磨灭了最初的艺术灵感与顿悟。所以，我相信这样创作出来的油画作品不能打动画家本人，对于欣赏着所产生的共鸣就更加无从谈起了。这样的作品只是没有灵魂的一种表现形式，既然这样直接用照片表现就好。反之，在谈到摄影艺术时，大都提到与绘画的共同之处，而很少有人注意它们的区别，所以在完成摄影作品时只考虑到用绘画标准来评价，而忽略摄影本身的特点，很多摄影作品会被绘画中的调子、线条、质感等属于绘画的特征所框定，而忽略了摄影工具材料与时间特性所带来的独有特征，以绘画标准创作出的摄影作品也只是沦为了绘画的傀儡，总是感觉缺少摄影独有的韵味。所以无论是摄影家或是油画家在创作时，首先要考虑的是每种艺术的独有特征，这样才可以展现不同艺术种类的风采。

当代社会百家争鸣，为不同的艺术种类提供了各自不同的广阔空间。摄影艺术与绘画艺术的关系或许在当下还无法完全剖析，但是可以肯定的一点是这两种艺术形式自从在历史的长河中相遇在一起之后，就很难再截然的分开。在艺术的内涵不断扩展的当下，摄影与绘画之间的相互关系发生了深刻的变化。在新的历史条件下，两者的交融将是一种长期的文化现象，正确地把握两者的关系是十分重要的，一个注重再现现实，而另一个则注重表现现实，对于两种艺术形式在创作时可以互相借鉴与利用，只要把握好“度”就必定会创作出勃勃生机的艺术作品。

绘画艺术和工艺美术的区别范文

壁画的功能不断扩充，除了艺术家用来表达对环境、政治和社会等议题的思辩之外，近年来，更成为地方政府彰显社区特色和提升经济价值的工具之一，彩绘村和彩绘巷弄如雨后春笋般在台湾和世界各地陆续出现，这些景点透过游客拍照、打卡和上传图片分享至网络社群，迅速形成观光热潮，成为今日生活的一个特殊现象。本文将藉由台湾彩绘村案例，说明“壁画造镇”与社区文化、美感与经济之间所产生的冲突与融合，并探讨壁画作为公共艺术在社区发展上的意义和局限{1}。

一、点、线、面，原创与复刻

台湾壁画造镇的脉络有迹可循。最早从零星分散各地，由教师带领学生彩绘的校园或社区围墙；或由艺术家个人深入社区的艺术行动计划，例如：台西蚵贝镶嵌壁画；或由多位艺术家驻点创作的艺术街坊，例如：嘉义县北回归线艺术行动或台南市海安路的蓝晒图；到由政府或民间企业资助，融合各艺术形态和媒材的艺术村，例如：台北市宝藏严艺术村、台北市东区粉乐町和高雄驳二特区等。

然而，壁画造镇的热潮要从台中市的“彩虹眷村”开始说起。彩虹眷村（见图1）是一个以独特视觉美感吸引人潮的成功案例。尽管素人画家黄永阜先生一开始的目的并非观光事业，却因画满整个即将拆除的眷村墙面和道路，意外吸引大量人潮和各地媒体争相报导，最后更因其艺术价值而被市政府破格保存。这几年来，彩虹眷村壁画结合文化创意产业，开发许多日常生活文具用品，在当地和网络贩售，创造许多经济价值。此后，利用彩绘墙（村）吸引人潮的策略被其他社区大量复制，造就处处皆有彩绘村的现象。

二、壁画造镇在社区文化、美感和经济上的争议

可惜，并不是每一个彩绘墙（村）都是好的案例。彩绘热潮兴起后，许多以美日动漫画为主题的彩绘街道蓬勃出现，例如：台南市大内区石林里、台南市善化区胡家里和嘉义县新港乡南仑，都不约而同地出现了以日本动画“龙猫”为主题的彩绘村。这些动漫壁画与地方特色几无关联，画在任何一个社区墙面都显得没有历史深度也没有文化根源，更可惜的是完完全全地移植外国文化，不但突显台湾原创艺术的贫乏和外来流行文化的强势移植，更侵犯了作者的著作权、商标权和智慧财产权。彰化县福兴乡福宝村的日本动画“海贼王”涂鸦墙，就是一个被告侵权的案例。

除了“同质化”的模仿形式外，壁画的美感是另一个值得讨论的议题。其实，一系列红砖白墙乌瓦的村庄，加上群树环绕，绿荫盎然，单纯就很美，为什么还要在墙上涂上花花绿绿的图案呢？这些问题也逐渐引起艺文界人士的思考和讨论，并发起护墙运动。为了突显社区特色，打造知名度，许多社区试图模仿彩虹眷村富有童趣的涂鸦，却无法与社区环境和建筑相融合，反而显得突兀，不禁让人觉得不如不画。例如，台南市下营区的小熊维尼村，用填充的方式将粗糙拙劣的小熊画像和其他卡通图案画满许多空白的墙面，没有美感，也谈不上文化连结，让人不知所以。反之，嘉义县新港乡板头村的“交趾剪黏艺术村”是众多彩绘村中，能兼具传统民间艺术和环境美感的案例。壁画由当地师傅结合庙宇建筑工艺和马赛克拼贴创作壁画，并融入自然农村风光，细腻地创作出不同于手绘的拼贴美感。

壁画造镇的另一个目的，是以社区的“故事性”吸引人潮（见图3），创造社区经济价值，但如何在社区经济发展、居民生活质量和文化永续经营之间取得平衡，也成为新的社区课题{2}。新竹县横山乡内湾村是最早以当地漫画家刘兴钦的《阿三哥和大婶婆》作为特点的城镇，主要推广客家文化、历史和饮食。在约2002年的时候，店家没有很多，但卖的都是很地道的小吃，例如：牛浣水和野姜花肉粽。我特别记得牛浣水，一个大碗中有个大大圆圆的白色麻^，泡在温热的黑糖姜汁中，那是一家有着红眠床的民宿老板特别招待的。民宿老板神采奕奕地说：“牛浣水就是牛在水里玩水的意思。”他说，小时候在田里玩，下雨了跑回家，奶奶都会做一碗这样的小点心给他去去寒。我也不知道是不是真的有这个牛浣水，但他让商品有了故事，这个故事是和文化历史结合的，特别有意义。

可是，十年后，内湾老街变得和多数知名的老街一样，少了淳朴味，商店和路边摊比邻而居，并列道路两旁，到处都是无地方差别的复古童玩，以及打着客家名号的小吃和各地方特产汇集。虽然更多人认识了内湾，但真正在意客家文化和社区历史的游客又有多少？社区经济发展和文化永续经营之间，也付出了一点代价。总体来说，壁画造镇所带来的人潮和经济价值奠基于社区文化，两者共生共存，店家和社区若要永续经营，彩绘村就不能只是追求短暂的商业利益或游客拍照打卡的一次性旅游，而是希望藉由壁画的艺术价值传承社区的文化与历史，创造社区的永续价值。

三、透过艺术，耕耘社区文化

哲学家宋薇在她的公共艺术与城市关系的评论中曾说过，文化是一个城市的灵魂，也是各个城市之所以不同于彼此的核心关键。Hein表示，公共艺术强调作品与设置地点的紧密关系，作品必须呼应地方人文及空间特性，并与观者产生互动。壁画作为公共艺术，与居民生活息息相关，要彰显的是一个社区的文化和精神。我思忖着，究竟彩绘热潮过后，留下的斑斓壁画对社区居民有什么意义？我想，回到壁画造镇的初衷，不该只是追赶流行热潮，而是应着墨在文化耕耘和社区关怀。如何让社区精神和历史记忆透过艺术继续传承，将会是重要的思考方向。由官方主导的壁画造镇若能放慢脚步，除去快餐式地在每面空白的红砖古墙上，涂上看似绚丽却文化空洞的涂鸦；若能引导艺术家和居民参与壁画创作的过程，对社区的历史文化有进一步的认识、关心和了解，共同找出社区本有的特色与对未来的期望，尊重当地人文风景，共同培养对土地的关心和情感，也许将能为社区带来不可估量的价值。

注释：

{1}“壁画造镇”在本文定义为，相关私人或政府单位策略性地将壁画用于形塑社区文化亮点和促进社区经济发展的营销策略与现象。

绘画艺术和工艺美术的区别范文篇3

关键词：中国画；陶瓷艺术；继承；创新

中图分类号：J527文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）17-0032-01

一、中国画艺术对陶瓷艺术的互溶性

陶瓷艺术与中国画艺术同样都是植根于中华文明之上，这两种艺术形式的表现是相互借鉴的。陶瓷艺术上的很多艺术表现手法是来源于中国画艺术的，如在整体的艺术表现形式上，陶瓷绘画中也是强调中国画的点线面的运用特点。在很多陶瓷作品中关注的是线条的运用，讲究整个运笔的笔法、线条走势的气韵，在整体的线条布局上，流畅、淋漓的特点运用广泛。在彩绘陶瓷中，依照陶瓷本身材质的色彩，然后按照国画技法的表现方式，在色彩的运用上透露出国画的神韵。中国画的艺术表现形式是多样的，陶瓷彩绘也会有相应的表现形式，可以说基本上所有的国画技巧和风格都可以在陶瓷艺术中得以体现。很多陶瓷艺术家本身就是国画大师，同样也有很多的国画大师也会在陶瓷绘画中进行一定的创作，可以说中国画艺术与陶瓷艺术的发展是相互辉映的，是彼此互相融合促进的，是很难分开的。

二、中国画艺术与陶瓷艺术的区别

中国画艺术与陶瓷艺术的绝大部分的表现形式，题材选择和绘画技艺是差不多的，但是这两种艺术表现方法由于在创作的材质上的区别，也导致了这两种是有一定区别的，进而影响到他们的艺术表现。

（一）制作工艺上的区别

陶瓷艺术是刻画在瓷胎上，然后进过高温和烈火的考验才能显现的，因此很多人称陶瓷艺术是火的艺术。中国画只要在画纸上勾勒就可以了，因此这两种在制作工艺上是有区别的，好的陶瓷艺术大师，必须要懂得瓷胎后期过火对整体绘画的改变，应该能有事先的准备。

（二）表现手法的区别

大部分的中国画都是在方形的宣纸上进行创作，因此在整体上的布局是有左右的轻重衡量，而陶瓷绘画是刻画在立体的陶瓷作品上，因此在进行陶瓷作品创作时，要注意整体绘画布局要和整个作品的器形想结合，还要注意整个绘画图案的立体对接，因为立体的陶瓷作品是没有左右边界的。

三、陶瓷艺术对中国画艺术的继承和创新

（一）陶瓷艺术对中国画艺术的继承

陶瓷艺术是随着制瓷工艺发展而逐步产生的。中国画艺术的产生要早于陶瓷艺术，特别是陶瓷绘画的发展，因此陶瓷绘画艺术从一开始就继承了中国画艺术的特点。首先在构图上，陶瓷绘画很好的继承了散点透视的构图方法，这样才能在有限的陶瓷器形上进行通景山水和人物的绘制。其次是在整体构图中注意了留白，中国画的传统特点就是“计白当黑”，在陶瓷艺术上体现的淋漓尽致。最后就是中国画强调的是写意传神，追求神似而非形似，这在陶瓷传统表达形式上也很好的得以体现。

中国画艺术的表现形式和艺术特点也在陶瓷艺术的发展中得以很好的继承。中国瓷器主要产于景德镇，而景德镇粉彩瓷器“始于康熙、精于雍正，盛于乾隆”，可以说景德镇的瓷器深受当时中国画特别是工笔画的影响。在陶瓷绘画中的构图上、表现技法、题材选择上都与当时的绘画风格很相似。整个表现的形式主要有工笔重彩、淡彩写意、泼墨，运笔讲究骨干、白描勾勒，追求立意与诗书意境结合，这些都是中国画的独有表现形式。在线条的运用上特别注重，如人物“十八描”等，都是陶瓷装饰上所运用和借鉴的线描技法。无论古彩、粉彩、新彩、青花都离不开线条的运用。这点对陶瓷装饰是至关重要的。

（二）陶瓷艺术对中国画艺术的创新

随着时展，人们的审美观念也在逐步变化，中国画的艺术表现形式也会随着时代变化而变化，陶瓷艺术也会随着变化。中国画的艺术表现形式也越来越多的借鉴西方绘画的技巧，开始注重对颜色的把握，开始注重写实与写意相结合。在创新方面，陶瓷艺术可以相对来说做的更好，陶瓷艺术的表现手段比中国画要丰富，陶瓷艺术是一个相对于立体的艺术表现手段。可以通过对陶瓷上的大面积的颜色和线条的改变，使得中国画和国际绘画风格的融合。同时我们在对陶瓷艺术的创新时不能完全脱离中国传统，毕竟只有民族的，才会是世界的。现在中国画艺术和陶瓷艺术的创新主要是表现题材上的创新，不能只拘泥于传统的诗书意境，要能按照现代艺术消费者的想法，创作者要根据传统的技巧来实现对于新的题材的表达。陶瓷艺术除了要在题材上注意创新，还要注意题材、表现技法与器形的相结合创新，这样才能在继承传统的基础上进行创新。

参考文献：