如何真正看懂一幅国画？

如何真正看懂一幅国画？国画是以传统的技法和材料，通过画家精湛的艺术手法而完成的作品统称国画。中国传统画可分为几大流派可分为黄派，徐派湖派（湖州）常派（常州）米派（米芾）岭南派，海上派，北方画派，南方画派等。要看懂一幅画，先弄懂其画的内含和风格，比如说：欣赏一幅山水画其画的章法特点为，笔法顺驰，技巧简到，景色素雅，勾勒简单，皴擦不多，惜墨如金，骨干苍翠，山水挺拔，气势恢宏，杂木繁貌，给人予青山素裹，烟林清旷之感，这种画法大多描绘北方名川大山景色的国画，具有继承了传统北方画派的风格和内含。

如何理解中国画和书法中的人生道理？篇1

意境美，是书画艺术的最大特点，中国书画，受到了传统文化的背景――儒释道的影响。因此书画艺术家的人生追求脱俗的境界。不仅仅是技艺的高超，同时儒雅文气养育着书画笔墨。俗称中国书画是文人墨客的专属。为情性表现之美。若是没有一定的文化底蕴，焉能鉴赏之？当你入笔那一刹那，就有了中国文化的因素。讲究书画笔法技巧。

虚实阴阳，实则浓墨重彩，虚则掩映淡宕。充满了一种玄幻之想象力。意境美，是感悟自然的元素。入笔墨形式之间。比如笔墨入水尔后呈现的氤氲状，仿佛看到了了一幅无字音律，诗情画意的图案。自古，绘画写字，是一体的，都包含了长期沾染的儒释道的思想感情。所以书画家的情志，大彻大悟，远离尘俗，具有一定品味。显然不进常理。

而是孤独的艺术升华。人们常说，仙境神契像符咒一样丢失了。书画的境界，和诗歌一样遥远。对自然没有想象力。写不出影响深远的书画。所以书画家的生活其实是一种疯狂的状态，这种状态形成了知识分子的伟大气质。他的书画人生，几乎全无人们的宗教迷恋和虔诚。一旦生活俗气了，你就不写了。你永远写不出有自己特色的优美作品。所以，生活的笔墨，边关的超然。

如何理解国画的“程式化”问题？篇2

中国传统绘画的各程式化因素，是在历史演变中逐步生成，但是，它的生成并不是与绘画的产生同步的，确切说，“程式化”特征的理论和实践都出现在历代的画论，画理和课徒中，中国绘画技巧发展的过程。而所谓的中国画技巧；实际上就是以“线”为形式中心的整套完整的技巧程式，倘若用中国绘画自身的术语标识中国绘画技巧的特征，那就早以“程式”为手段，以“意境”为目的而展开的中国绘画的独特的审美情趣。

概括说，中国绘画史上“程式”因素的“发生“是一个极其漫长的，经过许多细微变化而逐步成型的历史过程。总的看来，“程式”有两个特征，其一是经过历代画家逐步创造，总结模式化的表象特征(共性)积累而成，并成为后沿用的一种格式；具有模式化的表象特征；似乎是一种“陈陈相因”的艺术形式。其二，这种“程式”产生的最初都源于对客观物象的“摹似”，但逐渐演变成一种渐离自然的、有一定抽象意味的，并合乎事物内在规律的符号化形式(个性)(徐书城)。

绘画形象折“程式化”审美观的形成最初往往依仗于普通的生活经验，由绘画形象触动生活经验而产生感觉和感情的联想：当人们看到《夜宴图》中的韩熙载拿着扇子，便感觉天气热，看到待妇女拿着蜡烛，便知道屋内是黑暗的，在历代所出现的《纳凉图》或《夜读图》中扇子或灯烛恐怕是最多出现的道具。由于中国绘画的独特的审美方式，辟如：在中国传统绘画中表现炎热的盛夏(这也是常见的体材)，很少能看到一轮火红的太阳，一个袒胸露腹的人物或一把扇子足以暗示，与此道理相同，在传统人物画中也很少有人把纸(绢)涂墨来表现黑夜，而灯光也绝不会在与其相近的人物或物体上产生什么光源色或条件色(在山水画中曾出现把空白涂墨来表现夜星或雪景，同样也只具有象征性而不必再画山水中的环境色，而和白天的山里一样，墨色成为暗示景夜的道具)，而使这种构成方式又在历代绘画中屡见不鲜，更为观者所认可，这也许是一种普通的“程式化”审美心理形式的基本因素吧！在这里，我们看到，具有具象特征的道具已逐渐演变成为某种暗示意义，具有符号化特征的构成因素，从而随着时间的积累而被接受。

同样，当中国传统绘画中最具有典型意义的山水技术中的皴法逐渐从最初摹似物特征的初衷脱离出来，从北宋的“可望，可行，可游。”(北宋郭熙《林泉高致》)随着时间的积累而发展到明清时，已是“有笔墨而无丘壑”(清钱杜评董其昌语)的一种加入画家个人情绪后，且有一定“自律性”和抽象因素的画面构成方式了。“程式化”的特点由于绘画技术的复杂和多元，因为本文篇幅有限，不能一一赘述，如果不够明确的话，那么，它在书法和戏剧中就更为明确，例如中国文字的“马”字在象形文字时是一个马的图画，演化到篆书的因素形始减弱，进一步发展到汉隶、唐楷至行、草、符号(程式)的因素已超过了其它，由于审美经验的积累，即便到今天被简化了的“马”字，仍可以让观者与马的具体形象产生一定的联想，这是由于字虽均用一个间架结构，却展示了不同的个性特色，也正是如此，各代名家不厌其烦的书写《千字文》《出师表》，却让观者百看不厌，亦有不同的心理体验。

再如京剧《三岔口》中，舞台上亮如白昼，当演员用一套美妙绝伦的对打，通过有着严格程式而流传下的身体语言，让观众感受到的却是伸手不见五指的黑暗场面，但在这严格的“程式化”的动作，并没有影响到各派演员名角的个性发挥，戏迷们看遍各派各家的同一出戏，也不觉得雷同，这在中国传统绘画诸如“四君子”等题材的重复性上均有体现。

你是怎么看待中国画的？篇3

谢谢邀请。作为一个山水画家，一个从事山水画创作多年的人，我经常遇到别人提出这样类似的问题，要我回答，我谨能说下自己的体会，不敢对中国画如何如何。中国画自产生以来，就以它独特的魅力登上世界艺术之巅，名家辈出，作品源远流长，影响旷日持久。中国画是世界上最高级、最生动、最独特的绘画艺术。中国画讲尊传统、尊法理。

我完全赞成，中国画的传承就是要把前人对艺术探索形成的经验一代一代传下去，笔墨当随时代，万变不离其宗，再怎么发展，中国画的特征，中国画的精神不能丢。中国画深入传统，是为的更好的创造，继承传统要科学性，要创造性，不能一味地为传统而传统。古人在继承传统的同时发展了中国画的内涵，扩展了中国画笔墨的体验，提伸了中国画的高度，只有创造性地传承，才是对中国画的贡献。

你是怎样理解国画艺术“意在笔先”？篇4

《画展观后感二首》(七言原创)(一)浓描峭壁万丈髙，淡笔远景虚缥缈，潇作深蕴大师意，绝顶一览众山小。(二)画师挥毫半株苗，卷幅仨叶两片倒，隐喻久旱逢甘霖，蕴意疾风知劲草。浓描:浓墨重描。缥缈:隐隐约约若有若无。潇作:构思别致笔锋潇洒的作品。绝顶:最髙峰顶处。隐喻:不露声色的暗喻。蕴意:蕴涵着的意义深远。