美术与设计的关系篇1

首先，设计学是最古老的学科。设计是人类基于生存的本能，以进化达成的智慧，通过思维与表达，诉诸于器物发明，进而完善自身文明进程的生活方式。在以自然经济为基础的社会形态下，古代的中国民众创造了灿烂瞩目的农业及手工业文明。那时的劳动实践与原始信仰、巫术活动、审美活动在许多情况下常常是混沌统一的，实用与审美统一的造物活动是人类历史上长期存在的。从这个意义上来讲，自从有了人类文明，也就有了设计。

其次，设计学是最综合的学科。设计是一种艺术与科学整体交融的创作方式。一方面，它以形象思维的感性特征作为创作源泉，以人的主观情感与想象作为设计原创的动力；另一方面，它以逻辑思维的理性特征作为理性规范，以物质世界的客观规律作为实施的保证。

再次，设计学是离哲学最近的艺术学科。考察中国传统哲学著作，有大量的有关设计思想的论述。《周易・系辞上》曰：“形而上者谓之道，形而下者谓之器。”被众多理论研究者认为是我国最朴素，也最准确的论述工艺美术思想的表述。朴素的道器观念以及数千年来致力于“道器合一”的设计思想体现了古人对器物与人、器物与自然之间关系的深邃思考。

在相当长一段时期内，设计学的学科定位相对模糊。主要表现在大家对设计学学科本质认识的偏差：在传统的工艺美术学科称谓深入人心的大环境下，人们普遍认为“工艺”“设计”都是美术的衍生产品，在人类数千年的历史中，日常生活中的衣食住行的所有人造物，无一不是手工的制作，将“工艺”理解为手工，将“美术”类比于传统的以绘画为主的视觉艺术，就忽视了二者相融合所产生的学科交叉地带，而设计学的本质属性恰恰契合着这一交叉地带。

应该说，设计学学科称谓的最终确立，得益于“学科学”研究的不断深入。经济社会高速发展，带来了以知识细分化和专业化的现实，学科既可以代表作为真理的科学知识体系，又可以作为大科学属性下的不同层次的若干分支学科，文理交融、互相渗透的现代科学发展模式造成了“跨学科”“交叉学科”普遍存在，大部分学科都处于一张复杂的知识体系网络的一个节点上，互相之间传递能量。所谓的“知识体系”和“学术分类”只能是以一种“学科群”“学科域”或者“学科场”的形式存在；所有的学科都是围绕着科学而展开的揭示事物规律的知识体系的分支，正因为如此，古代“分科治学”中暗含的“学科”是一种静态的指称，而现代意义的“学科”是一种动态的发展，随着历史的演进和时代的发展，学科的内涵在发生着变化。

交叉学科是已经存在并被普遍承认的学科，这种存在突破了已成定规的习惯，打破了自我和他人之间习惯的界限，了事物现成的秩序。交叉学科源于无法凭借自己的学科单独解决问题，而引用了其他学科的研究方法和手段。所以，交叉学科意味着某种新学科的诞生。而“设计学”正是在这种情况下成为广大从业者共同接受的学科称谓：传统的工艺美术、实用美术、应用美术均无法合理地解释“道”和“器”之间的融通转化问题。

经过艺术学学界多年的呼吁和卓有成效的工作，2011年，在国务院学位委员会印发的《学位授予和人才培养学科目录（2011）》中，艺术学从原属于文学门类下的一级学科，升格为学科门类。成为原有的哲学、经济学、法学、教育学、文学、历史学、理学、工学、农学、医学、军事学、管理学学科之后的第13个学科门类。“设计学”由此上升为一级学科。设计学的地位和概念因此而确立。

目前，设计学是艺术学门类下招生规模最大的一级学科。据不完全统计，我国高校（包括独立学院、高职高专）开设有设计学专业的院校逾1705所，常年在校生已逾176万人。从事设计学学科建设研究长达20年的武汉理工大学艺术与设计学院教授、博士生导师陈汗青的一席话，可以说是对设计学学科现状的最客观总结，“设计学生源火爆，学科点显著增长，但发展过速，鱼龙混杂，问题凸显，学科方向笼统，学科建设理论滞后。全国高校范围的扩招与并校，部分院校设计专业存在仓促上马、基础薄弱、膨胀过度、管理模式削足适履、人才培养结构与知识结构面临重塑等问题，亟待解决。许多学校的艺术设计学科（专业）只能是艰难图存，严重影响了人才的培养。因此，从理论与实践结合方面加强与规范设计学科的建设，建立一套科学的、适于国情的学科评估体系，使设计学科健康、有序地发展，势在必行。”

学科基础：规模庞大质量堪忧

20世纪50年代，继中央工艺美术学院成立以后，各地美术院校几乎都开设了工艺美术设计专业，原有的美术学二级学科中自然就多出一个具有合法地位的分支，即“应用美术”或“实用美术”的三级学科。实用美术作为一个具有宽泛意义的跨学科称谓，在该三级学科下，诞生了数量繁多的专业方向，包括“装帧艺术设计”和“染织美术设计”等专业方向的室内装饰设计方向、室内环境设计方向的“装饰”艺术专业被确定为新中国成立后的首批本科专业，并在很长时间里成为中国工艺美术教育的主要专业内涵。

80年代以来，国家共进行了3次大规模的学科专业调整，修订专业目录和进行专业整顿，这一措施在一定程度上拓宽了设计学科的专业面。1998年，教育部在制定高校专业新目录时正式提出“艺术设计”专业。自此，“设计”概念被正式引入学科之中，实现了工艺美术到设计的转换。然而在教学实践上，真正能够将设计作为一门交叉性学科进行教学的院校在中国仍是凤毛麟角，业内对于设计的内涵尚未清晰。这一时期，我国经历了设计教育第一次从无到有的发展高潮，设计教育有了长足的进步，设计专业招生量逐年提高。

进入21世纪的设计学呈现出一种新的活跃姿态。整个20世纪及其之前的设计学以西方设计学学科为中心和唯一标准的格局，日益被多元化发展的新趋势所取代，发展中国家与新兴经济体国家蓬勃兴起的新设计观念与设计教育呈现出积极创新的态势，使得全球设计学学科发展更趋多样；同时设计活动与设计教育对地域社会的介入、追求设计民主和均衡化发展的潮流也日益明显，这些都为我国设计学学科及设计教育在国民经济与文化实力整体增强态势中的提升与发展创造了良好机遇。在“自主创新”国家战略的带动下，设计已经成为不容忽视的产业力量，视觉传达设计、媒体设计、工业产品设计、室内设计、服装设计、环境设计、建筑设计等领域都得到不同程度的发展。

设计学成为独立的一级学科后，此前与“设计”相联系的“艺术”二字被取消。设计体现出从文科领域剥离出来的趋向。除艺术学学位以外，学习设计的学生还可以被授予工学学位。实施设计教育的院校类型也在发生着重大变化，到2012年为止，在全国2200多所高等院校中，有超过1700所开设设计学科相关专业，在这其中，有29所单科艺术院校，900所高职院校，400所理工科院校，其余皆为综合性院校或独立学院；以往以艺术院校为主的设计教育格局发生了根本变化。

大量工科及其他学科资源成为学校实施学科交叉、资源整合的有利条件，但是，在现实的设计教育中，主动实现多学科交叉的设计院校仍属少数；而在艺术院校中，工科、社会学科、人文学科与艺术学科交叉的有效资源更为有限，真正实现多学科交叉发展、结合多种学科成果的设计教育，仍然任重而道远。

因此，依附于宽口径的学科基础条件，加上艺术学升门类而带来的设计学成为一级学科的有利条件，成为设计学学科跨越发展的良机，也成为设计学学科体量庞大的直接诱因。如今的设计学学科，不但拥有高职高专、本科、研究生以及成人教育等多种教育类型形成的多层次的完整的设计教育体系，专业范围涵盖设计历史与理论、环境设计、工业设计、染织与服装设计、视觉传达与媒体设计、信息与交互设计、手工艺设计等广阔的领域，并与哲学、科学、艺术学、历史学、社会学、文化学、伦理学以及工程学等学科密切关联互动。

大量低门槛的学科布点，一方面使得设计学成为艺术学学科门类中专业覆盖最广的一级学科，每年数十万的招生人数使中国设计教育规模居世界首位。这也使得设计学专业毕业生饱受“就业难”之苦。例如，某专业机构在2014年6月10日的《中国大学生就业报告》中，将艺术设计列为2014年本科红牌专业，红牌专业指的是失业量较大，就业率较低，月收入较低且就业满意度较低的专业，为高失业风险型专业。这一消息直接促使教育管理部门对设计学专业布点“过饱和”现状的反思。如福建省教育厅宣布，今年将暂缓增设24个本科专业，其中就包括了2014年就业红牌专业的视觉传达设计、环境设计、产品设计，这3个专业都是设计学一级学科下、艺术设计二级学科之下的本科专业。

学科环境：严密清晰成果丰富

设计学是艺术学学科门类下的一级学科。目前，全国有超过2000所高等院校开设了设计学相关专业，这其中，有超过100所院校（研究所）开设设计艺术学硕士研究生专业，其中有超过50所院校（研究院）开设设计艺术学博士研究生专业，另外，还有8个博士后流动站。再加上数量相当可观的高职高专层次教育，设计学拥有着一般新兴学科难以企及的全方位、立体化的学科建制。设计学目前还容纳着包括设计历史与理论、环境设计、舞台设计、服装设计、电脑美术设计、信息与交互设计等并不为大众所熟知的发展迅速的交叉学科。与设计学有关的学术组织众多，包括全国工艺设计学会、国际形象设计学会、中国机械工程学会机械设计学会等横跨工科与艺术的学术组织，成为中国设计学学术交流的平台。在学术刊物中，有定期出版的《中国设计年鉴》《装饰》《南京艺术学院学报》（美术与设计版）等杂志。可以说，设计学具备了一个规范的学科组织应该具备的一切条件。

第一，研究对象。设计学以人类的设计创造行为为研究对象，是关于设计行为的发生、发展、属性、内涵、目标、价值、程序、方法及其解释与评价体系的科学。另外，设计何以形成价值、设计何以诉诸行为、设计何以影响历史，这些自人类社会形成设计以来就如影随形的基本问题，构成设计学三大核心范畴。所以，设计学研究设计创造的方法、设计发生及发展的规律、应用与传播的方向，以发现问题、分析问题、解决问题的思考为基本方法，展开关于设计实践的、历史的、文化的、教育的研究；设计学强调以设计对象的物理特征、事理特征、情理特征的把握与体现为要旨，探讨构建人与理想世界的现实关系的原理与方法，建构设计学研究的理想坐标与科学体系。

第二，理论体系。一般认为，设计学的理论体系包括4个大的范畴：设计历史理论、设计认知理论、设计方法理论、设计教育理论；由设计历史与文化、设计思维与方法、设计工程与技术、设计经济与管理4个子知识领域构成的基本知识结构，该结构涵盖设计调查、设计创意、设计表达、设计工程、设计管理以及设计教育等多个专业环节。经过反复研讨，业界基本上将设计历史与理论、环境设计、工业设计、染织与服装设计、视觉传达与媒体设计、信息与交互设计、手工艺设计、设计教育这8个二级学科作为设计学的理论框架。

第三，研究方法。学科方法的研究是学科成熟和深化的标志，在欧美国家有关人文社科方法论的研究已经进入专业细分、操作性强的背景下，不少中国学者已经认识到不重视方法研究将不可能推进学科进步，并由此而加强了方法及方法论的研究。如南京艺术学院李立新教授曾经出版《设计艺术学研究方法》一书专门探讨该问题，体现了该学科的研究者在方法论上的自觉。

第四，研究中心。当前，我国设计艺术学基本形成了5个相对集中的研究中心，首先是以清华大学美术学院，即原来的中央工艺美术学院设计学科班底，中央美术学院设计学科班底；二是中国美术学院、南京艺术学院等设计学学科的一些研究力量；三是广州、深圳一带立足于实际需求而开展的设计学研究力量，如广州美术学院、深圳大学艺术设计学院、深圳职业技术学院等；四是以武汉理工大学设计学院为代表的几所高校的研究力量；五是以西安美术学院设计学院、西安工程学院服装与设计学院为代表的设计学科组织等。

第五，培养模式。在现有的学科范围之内，设计学形成了比较完整的培养模式。但是也存在一些衔接上的问题。比如西安工程学院服装与设计学院院长张星就提出，随着艺术学提升为门类，设计学相应地提升为一级学科，通常把三级学科的方向作为本科专业方向，本科专业方向比较齐全，但相对应的硕士研究生培养方向的二级学科短缺了很多方向，在二级学科和三级学科的衔接上并没有实现良好的对应。

第六，学术著作。目前出版的设计学学术著作比较丰富。仅考察国家图书馆的设计学科藏书就超过10万本，有关设计学的博士、硕士论文数量巨大。

学科体系：结构清晰创新不足

设计学学科体系的基本内涵包括了两个系统类型：第一是艺术设计创作及制作系统的教学、实践与研究；第二是艺术设计史论系统的教学、实践与研究。前者主要包含艺术设计思维训练、三大构成规律的学习、设计素描、色彩的课程的学习、专业方向课程的学习、设计实践类课程的学习等内容。具体来说，艺术设计创作及制作系统是一个建立在艺术创作、制作实践、技巧发展等基础上的应用型系统。后者的艺术设计史论系统教学，主要研究艺术设计历史脉络、艺术发展规律、美学流派表现、理论方法呈现等内容的系统，包括历史发展、美学理论流变等多个范畴的研究内容。艺术设计发展研究，主要聚焦于艺术设计发展相关的文献资料等在内的系统的史料史学研究，包括了中外艺术设计发展历史的比较研究，以及科技、社会、文化等历史发展对艺术设计发展历史的影响，努力建立科学系统的艺术设计史发展体系等。艺术设计史论研究，主要对艺术设计美学思潮、理论批评研究观点、研究角度等基本规律，从哲学和美学的高度对艺术设计的审美本质、创作主体、美学特征、大师研究、作品研究、理论体系进行宏观与微观并存的理论把握。

上述两个系统关系密切，前者是产业化推进和创作实践拓展的关键系统，后者是推进艺术风格丰富和未来发展的重要动力。除了上述两大系统的核心内涵之外，艺术设计学科体系还包含相当广泛的外延，它在与多学科交叉发展的过程中，不断创新研究内容、理论架构。艺术设计学科并不局限于一种以行业划分为基础、以技艺传统和设计经验的传承与发展为主线、以职业技能培养为目标的教育，而是建立于感性和理性协调发展的人格教育基础之上，以现代工业生产和传统工艺美术生产中设计活动的艺术内涵、科学内涵、文化内涵的实现为主线，以人的创造素质与能力的培养为核心的教育。

对学科体系的逻辑划分，客观上反映了从不同视角切入学科建设问题的研究方法，比如深圳大学艺术与设计学院副院长邹明认为，“重道轻技”古来有之，表现出一种价值观，而“以技通道”“以道观器”，是一种融合，立足学理建构、学科品质、寻源问道。譬如评价一幅名画常常离不开对其精湛技艺具有超高难度的肯定，同样，好的设计也少不了绝妙的技术，风格创意不是独立存在的，必须依附于一定的表现形式，方可产生活力。设计学科体系的建设，有其自身的特点，自由的学术精神、跨界的知识修养、综合的表现技能，凝聚成一个“史、论、术”的整体。它不是一种静态，而是动态的，重在知识积累的基础上去发现、创新，从这一点说，设计学科体系的建设必须要关注社会、关注时尚、关注科技、关注商业，学院主义精神不只是对书本知识的学术研究，同时要有实践体验，在发现问题的过程中提升分析问题和解决问题的能力。

另外，对学科体系的认识，还直接决定了教学内容的取舍，有关专家建议，不应过分地将目光放在引进吸收外来设计学科思想上，而应该从中国传统文化中寻找改善设计学学科建设的方法。我国长期沿袭西方的艺术设计教育理论，特别是德国的包豪斯设计教育理论体系对我国的影响很大。一方面，包豪斯提倡的三大构成教育，大大促进了我国设计教学的发展；另一方面，由于我们不太了解包豪斯设计教育模式形成的特殊历史背景，忽视了对于学生动手能力的培养，导致学生的实践能力较差。

天津美术学院教授李炳训认为，学科体系建设应当追溯到设计学立足于“善”与“美”的目标所体现的价值之中。就其价值而言，可以划分为3个部分：一为实用价值，二为审美价值，三为伦理价值。设计的实用价值是设计的基本价值，在设计的各环节中必须达到功能属性的目标，以及不遗余力地去刻意表达“善意”，来满足人的活动行为的需求和欲望。所以我们常说“设计要以人为本”，体现“人文关怀”，以表达充满道德属性的善意内涵。设计的审美价值即艺术价值。设计的作品审美特性是由设计创造的，美是可视的、可触的，美与审美对物而言可分为形态（造型）美、结构美、工艺美和材料美。设计的审美价值应存在于设计作品的最终结果之中，即适用与被使用的主客体之间功能关系形成之时。设计的伦理价值是设计造物中超越实用功能价值和审美价值的更高道德层面的内涵，是控制、实施实用价值与审美价值的人文精神层面能力与自身道德修行的体现。

对于设计的价值观而言，一切为人服务的设计作品若达到善与美的标准，其设计创造的作品应该淋漓尽致地表达出对使用者的“善意”与“尊严”实用价值内涵、使用者对作品的“美意”认同而获得的“喜悦”，而“至善至美”的寓意应体现于对设计作品的价值的总体判定或对于精神层面的伦理价值内涵的确认。

在教育模式上，由于我国现代艺术设计教育起步较晚，我国当代的艺术设计教育还主要是一种美术型的教育，教育模式依然主要沿用传统艺术和美术教育的方式，以纯艺术的美术教育和传统工艺美术教育为基础，受写实造型艺术教育的深刻影响，形成长期以来“重艺轻技”的状况，忽视了设计教育应与专业实践结合的特点，尤其是缺乏技术实践教学，设计与市场相距甚远，理论与实践脱节，违背了艺术设计实用性的本质，导致学生毕业后很难满足社会需要。这是当前我国艺术设计教育存在的薄弱环节，也是中国设计教育落后于国际现代设计教育的关键因素之一。正如章利国先生在《现代设计美学》一书中所说：“进入信息时代，电子计算机时代和高科技时代的社会，呼唤现代设计教育的信息化、系统化和高科技化……信息科学、系统论、电子计算机原理和应用、生态学、行为学、环境科学等知识以及某些相关能力，已经或正在成为包括工业设计师在内的现代设计师必备的素养，对这些方面的教育培养绝非可有可无的事情。”

在艺术设计教育中，我国目前的现行高考制度，使得艺术类考生一直享受着十分“优惠”的政策――降低文化分数录取线，对艺术类考生在文化素质的要求上是网开一面。20多年的实践证明，正是这种“优惠”政策，造成了包括艺术设计在内的艺术类专业教育整体上缺少文化底蕴，使绝大部分学生成为“匠气十足”的“工匠型”技师，较少有人能成为“大师”级的艺术家或设计师，其根源在于对文化教育重视不够。

在课程体系的建设上，虽然1998年教育部以合并专业的方式，试图扩大专业的口径范围，以避免专业的过细过窄。但时至今日，大多数专业院校在执行时多以重设专业方向予以应对。如清华大学美术学院、中央美术学院、中国美术学院等老牌专业院校，还是以专业方向为主设计专业系科，诸如装潢艺术设计、染织艺术设计、环境艺术设计等。而综合类院校的专业系科，则采取在艺术设计专业中分设专业方向来细分专业。这种以专业方向为核心的设置方式，直接造成知识结构偏窄，带有十分明显的实用主义色彩，加之在课程的设置上也存在着“重技轻文”的倾向，对学生的培养往往过多地注重专业技巧的训练，将理论知识，特别是科学技术知识作为可有可无的课程对待。这种教育状况造成了艺术设计教育与市场需求脱节。这种肤浅而缺乏市场导向性的学科设置必然导致高等教育与社会需求之间出现相当大的供需断层。

学科文化：内师心源外师造化

设计学是一门古老而年轻的学科，作为一种与人类史前文明几乎同样古老、在第一块砍砸器被确定功能时就已经蕴含于其中的创造方式，物的“意匠”的历史悠久而漫长，而且在各民族文化关于文明与历史的认同中有着崇高的地位。设计学作为一种特殊的艺术态势，其学科文化应当是立体的、多方位的，更为注重团队精神与合作精神，注重实效与实战。相对应的学科组织，应当保持一种常态格局，以及相应的评价体系。而真正产生学科组织作用的主要在于教师，一个强有力的学术团队，有方向性、有责任感、有能力解决问题的团队。

探究设计学的学科文化，近20多年来，随着中国经济发展的日趋繁荣，中国的艺术设计领域也取得了飞速的发展与提升，但在飞速发展的过程中，暴露出了这样那样的问题。中国当代设计市场化味道浓郁，缺少有影响的设计思潮。从中国目前的现代艺术设计发展状况来看，市场的发展和商业形式的急功近利导致相当一部分平庸之作产生，对于国外某种流行“艺术语言”进行一哄而上的复制和抄袭。这种立足于大规模高等教育群体的“重复”对于现代艺术设计的发展毫无意义。

为了获得短期的艺术效应，一部分人打着与国际接轨的旗号而沉溺于对形式与技法等视觉刺激的追求。殊不知，这正是在慢慢背离中国特色艺术设计学的主旨。相当多的现代艺术设计作品追随国际潮流之后，走别人已走过的路并且乐此不疲，“照猫画虎”，生硬地设计出一批“国际主义”的刻板面孔。大量国际风格的运用，使艺术设计在很大程度上丧失了民族性、地方性而走向了另一个极端。“中国制造”的状态一直没有发生根本变化，尤其是“设计的民族风格问题”，依然没有得到有效的解决。

人才饱和、扩招继续的无序现实，加剧了学科专业的结构性过剩，毕业生就业形势严峻。而高考制度的缺陷更进一步影响了设计学在更高层次上的迈进，使学科文化低位徘徊。从高职高专到硕士、博士形成的体量巨大的金字塔形人才培养规模，使设计学学科人才培养质量整体呈下降趋势。文化课较差导致整个专业的从业者文化底蕴不足，培养出的只是具备一定技巧的“工匠型”设计师，从而制约了学科文化向更高水平发展。

在这种情况下，一些培养单位立足自身优势，越发注重设计人才的创新能力培养，以期培育属于自己的独特的学科文化。邹明指出：“不同的院校设置设计学主干专业显然有着不同的特点。从专业布局到地域布置无疑都会受到所在院校的影响。深圳大学艺术设计学院置身于综合性大学，学科间的跨界、交流与影响，客观上会对设计学科的发展带来一些机遇。置身于深圳‘设计之都’特定的环境，为设计学科的发展创造了更为得天独厚的条件，事实上，我们在与学校和社会的沟通与交流之中，已经卓有成效。设计学主干专业本身也是跨界和动态发展的，专业特点的形成，不是刻意而为，常常是顺其自然、水到渠成，当然，其中也必须有发现的过程。不同院校，不同地域，对设计学科的制约与发展，也是顺势而为。”

而张星在人才培养方面也有一些特殊的思考，“当前设计学学科基本上分为三类：一类是传统的美术院校，这些学校的设计学科都是从美术学科中顺其自然地分化出来的，学科方向比较齐全；另一类是我们这种有行业背景的普通本科高校，这一类学校的设计学科大都注重与职业的衔接，纺织、服装、染织等专业方向性比较强；还有一类是一些民办院校或三本院校，这些学校没有完整的学科支撑，往往只开设一到两个零散的专业。所以，也就形成了现实中的三种学科文化。”在采访中，张星也表达了对当前设计学毕业生就业形势的担心，“首先是设计学毕业生总量的确很大，供大于求，造成人才市场竞争加剧，这就要求我们的学科文化要有特色性；其次是市场需求的变化也很快，今年比较热门紧俏的专业，到了4年后很可能就落后了。这就要求我们的学科文化要有前瞻性。”

学科文化的养成，反过来作用于艺术设计思想的提升。艺术设计专业考试制度目前也存在着严重的滞后性。学生在参加高考前的教育和进入高校后的教育差别较大，这就使学生在进高校后不能很快地投入正常的设计学习阶段，对自身的学习目的不明确，仍长期徘徊在对素描、色彩等基础课程的掌握中，对纯艺术领域与设计艺术领域的界限划分没有清晰的认识，过分注重基础技法，忽视了设计思想的培养。

整个社会经济运行模式处于一个转型期，市场也呈现出不成熟的发展态势，从设计竞标、设计研发、设计管理直至设计投入市场以及后期的设计效果反馈等一系列系统化、规范化的运作体系都尚未形成规模，而这种缺乏良性循环的结果只能带来混乱的市场秩序。

大众对设计艺术学科的认识还比较肤浅，居民的购买力还很有限，使得设计研发尤其是对中高端的开发存在一定的难度。在经历了相当长时间对西方设计的“拿来主义”之后，近些年来，中国的设计界终于意识到了“中国设计”的重要性。“民族的才是世界的”，丧失了民族文化原创力的设计艺术是没有任何生命力的。中国不同的思想、宗教、民俗、地域环境造就了五光十色的民族文化，我们应该有理由相信，如果对这些文化进行深入学习、研究、发掘，将会对中国现代艺术设计产业形成一个“质”的提升，成为“中国设计”的一种文化身份标识，大大加强了中国设计在世界设计产业中的竞争力，而为渐趋多样化、多元化的世界消费方式所欣然接受。

美术与设计的关系篇2

舞台美术是舞台艺术的重要组成部分,也是舞台艺术的“外形式”和“外包装”。而舞台美术本身,又由布景、服装、化妆、道具、灯光、音响效果等组成。这些具体环节构成既密切联系又相对独立的艺术系统。而舞美设计就要在充分支持每个环节艺术作用的同时,充分注意到各个环节的同步互动、互相联系、互相影响的问题,以形成全系统整体的最佳效应。

首先是布景、服装、化妆、道具的整体同步互动。这四个环节都是看得见、摸得着的、具体的艺术门类。他们都要在导演与舞美设计的总体艺术构思及总体风格前提下,紧密配合,相映生辉。例如现代京剧《红灯记》,日寇占领下的中国北方小火车站及普通铁路工人家庭的布景,与主人公李玉和铁路工人的工作服、扳道工的化妆及其特有的道具号志灯,就同步互动,共同构成一个既真实又艺术的美的整体,同时又以号志灯象征革命的底蕴,这种舞美设计,堪称典范。

其次是布景、服装、化妆、道具四者之间的两两同步互动,即布景与服装与道具、化妆与道具的双双同步互动。只有这样,才能使整个舞美设计充满完整、谐和、统一的美感。绝不能任何一个门类“主唱”、“单兵独进”,破坏整体的艺术格局与美感效果。例如现代京剧《智取威虎山》中,杨子荣在第五场“打虎上山”中,布景是林海雪原,与他的羊皮大氅、皮帽、皮靴的服装是同步互动、协调一致的;这种美化了的“土匪”服装、英俊的化妆以及道具马鞭(代马),也是同步互动、协调一致的。道具,同样是同步运动、协调一致的。

再次是上述四环节(布景、服装、化妆、道具)整体与个体同音响效果的同步互动。从整体上看,四个环节与音乐音响构成画面与声音、视觉与听觉的一体同步,也是互补的;从个体上看,每一个环节都与音乐音响形成两两同步互动、音画一体的辩证统一关系。例如京剧《红灯记》第一场,小火车站的布景、李玉和铁路工人的服装、化妆,号志灯的道具,同火车的进站声、枪声,就形成了整体的同步互动;又如《智取威虎山》中杨子荣的“打虎上山”,其布景、服装、化妆、手枪的道具,均分别与枪声构成两两的同步互动,充分展示出革命英雄人物的威武与超群,并具有现代英雄的时代特征:杨子荣是用现代武器手枪打虎,而古代英雄武松只能用哨棒与赤手空拳打虎。

美术与设计的关系篇3

论文摘要：计算机技术的发展带来了一系列的变革和发展，计算机辅助设计在美术设计中的应用是计算机技术和美术设计发展的切实需要，计算机在美术设计中的应用使计算机美术与传统美术区分开来，但计算机美术设计依旧与传统美术设计表现出紧密的联系，通过对计算机美术设计优势的探索，深入分析计算机美术与传统美术的关系。

随着计算机技术的发展和互联网络的逐渐普及，相应的设计行业也得到了一定形式上的创新和发展。现代设计与人们的生活密切相关，适应了市场经济发展的切实需要的计算机设计。与传统的美术设计相比，计算机设计促进了视觉设计的一系列相关产业的形成和发展。计算机美术设计通过运用创新的工具为创作手段实现美术设计，在传统美术设计基础之上随着计算机技术的发展而不断完善。

一、传统美术设计的基础地位

美术设计包括美术理论、美术技能和审美等。美术理论、技能教育的任务主要侧重于美术基本知识与基本技能的训练。通过对美术史以及美术创作的学习，培养学生的审美能力。传统的美术设计能使学生具有一定的文化修养以及良好的审美能力和鉴赏能力。设计创作的主体将通过对现实生活中审美认识，经过一定的设计和物化使其形成视觉艺术的美术作品的创作过程。优秀的设计师应具有较高的艺术欣赏水平、坚实的美术功底、良好的艺术资质以及创造性的设计思维，由此，艺术修养的培养以及美术基础技能的掌握对美术设计的发展有着重要的作用。

二、计算机美术设计的特点和优势

（一）强大的设计功能

在美术设计领域，计算机是先进的设计工具，具有声图并茂、信息存储量大、展示便捷、图像生动逼真、动感效果，传统的美术设计难以企及。同时计算机美术设计具有方便的修改功能。计算机的广泛应用改革和创新了人们的生活和工作的各方面，从而为它不仅能够是传统设计所达不到的，同时修改起来尤其方便。作为一个先进的生产工具，计算机的广泛应用在人类生产生活环节的各个领域发挥了巨大作用，有效提高了生产效率。计算机美术设计给设计师留下了更多的思考和设计时间，并且有效拓展了想象空间，由平面设计扩展到三维立体设计以及网络动画设计以及影视制作等。

（二）丰富多样的美术设计软件

计算机美术设计的多样性也在一定程度上体现在美术设计软件的丰富多样上，例如广告平面设计软件如photoshop、coreldraw、googlepicasa，能实现对照片、logo标志、广告、图片的设计等，同时还能增加图片的效果处理。建筑施工图设计如autocad、3dmax等，室内外装饰设计效果等。发展成熟的美术设计软件为美术设计提供了完善的调整和设计方案，通过色彩、亮度、对比度等画面的调整，实现对美术作品的快速修改而不需要重新绘制着色。计算机的编辑操作模式实现了对传统美术设计的超越和发展。传统美术设计中，容易由于一点失误造成整体工作的报废，计算机的美术设计则有效避免了废稿，节约了设计者的时间和精力。

（三）海量存储的设计素材

计算机技术和互联网的发展和普及建立了信息资源共享的平台，计算机网络信息化以及海量存储的特点，致使美术设计者能轻松获取素材。同时也可通过计算机美术设计实现传统美术设计不可能实现的效果，将以前的创作设计应用到新的创作中去。计算机对于美术设计作品可以进行海量存储和网络信息化使作品出版、传播具有显著优势。同时计算机美术设计也推动了整个美术设计行业的快速发展，建立了美术设计者的相互交流和沟通的平台。

三、计算机美术设计和传统美术设计的关系

虽然计算机美术设计的发展给美术行业带来了巨大的变化，然而计算机美术设计的核心依旧是美术设计，美术设计的发展主要在于设计作品的功能性、艺术性以及文化品位等特点。从而要求美术设计师具有较好的艺术审美能力和创新思维，从而能不断为美术作品的设计和发展注入文化底蕴。优秀的美术设计师除了应熟练掌握美术设计软件的操作技能外，还应具有良好的美术设计基础。仅具有计算机操作却不具备传统美术设计基础，难以创作出具有艺术审美的美术作品。要创作出高质量的美术作品，还应有效结合计算机美术设计和传统的美术设计，实际上形成了以传统的美术设计作品为底蕴、以计算机美术设计为手段的设计模式，设计者的审美能力越强，艺术修养越高，则美术设计师设计出来的作品具有越能越高的品位，从而得到大众的认可和欢迎。

参考文献：

美术与设计的关系篇4

关键词：美学技术美设计艺术品体现

中图分类号：TB472文献标识码：A文章编号：1672-3791（2012）10（b）-0162-01

人类的审美意识同人类的产生一起产生，在认识美的过程中，逐渐理解和把握了美的规律，从而在各种实践活动中按照美的规律进行创造，使我们周围的世界变得更加美丽。艺术是审美心理的物态化产品，在许多艺术作品中记录和保存了人类审美心理的结晶。

1美学、技术美学和艺术设计的关系

美学是一门研究美、美感和艺术的科学，研究人与现实之间的审美关系。随着社会生产的发展，逐步发展起来，是一门边缘性科学，同哲学、心理学、历史学和艺术理论有密切的关系[1]。美存在于社会领域和自然领域，也存在于艺术领域和科学领域。设计是人们有意识地按照一定规律的技术和艺术处理手段，使产品的功能、物质条件和艺术性通过结构、形体、色彩、装饰、质感等体现出来，从设计到产品制造出来的全过程，以其形象来体现它的使用功能和审美功能。技术美学是一门新兴的美学分支学科，在工业设计的形成和发展过程中产生的应用美学学科。

2美的分类

美既存在于社会领域和自然领域，存在于这些领域中的美可以用社会美、自然美、艺术美和形式美加以区分。

社会美是人类主体生产实践活动及其创造的产品与结果的审美价值形式系统，包括生产美、生活美和人性美。自然美是自然事物所具有的审美价值形式，主要包括经过人类实践活动改造过的自然和未经人类实践改造的自然。自然美分为人文景观和自然景观。艺术美是艺术品所具有的审美属性或审美形式，是艺术审美客体系统，主要分为视觉艺术、听觉艺术、视听艺术和想象艺术。形式美是存在于自然、社会、艺术等领域中的审美客体的形式因素及其有规律的组合，即一定的色彩、线条、形状、声音、节奏等的组合安排等[2]。

3技术美

社会美中的生产美又分为劳动美、技术美和产品美三个层次。技术美表现为劳动生产过程中人与机器或工具的协调统一关系[2]。只有工具适应主体需要、操作活动自由协调，操作才体现出美，劳动者的身心才能得到和谐发展，劳动才能达到良好的效果。

人们对产品的第一印象就是外观，产品的外观包括造型、配色、光泽、质感、外部的图形、色彩、文字等，它们都是构成产品美的不可缺少的因素。产品美由产品的外观、功能和结构等因素构成。产品是供人使用的，应该有良好的使用功能，功能的完善，使用的方便最能体现产品的美。产品美大都要求功能美和外观美的统一，实用和审美的统一。美的产品既要有完善的功能，又要有美观的造型，既要有符合人们需求的实用价值，又要有可供人观赏的审美价值。

4工业设计与美学的有机结合

工业设计是人们有意识地按照一定规律的技术和艺术处理手段，使产品的功能、物质条件和艺术性通过结构、形体、色彩、装饰、质感等体现出来，以其形象来体现它的使用功能和审美功能。运用人机工程学、生产技术和经济学等科学手段，协调产品与人之间的关系。工业设计需要与设计美学相结合，工业设计师应该掌握基本的美学构成原理，尤其是形态要素和形态美的法则，通过与产品的材料、加工工艺的结合，创造出现代工业产品特有的时代美和技术美。

5技术美在设计艺术品中的体现

5.1技术美在设计艺术产品中体现在功能的合目的性。

技术美与功能联系在一起，以有用性为前提。技术美是人改变自然物质形式创造出来的，与人的生产和生活有紧密的联系，体现在产品的功能中，产品失去了功能就不会有人购买。技术美在设计艺术产品中体现在功能的合目的性。在使用过程中实现审美欣赏的条件是要使用起来舒适、方便。技术美功能的合目的性通过产品的具体形象表现出来。没有感性形象，合目的性的功能就没有物质载体，就没有技术美的存在。工业产品的感性形象是技术美得以实现的载体。

5.2技术美体现在设计艺术产品的材料中。

材料是构成技术产品的物质基础，是技术产品的重要构件，是构成产品外观质地的决定性因素。重视材料自身的审美属性是技术美的一个重要的特征，技术品的形象是材料的实体构成，没有材料，就谈不上技术美。现代科技的发展产生了大量的新材料，新材料的应用必然会使现代产品突破传统的结构而采用新的结构，也使产品具有强烈的时代感。

5.3技术美体现在设计艺术产品的结构美中。

技术美要求以产品的物质功能为前提，要求结构要具有最佳的技术合理性、经济可行性，同时又要简洁、轻巧、可靠和方便，从而表现出合规律性和合目的性相统一的特征。产品的审美价值由产品的内形式和外观形式，特别是外观形式所产生，产品的外观形式包括造型、色泽和光泽度等，它是产品的完成形态，也是构成技术美的直接条件。设计艺术产品所采用的对称、均衡、节奏等形式，直接影响到产品的审美价值，这些因素只有和产品的结构功能融合成有机的整体，才能发挥积极的作用。

5.4技术美体现在设计艺术产品的功能所表现的合目的性中。

技术美又被称为功能美，它的审美实质在于对产品的功能所表现的合目的性的关照。技术美并不直接等同于产品的效用功能，但产品的美与其功能的合目的性有着本质的联系。功能的合目的性符合并表现了人的活动的经济原则，即以最小的体力、脑力和时间消耗取得最大的使用效果。这种功能的合目的性最终通过技术产品的使用充分表现出来。

5.5技术美体现在设计艺术产品与周围环境的协调之中。

设计艺术产品总是在一定的环境条件下使用，这就引发出一个产品与环境和谐与否的问题。设计艺术产品与环境的联系包括与自然环境的联系、与社会环境的联系以及与其他设计艺术产品之间的联系等，这些联系使得产品与环境成为一个有机的整体。产品与产品之间在功能、形体、色彩上的和谐与否可以给人造成不同的情绪状态，这也构成了技术美的一部分。产品与环境的和谐最终反映了产品与人的社会生活的和谐，不仅影响产品功能的发挥，而且影响人的心理感受和情感生活。

6结语

技术美就产品本身来说，依附于功能又超越功能，是功能与美的统一。就产品与人的审美关系来说，它存在于人对设计艺术产品和由产品构成的环境的功能与形式中。技术美通过设计艺术产品的材料、结构与形式的功能性、功能的合目的性、产品与环境的协调关系鲜明地体现出来。

参考文献

[1]何林.应用美学[M].沈阳：辽海出版社，2000，9.

[2]武汉市社会科学研究所.美学常识[M].湖北人民出版社，1984.

美术与设计的关系篇5

关键词：建筑装饰美术建筑设计构图

美术与建筑设计之间的关系，早以不是新鲜的话题，我国在这方面的发展由来已久，建筑在目前社会发展中要表达出一定的人生观、审美观和价值观，同时也要照顾到人们内心的审美需要和真善美的发展需求。建筑设计自古以来就是人们关注的重点，在设计中涵盖着民族文化力量，是一个民族文化发展的结晶和标志。建筑装饰是目前建筑工程表面的保护层，但是其随着人们生活水平的不断提高，对建筑使用功能和建筑审美的要求不断增加，逐步加大了建筑设计的难度。从根本上来说，建筑美学它是建筑设计的组成部分，随着社会的不断发展，建筑设计行业逐步形成了一个全新的行业，成为建筑工程中独树一帜的工程环节。随着大量新颖别致、高标准建筑工程的出现，在建筑工程项目中，越来越重视建筑设计构图，对建筑设计与美学直接的关系的进行大量的探讨和研究，努力的将现阶段科学技术成果和建筑美学应用于构图设计之中，形成一个系统的设计流程。

1、美学对装饰设计构图的影响

建筑装饰设计中，无论室内还是室外，都会设计到各种设备的应用和位置布局的关系，这种关系的处理手段和措施影响着建筑功能和建筑物美观的有效发挥。室外装饰时要考虑该建筑与其他建筑的关系，而在室内装饰构图的过程中要考虑到室内各种家具之间的摆设要求，针对室内的家具和其他装饰品的摆设要按照统一布局的需求进行分配，确保结构图的合理有效，是否符合美学的理念和要求。

美学对设计的影响在这方面比较大，设计时要结合房间的形状、颜色、与其他房间的关系、生活习惯、人流走向、平衡与对称、聚散、韵律美等等法则去推敲，才能组织出合理的空间构图。这种构图方式与普通美术的构图方式不同。普通美术的构图只从美感考虑，而在装饰设计中不但考虑美感而且还要考虑其实用性、合理性。所谓构图即我国传统画论中的“经营位置”，晋代画家顾恺之称之为“置阵布势”。构图是画面结构各种关系的总体，是思想性和艺术性的体现。学习作画自始至终都应贯穿构图意识，练习如何组织各种物体的关系，深刻理解主次、聚散、平衡关系等美的法则及用法，处理好装饰设计中的各种关系。这些美的法则都是在学习美术时需要掌握的内容。

2、美术效果——透视在建筑绘画上的应用

美术效果的运用在建筑设计中体现的比较广泛，在目前的建筑绘画结构的应用中，通过将轮廓和线条色彩的有效结合，严格控制构图之中存在的各个环节，针对绘画措施和要求确定性及时分析，对个中大型的物体能够及时有效的处理，是指形成一套系统化的流程和措施要求。建筑绘画的透视要求要在确保画面主体形象的前提下做出准确判定，确保绘画的过程中对各个基本环节控制，形成系统的管理控制流程和措施。在画面的处理之中要尽量确保画面的准确和清晰，对各个线条比例要严格的控制，而在其它绘画方面对透视要求不像建筑绘画那样严格，不需要控制各个物体之间的比例，并且对线条的要求也没有如此的精密。

伴随着当前科学技术的不断发展，三维立体效果的广泛应用，三维性的透视效果图在方案中的重要性是不言而喻的，它在目前的图纸设计中有着重要的作用和意义，是体现图纸在使用的过程中线条比例能够满足目前建筑设计要求的关键。同时还能够在设计图纸中直观的表达出需要表达的要求和设计效果理念。与建筑绘画有密切关系的主要有：三个透视点的控制和分析理论。透视对于建筑设计人员来说，其重要性是不言而喻的，是整个画面处理的重点环节和方法。每一种透视都有自己的优缺点，对它们的优缺点及应用要深入研究，在目前的建筑设计中只有牢牢的掌握各种透视点的分析布局要求，才能够在设计之中展示出其良好的设计效果，通过对透视性能娴熟的运用，才会尽可能的为建筑设计提供更准确的处理效果。

3、建筑设计用绘画色彩的运用

室内、外设计均属于环境艺术。在色彩的处理过程中尽量避免各种特殊色彩的应用，这样能够有助于它在处理的过程中保持人们心情的舒畅，避免由于特殊的色彩而造成人们心里和心情的变动，这是源自于美术学的经验。随着生活水平的提高，在室内外设计方面人们比较注重对室内的各种色彩搭配要求，对室内物品的陈设和色彩搭配要求都不断的进行处理，使得在工作中形成了有效的处理方式和环节要求。但总体还是倾向于简洁、整齐、明快。基本色调要求把家具、照明、床上用品、窗帘等室内用品相协调统一起来，营造一种舒适温馨的气氛。建筑绘画的色彩也有特殊的要求，用色的目的是塑造建筑的形体结构、空间关系，不必追求过分的微妙变化，而是运用色块整体表现建筑的体量关系。在美术上对所有的色彩描绘靠感性得来，完全建立在光作用下对色彩的认识。建筑绘画色彩的运用有许多概念成分，也有感性的作用，是一种比较全面的绘画形式。概括性的手法有高光的点法、线条的勾勒、抽象的光影、笔直的笔触等。同是金属的高光部分，在建筑绘画与油画表现中差别较大。油画中的高光表达过渡细腻、真实，并加入光源色，是由大量的白色、光源色及极少的固有色调配而成，完全按照画者对物体的感受来表达对象，并且不同人的感受也不同。在效果图中高光的表达明显有概念成分，色彩单一只，用白色无细微变化，高度概括，一扫而过。着色步骤也有不同，一般绘画是从大关系入手，再局部深入；建筑绘画则是在底色的基础上，从局部开始，画到一处完成一处，以保持其整洁性。建筑绘画虽有自己的特点，需要画者有良好的色彩修养，敏锐的色彩感觉是经过大量的写生得来。

4、建筑设计中环境、建筑、文化的关系

环境、建筑、文化三者的关系，很微妙，很“有机”，很“辩证”。说到底，是环境决定文化，但环境必须通过建筑，才能决定文化。相对于文化而言，环境是建筑的载体和母体，已建成的建筑又成为环境的一部分；相对于环境而言，建筑就是文化，是物质文明和精神文明共同构成文化的主体；相对于建筑而言，环境与文化的结合，能让建筑更具有时空性和地域性。环境、建筑、文化三者共同构成了“城市特色树”，即“环境之土，文化之根”，有了前两者的营养吸收与供给，“建筑之枝叶”才能繁茂，“城市树”才会有茁壮的活力和由茁壮焕发出来的魅力。可见，环境的美之于建筑的美，建筑的魂之于文化的魂。

美术与设计的关系篇6

【关键字】结构设计科学艺术

结构一词来源于拉丁字Compositio,是布局、组成、连接的意思。我们用它来表示在一定系统中合理安排构件,组成一个统一的方式,作为名词指某种可感知的形式,作为动词则表明该种形式的构成过程。最初该术语只用于建筑学中,形成了结构理论的专门科目,后来才扩展到其他的艺术形式(绘画、音乐、文学)之中。

在设计中引入结构概念具有重大意义,不同设计作品的特点,在于其结构形式能表达不同功能,起到在一定社会关系中应该起到的作用。这作用直接由作品自身使用的材料性能及材料之间的组合关系表现出来。由于功能特性,技术与经济条件及作为意识形态的物化要求,结构在设计作品中产生重要作用,而形式符合美学法则是满足人的物质和精神需求不可分割的部分。--这也证明了技术美学产生与科学和艺术的结合―逻辑结构和感受形式,这使科学和艺术在一定高峰处相遇,并在设计学科中得到充分的体现。

科学有自己的特点,艺术也有自己的特点,二者仿佛互相对立,科学是精确性,公式化,而艺术是对人体现一定内容的形象的感受。但随着发展,艺术会越来越科学,可科学择更艺术化,在技术美学中,用两种不同的方法:逻辑和感受的方法,把科学和艺术联合到一起。利用自然形成的有生命的机体,设计师在应用动力学技术时很自然的在交通工具中设计出流线动力型动力形状。此形状契合人知觉的美学要求,从而在艺术上体现其价值。因此,流线型在工业产品的成型上,成了客观规律,并应用到其他非交通工具的产品上,如手机、视听设备等外形设计。可见结构及其形式把作为科学成果的技术与作为人的感受对象的艺术连接起来。

结构应该使产品具有更完善的形式,因此在产品中形式构成也是十分重要的,在许多情况下它是艺术质量的主要尺度。而结构形态是设计过程中,在综合考虑美学因素之后,对各种原始条件作出的创造性理解。特别是在建立具有一定空间维度的物品时,设计师不像画家,不能仅运用线和面,而必须考虑体积、质量和空间关系。这就要求设计师要了解不同的结构方法,运用材料的物理、机械、化学特性及在物质特性中所蕴含的各种美学要素。对设计师来说,结构原理不仅是构件组合的客观逻辑的技术规定性,还有形式构成的规律性即艺术的原理和方法,目的是创造产品的“合理合情”的形式,以满足功能、技术、经济和美学要求,即物质和精神的需求。技术构造与艺术形式在结构概念中是统一的、不可分割的,比如我们认为机器构造法就是给予机床、仪表和其他能表现各自功能和结构特点的技术产品以艺术形式结构的规律性。

结构概念在设计中是艺术和技术的统一,一件设计作品,在物质功能方面和精神感受方面是统一而不可分割的,但在表述上却可以区分出来,即形式的物质和精神功能。结构概念形式要素(点、线、面、色彩、肌理、光线、空间、音响等)的构成中具有重要意义,是艺术表现性的独特手段,并有机地联系着产品构造的立体空间结构和产品构造的客观规定性(一定的强度和平衡)。在不同类型的设计中或同类型设计为不同目的服务时,由于不同的材料和构件常常会做成不同的结构或结构形式,因而工艺系统也不一样,这些特定的工艺系统是设计方案的基础。

结构的物理性能方面的规定性决定了结构工作有逻辑规律方面的要求,力学、动力学、空气动力学、流体动力学、材料力学等为结构提供了科学技术依据。而立体空间结构和形式结构作为结构组成的重要范畴,为建立美的形式打下了基础。人的感知觉系统在审美领域的拓展为结构提供了美学依据,在结构调整和布局中,美的法则适时地渗透进来。在设计领域,这些法则最终要达到的效果被归纳为协调(有时称平衡和统一等等)。

结构在美学方面的要求,产生了一些形式构成方法,这包括比例与测量、不对称平衡、单纯与复杂、变化与统一、对比与微差、色调平衡、突跳等等。我们在运用这些方法时,拓展了结构的形式,而技术的发展则保证了该结构形式的实现。在对协调概念作理解时,首先是数学方面的,是一定数字比例形式的对应性。这是一种可见可分析的结构关系。其次,协调概念发展为与美学的感受有关的定性协调,即人对应于自然及艺术时所产生的感受。

结构的美感在于变化中的协调统一性,这种统一是定量而不定性协调(数学比例关系)和定性而不定量协调(对自然界和社会以及人工物品的审美感受)结构在各个部件之间的比例关系、节奏、尺度形成的多样性、整体性而表现出美学范畴中的美观、优雅或崇高等等。设计结构中的定量与不定量协调要求设计者不能仅仅以形式主义的数量关系或不变的数字比例关系来进行结构工作,也不能仅考虑美学任务而忽视由数学关系所表现的技术环节。设计中的协调正是借助于正确解决社会、功能、技术、经济和美学任务而获得的。因为美感不可能仅是定量的物理关系,而是人与自然、人与人、人与社会之间的复杂关系的综合表现。

结构形式的美感是所有物质构件和思想构件共同配合而反映出来的统一的整体性表现,这种整体性包含着一些基本因素,如形式与内容的统一、形式与实用性和功能的统一、形式与材料性能的统一等等。在形式构成法则中,对称关系与不对称关系分别产生静态与动态的结构关系的平衡。对称是形式美的重要因素之一,但是在艺术设计形式中纯粹采用对称性结构容易导致形式主义。对称与不对称、静态与动态的物体及综合体,具有很多的结构方案,各种方案的特点取决于设计对象个别性能的情况,其形式要求优良的外形构成,不仅能保证整体平衡,而且能保证相对运动轴的静态平衡,在静态外形与构件的非对称布局之间呈现有生机的相互关系,这种布置取决于该产品结构的技术功能特点。外形上的对称与不对称、动态与静态是由设计对象的功能决定的,并由结构来做统一协调的。

某种形式(自然或人工的)与人的审美经验之间存在复杂的关系,在此之中形式结构对人的审美心理产生关键作用,设计艺术的首要原则是解决适应性和功能性要求,因此结构问题及结构工作的工艺性和经济性是首先被考虑的,但在设计中合目的并合规律的创造才是美的创造。

参考文献:

[1]尹定邦:《设计学概论》湖南科技出版社.1999年8月.