工艺美术与现代设计范文篇1

我国传统民间美术具有着悠久的发展历史，是在我国历史文化的酝酿下，由多民族美术文化相融合产生的，具有独特的民族性以及地域性特点。随着近年来我国居民对现代环境设计要求越来越高，传统民间美术得到了广泛的应用。本文从传统民间美术的文化内涵入手，对其在现代环境艺术设计中的应用进行了探讨。

关键词：

传统民间美术；现代环境艺术设计；应用

现代环境艺术设计的根本目标是为居民提供符合生理需求以及心理需求的高品质生存空间，现代环境艺术设计作为一种精神文化产物，在很大程度上指导着我国居民的审美取向与行为方式。因此对如何将传统民间美术中蕴含的文化精髓以及民族情感，融入到现代环境技术设计中去具有一定的现实意义。

一、传统民间美术的文化内涵

传统民间美术与现代环境艺术设计存在着相互渗透、相互融合的关系，随着西方文化逐渐对我国艺术思想以及思维方式造成影响，对我国传统民间美术的文化内涵进行挖掘具有一定的必要性[1]。传统民间美术经历了漫长的历史发展过程以及融合过程，是我国民族文化中的重要组成部分，传统民间美术从民间衍生而来又根植于民间。传统民间美术是我国艺术设计理念的基础以及源泉，是艺术心理的发端。传统民间美术作为中华民族传统文化的根源部分，不仅包含了我国传统艺术语言以及文化符号，而且凝聚了我国人民最为纯粹最为质朴的艺术思想。传统民间美术作为一种造型艺术形态，具有多变性以及独特性的特点，其美术造型风格多样、造型各异，且自身艺术思维方式较为独特，审美意识具有我国的民族特点。面临着现阶段中国传统本土文化逐渐迷失的问题，对传统民间美术中的精华元素、人文精神以及民族情感进行挖掘与提炼，并与现代环境艺术设计进行融合，可以有效地丰富现代环境艺术设计语言，从而创造出更具民族特色的高品质生活空间，满足我国居民的心理需求以及生理需求。

二、现代环境艺术设计概述

1、现代环境艺术设计的概念

现代环境艺术设计作为一门建立在环境科学研究基础上的边缘性新型学科，具有较大的发展潜力与发展空间。环境艺术主要指的是构成人类生存空间并进行美化的系统化设计，是对生活环境进行规划的设计过程。现代环境艺术设计涵盖了人文、生态、经济、艺术等多个方面[2]。现阶段环境艺术设计逐渐被社会所重视，对于推进我国城市现代化建设进程也有着较为特殊的意义。现代环境艺术设计的根本目的主要在于为居民的日常生活提供符合生理需求与心理需求的高品质生存空间，这就需要现代环境艺术设计工作不仅要尊重文化传统，还应当顺应时展趋势。

2、现代环境艺术设计的特征

1）艺术化特征。改革开放以来，随着我国国民生活水平逐渐提高，我国居民对精神文化提出了相应的需求，要求社会环境中各种物件体现出相应的整体美。现代环境艺术设计是整体性艺术，对空间关系、形体关系以及色彩关系都有所把握，具有统一性艺术化特征。

2）现代化特征。随着现代化科学技术的发展，传统单一性的设计方式已经难以满足现代环境艺术设计的需求，因此绝大多数设计师在开始将现代化信息技术与环境艺术设计进行融合，在赋予现代环境技术设计一定的声光设计效果的基础上，为现代艺术设计赋予了现代化特征。

3）情感化特征。现阶段国际环境艺术设计发展方向逐渐向情感化设计偏移，简单来讲就是在现代艺术设计理念的基础上，关注居民实际需求，集中力量进行人性化设计。在情感设计基础上对设计手法进行探索与创新，使现代环境艺术设计在符合时代需求的同时，设计出人性化的生活空间。

4）民族化特征。在现代环境艺术设计的过程中，单方面强调设计的现代化虽然可以在一定程度上提高居民的生活质量，但也导致我国居民失去相应的民族文化寄托。因此现阶段设计师在进行环境艺术设计过程中，逐渐开始将我国悠久的民族文化与现代设计进行融合，为现代环境艺术设计赋予相应的民族化特征[3]。

三、传统民间美术在现代环境艺术设计中的应用

1、在现代环境艺术设计造型上的应用

传统民间美术的造型元素主要起源于我国人民的生产活动与日常生活，是人们通过对生活进行总结从而绘制出的图形与图案，从日常生活中提炼出来并服务于人们的精神需求。从传统民间美术的视角进行分析，造型运用是较为重要的表现形式，不同的造型与图案可以满足人们差异性的观赏与使用需求。在现代环境艺术设计中，传统民间美术的造型运营可以有效地提高设计水平，保证艺术设计可以在对传统民间美术艺术进行创新的同时，结合实际设计需求，从而推动传统民间美术与现代环境艺术设计的发展。传统民间美术讲究意形融合，这在很大程度上对现代环境艺术设计造成了积极性的影响，现代环境艺术设计与传统民间美术的融合，可以有效地拓宽其现实作用与历史意义。与此同时，传统民间美术中的各种意象与符号也都具有深刻蕴味与意义，这种意象与符号也在现代环境艺术设计中得到了广泛的应用[4]。

2、在现代环境艺术设计形式上的应用

传统民间美术在现代环境艺术设计形式上的应用是二者相融合的核心内容，主要体现设计作品纹样、色彩等传统民间美术方面的视觉传达。现代环境艺术设计首先应当建立在尊重艺术精神基础上，在融合的过程中既应当考虑传统民间美术色彩、造型上的视觉表达，尊重原有艺术形式的秩序与韵律，也应当深入考虑对艺术设计气韵的营造。在融合过程中不能仅仅停留在形象上的拷贝与复制，而应当借由传统民间美术创造出现代环境艺术设计有意味的形式。在现代环境艺术设计创作过程中，应当对整体设计的韵味与气质进行把握，在设计中融入传统民间美术的灵魂，从而提升现代环境艺术设计作品的灵动性。

3、对传统民间美术元素进行创新运用

现代环境艺术设计中主要通过对传统民间美术元素符号进行提取、转化与重构，从而突破传统环境艺术设计的思维定式，对传统民间美术元素进行演绎。尽管传统民间美术是我国民族文化的象征，但其在审美情趣等方面仍与现代元素有所差异，因此在现代环境艺术设计与传统民间美术进行融合的过程中，应注意取其精华、去其糟粕，对传统民间美术元素进行合理的加工。并通过对传统民族美术元素进行解构与重塑，使其成为现代环境艺术设计的重要组成部分[5]。对传统民间美术元素的应用应当结合现代化元素进行合理的改变与创新，从而有效地符合现代人的审美观。当传统民间美术元素同现代化设计元素在一定程度上发生冲突时，应当明确传统民间美术元素的滞后性，在有机运用的过程中将优秀的传统民间美术元素与现代化先进设计理念进行融合，从而有效地提升现代环境艺术设计水平。

4、在现代环境艺术设计中应用地域元素

地域性与民族性是我国传统民间美术最为显著的特征，因此在现代环境艺术设计的过程中，必须对独特的地域文化进行考虑，通过将传统民间美术元素与现代环境艺术设计进行融合，创造出具有地域特色且符合区域性文化环境的设计作品，从而丰富现代环境艺术设计作品的表现形式[6]。在现代环境艺术设计过程中，不仅应当体现出地域性的风格与特色，还应当对地域历史文化的传承进行考虑。将地域性元素应用于现代环境艺术设计，可以塑造出既符合传统民间美术审美观，又富有地域特色的现代环境艺术设计产物。传统民间美术的地域性元素经历了悠久的发展历程，已经形成了一种独特的文化形式，演化为一种地域性的文化认知，因此，在现代环境艺术设计过程中应将传统民间美术的地域元素加以应用，在充分联系设计实际的基础上，对地域性的风土人情、文化内涵进行融合。

5、在现代环境艺术设计材质上的应用

现代环境艺术设计的根本目的主要在于为居民的日常生活提供符合生理需求与心理需求的高品质生存空间，环境设计工作的主要矛盾就是人工环境与自然环境间的冲突。因此在设计过程中如何提高原有资源的资源利用率，创造具有自然性特征的新空间是设计师的重要研究课题。在选取设计材质上，可以借鉴传统民间美术的造物造景经验，充分利用设计材质的自然属性，对设计材料的自然美感进行有效地提炼[7]。这就要求现代环境艺术设计师在设计过程中尽可能采取当地特有的材料以及人工资源，在尊重地域性地理特征的基础上对特有资源进行有意识的开发与创造，从而拓宽环境艺术设计的多样性。

四、结论

总而言之，随着时代的发展，我国国民对现代环境艺术设计的文化艺术内涵需求越发强烈，将传统民间美术与现代环境艺术设计进行融合，可以为民众的艺术情感带来寄托，并实现对中国传统文化的传承，提升现代环境艺术设计的设计水平。

作者：李盖单位：渤海大学艺术与传媒学

参考文献

[1]李沙,乔薇.传统民间美术在现代环境艺术设计中的运用[J].中国建筑装饰装修,2011,04:226-227.

[2]皮佳.传统民间美术在现代环境艺术设计中的运用[J].现代园艺,2015,22:137-138.

[3]袁磊.民间美术的构成元素在现代艺术设计中的应用[J].赤峰学院学报(自然科学版),2015,22:184-186.

[4]胡悦.艺术设计对民间美术元素的吸收与应用[D].河北师范大学,2014.

[5]何静.民间美术在现代艺术设计中的应用探析[J].大众文艺,2014,02:87.

工艺美术与现代设计范文

关键词：当代中国；改革开放30年；工艺美术；美术设计；设计学学科；演进与发展

中图分类号：J5文献标识码：A

30多年中国设计艺术的历史是与整个中华民族改革开放的历程同步的历史。30年沧海桑田，神州大地由贫穷走向富裕、由封闭走向开放、由孱弱走向强盛，同其他的行业一样，时代的转换与变革给中国设计艺术领域带来了新的机遇。回首过去，仿佛是在翻阅一部中国设计艺术改革开放的历史图册。在这改革开放的30年，中国设计学学科的发展可谓是一波三折，既需要在政治与社会环境下得以发展，又需要解决中国社会转型时期生产方式与现代生产方式之间的各种问题。要知道，在西方，艺术设计发展了上百年才有今天的成就；而在中国，只用了近30年的时间，设计艺术学科就已经发展到今天如此辉煌的局面。

改革开放30年来，在全面建设小康社会进程中，人们的精神文化需求被前所未有地激活，人们不但超越了“艺术无用”和“为艺术而艺术”的美学观，而如今设计艺术已经成为现实生活不可或缺的有机组成部分。从某种意义上讲，设计艺术带给人类生活的美好感受是其它任何事物所不及的。设计艺术作为一门适应改革开放而迅猛发展起来的特色学科，在近30年的建设中获得了显著的成绩。学科结构得到了调整、完善和空前的发展，独立建制的艺术学院成倍增加，综合大学的各类设计艺术学科的规模逾千所。

但同时也应当看到，设计艺术学科本身是一门时代感强的综合性、应用性学科。随着社会的发展与进步，尤其是为了更好地适应与服务于我国市场经济发展和国际经济一体化进程的需要，设计学学科还需要进一步的加强建设。我们必须立足国计民生，从定量到定性，深入研究设计艺术在改革开放30年的发展脉络，并指出制约我国设计艺术学科发展的规律的瓶颈所在，提出系统的解决对策。

我国高等院校美术教育专业设置较早，多数院校都有很强的师资队伍和悠久的办学历史。20世纪80年代，由于中国工业化和现代化进程的加剧，传统的工艺美术教学与工业生产之间的关系产生了新的变化，在工艺美术教育基础上发展起来的设计艺术教育逐渐成为主流。设计艺术教育是工艺美术教育的核心，既包括基本的技能训练，又包括设计理念、设计能力和设计文化等的培养。

“设计学”是研究人―物关系的学科，是对设计活动的理性思考，几乎涵盖了西方设计概念中的所有内容，关联到众多的学科门类，它包括工业设计、环境艺术设计、染织艺术设计、服装艺术设计、装潢艺术设计、陶瓷艺术设计等诸多方面。设计艺术学科经过多年的发展，在概念界定、基本特征、领域分类、产生和形成目的、原则，以及具有相对独立意义的方法论和价值体系方面，具备了构筑学科概念的基本内涵。而不同门类的设计艺术活动，也以其各不相同的运作方式来体现自己的独立价值，这些都有机地构成了设计艺术自身系统的内在特质。

同时，作为实践性很强的应用型学科，在具体的设计艺术活动中，从确定设计理念，凝练设计创意到付诸设计表现的整合设计程序运作，以及为达到综合价值实现而贯穿始终的设计管理因素，构成了设计艺术学科自身独特的实践应用理论。

设计学是一门新兴的边缘学科，现代科学研究的综合性发展，使许多学科相互交叉、相互渗透并构成了边缘学科的内容。设计学的边缘学科特征一方面体现在它与其他学科横向联系交叉而形成的体系之中，另一方面，其自身的不断充实与完善，也造就了更加丰富的分支学科领域。从宏观角度来看，社会学、经济学、美学、哲学、人类学、历史学等诸多学科的研究成果，共同作用于设计学的发展。同时，各学科衍生出来的分支学科也更加丰富了设计学的研究内容――市场学、传播学、企业管理学、技术美学、艺术哲学、营销学、广告学、消心理学等等，涉及到自然科学和社会科学的多重领域。

虽然对于设计学外延领域的研究尚未完善，但我们的研究始终把握与其他学科有机联系，把握各系统之间互为影响、互为制约的基本原则，在基本原理、应用原理以及发展原理的研究中，充分体现其边缘学科的特质。

特别要提到的是，改革开放30年我国设计艺术的发展，是一个从最基本的图案装饰（工艺美术）为起始，稳步推进到学科门类齐全、实践应用广泛，并初步建立起完整的设计艺术体系的发展过程。改革开放以来，我国的设计艺术通过建立针对经济发展各个专业领域的发展，逐步建立起了面向社会、面向未来的设计艺术应用与教育体系结构。特别是上世纪90年代以来，是设计学思想和应用实践大发展的重要时期。伴随着国家经济和各项建设事业的快速发展，设计学界大力推进了各个专业领域的细分。服装纤维设计艺术、产品工业设计艺术、室内外环境设计艺术、景观规划设计艺术、动画数码设计艺术、平面视觉传达设计艺术以及由各个大的设计艺术门类衍生出来的各个专业类别，初步建立了适应社会主义市场经济发展的设计学一级学科体系框架。

一、改革开放30年中国设计学学科理论发展的基本特征

（一）以“工艺美术”为概念的学科理论阶段

李砚祖在《设计之道――20世纪中国设计理论的形成与发展》一文中谈到20世纪中国大陆现代设计的几个特点，包括：“1.20世纪中国现代设计及其理论形成和发展的过程，是一个从‘工艺美术’、‘图案’向‘现代设计’转化的过程，也是中国设计文化的现代性过程。2.现代设计的发生、发展，除内在性的要求之外，外力的影响具有重大作用。所谓内在性要求，主要指中国社会生产、生活等方面来自国内本身以及中国设计本身的要求。外力的影响，主要指来自国外的多种影响，包括来自国外设计的影响。3.国内设计教育界是现代设计发展、现代设计理论研究的主要动力。4.理论研究不是滞后于设计实践，而是走在前面。”

20世纪80年代初，中国工艺美术教育所赖以依存的学科基础极其薄弱，历史和理论方面的研究，除了中央工艺美院史论教研室集体编撰的《中国工艺美术简史》外几乎是空白，老一辈艺术家意识到了这一点，及时推动了工艺美术的历史和理论的建设。田自秉《中国工艺美术史》的出版，成为20世纪30年来影响最为广泛的系统描述中国传统工艺美术的历史著作。20世纪70年代末，著名的北京“西山”全国工艺美术教育会议，在张仃、庞薰等人的发起下，对中国高等设计教育的学科建设做了高瞻远瞩的布局，此时设计艺术学理论研究逐渐有了成效。1983年中央工艺美术学院成立了全国第一个工艺美术史论系，此后，中国美术学院、广州美术学院等院校也相继成立了“工艺美术学”、“设计学”系或专业。

在工艺美术理论研究上，以中央工艺美术学院为重点，从建院开始，就开展了对工艺美术基础理论和工艺美术历史的研究。当时创办了名为《工艺美术通讯》的内部刊物，大约两年多时间，共发行12期，对工艺美术的基本理论进行了探讨。在20世纪五六年代，庞薰、陈之佛、王朝闻等都先后发表自己的研究成果，对工艺美术加以阐述分析，陈之佛在《什么叫工艺美术》一文中指出工艺美术是适应日常生活需要，与艺术相融合的实用工业活动；王朝闻在《美化生活》等文章中充分论述了工艺美术的社会作用、工艺美术内容与形式的关系、工艺美术欣赏与创作等问题。

在这一理论研究的基础上，20世纪70年代后期和80年代，工艺美术研究开始深化，张道一、王家树、田自秉等专家分别就工艺美术的基本理论进行深入的探讨。在70年代后期尤其是80年代的探讨中，这批学者成为工艺美术史论研究的主力和学术带头人，张道一曾先后出版了《工艺美术论集》（1986）、《造物的艺术论》（1989）、《美在民间》（与廉晓春合著，1987）等理论专著，王家树等也发表了数十万字的研究文章。

20世纪80年代，随着一批青年学者的参与，工艺美术的理论研究开始吸收人文学科和社会学科的研究方法和成果，使工艺美术研究进入了一个新阶段，其标志是工艺美术理论专著的出现。

在历史研究方面，60年代前后，中央工艺美术学院、南京艺术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院等相继开始了中国工艺美术历史的研究与教学工作。1961年文化部组织编写艺术教材，《中国工艺美术史》被列为重点选题。当时正式出版的通史性著作有：1983年人民美术出版社出版的《中国工艺美术简史》（10余万字）；田自秉编著1985年上海知识出版社出版的《中国工艺美术史》（30万字）；王家树完成于90年代的《中国工艺美术史》也正式出版（30万字）。

对于20世纪80年代的设计艺术学科，其标志是工艺美术理论专著的出现。1989年，李砚祖在中央工艺美术学院攻读工艺美术理论博士学位，因教学的需要，边上课边撰写了32万字的《工艺美术概论》，这是第一本较为系统的工艺美术理论著述，全书共10章，包括工艺美术的概念、定义、范畴、意义、工艺美术的起源、工艺技术与材料、工艺与装饰、工艺设计、工艺美学、工艺美术经济学、工艺文化、工艺美术教育等内容。

李砚祖《工艺美术概论》以综合的角度，较为全面地对转型时期的工艺美术学科建构了理论框架。杭间《中国工艺美学思想史》是设计学理论第一部系统整理、研究中国古代设计思想的专著。尚刚对中国工艺美术断代史的研究，不仅进一步夯实了传统工艺的知识，同时还建立了工艺美术史与考古学、历史学和社会学的联系。

（二）从“工艺美术”到“艺术设计”的理论研究阶段

在20世纪80年代前期的“美学热”时，钱学森提出了“技术美学”的重要性。他在不同的场合强调这样一个观点，即为科学注入艺术的因素，也就是后来李政道、吴冠中主张的“艺术与科学”的结合。钱学森的思想对工业设计界产生了很大的影响和鼓舞，年轻的中国设计界那时正处在最初的探索阶段，一些中年设计师从国外留学归国后，以极大的热情投入对设计与文化的研究与国外研究成果的翻译。1984年成立中华全国美学学会，吸纳了设计界的专业人员参加，使学科理性的成分大大增加。

1977年，香港政府组织了一个9个人的设计组到广州讲课，其设计观念对内地产生了很大影响，香港成了一个最早对中国内地设计思想产生重要影响的地方。1979年，香港大一艺术学院院长吕立勋应中央工艺美院邀请，来京讲授了二门课程：平面设计基础和立体设计基础，即平面构成和立体构成，这个源自包豪斯的基础教学体系，使当时大部分年轻人相信，他们找到了设计现代的方法。三大构成从本质上看仅仅是西方设计体系中的基础教育方法，但对20世纪80年代中国设计界开始接受西方的影响，建立现代设计观念，起到了桥梁的作用，尔后的辛华泉等人则完成了三大构成的中国化的系统表述。

南京的张道一是中国工艺文化论和民艺研究的最重要的提倡者之一，他站在强调传统的角度，对现代设计观念中的一些片面西化观提出批评。他的视野和广泛吸纳的方法，使民艺研究进入人文社会科学研究的高度，并建立了设计和传统造物的联系，这是中国当代设计发展的重要财富。

北京的柳冠中走的路与张道一正好相反，他是从提倡“现代设计”开始的，20世纪80年代初期，他呼吁“设计至上”论的时候，国人对现代设计的认识还是停留在“工艺美术”阶段，但是，不可否认他从德国带回的对现代设计的认识，影响了改革开放后的几代设计师，他的认识在螺旋形发展的基础上，从“设计至上”（功能主义的提倡）到“生活方式意义”到“设计行为事理说”，其学术价值不仅具有前沿性，而且最为可贵的是它对中国设计的本土意义。

广州的尹定邦继承了郑可的来自包豪斯的设计思想，在他的主持下，广州美术学院的设计专业成为中国设计教育最重要的所在地之一，尹定邦的设计教育思想是明确的，是要在大设计的概念下，使设计教育与实践紧密结合，设计服务于人，服务于社会，服务于时代，并主导成立了著名的设计团体“集美组”，该组织对中国职业设计师制度做出了贡献。

在设计理论研究方面，王受之凭借其良好的外语和哲学功底，及其在美国大学任教的经验，撰写的《世界现代设计史》等介绍欧美现代设计发展历史的著作，在均产生了巨大的影响。

20世纪80年代末期出版著作的有王明旨、柳冠中的设计论文合集《设计文化》，90年代至今，柳冠中相继出版了《设计文化论》等著作，王明旨亦出版了《工业设计》等教材。当时概论性的著作已有近十种，如《设计学概论》（尹定邦）、《艺术设计概论》（李砚祖）、《艺术设计学》（凌继尧、徐恒醇）等，史论结合的著作，如《造物之美――产品设计的艺术与文化》（李砚祖）等。由广州美术学院尹定邦主编的白马设计学丛书、张道一主编的《工业设计全书》、中国美术学院潘公凯等主编的《现代设计大系》四卷等都是近年来中国设计理论界的重要成果之一。

20世纪90年代以来，一些冠之以“中国设计史”、“设计概论”的著述相继出版，被相当多的人认为是过去“工艺美术史”的翻版，研究者和设计师们都要“重新描述”中国设计史的愿望，包含了中国设计界要回望、反思历史，寻找“中国设计”的新的潜流。

张福昌在《中国设计教育的现状与展望》中这样对中国设计艺术学理论研究描述：随着全球经济一体化、中国入世和经济持续快速发展，中国已成为世界的制造大国和设计教育大国。由于我国现代设计教育历史短、发展快，还存在诸多问题需要研究解决，我们必须深化发展设计艺术学理论，加强设计科学与文化理论的研究。

未来社会的发展，决定了艺术并不只是少数人独有的专利，也不只是少数专业从业人员求生的技能，艺术应当成为每个人都可以享有的人生状态，艺术教育当然可以成为专业艺术从业人员的技能教育，但更应当也可以同时成为更多的受教育者的人生体验教育，设计教育同样应当如此。发展完整的现代设计教育体系，不仅仅是专门的高等艺术院校内的事业，而应当是向普及社会的一项教育事业，而这祥的教育应当如何实现，则是高等艺术院校中的设计教育必须考虑与面对的课题，怎样通过好的设计来真正提高人的生存质量与生活方式，怎样通过好的设计来促进社会健康、合理的发展，怎样通过好的设计来实现更多的人的创造力的开拓，实现更充实、更完美的人生。中国设计教育应当有更高的理想与目标――“作为人类艺术民主理想的设计教育”，这是中国设计教育在开始新的启动时必须具有的眼界，或者说，是思考的新起点。

二、从“工艺美术”到“美术设计”到“设计学”

一级学科的发展阶段

（一）以“工艺美术”为概念的前期阶段

中国有悠久的文化和造物艺术的传统，从本质上看，它是与农业和手工业生产相适应的设计。20世纪下半叶，中国的物质生产和生活都处于较低的水平。欧洲自一战之后兴起的现代设计运动对中国触动不大。这就使得我们的设计观念长期停留在以“美化生活”为前提的层面。在没有面向世界，又缺少工业化生产背景的时代，我们从未感到有什么不足和缺憾。随着社会的发展，我们逐步接受西方的设计理论，“工艺美术”这一概念传入我国。与此同时，包豪斯对工艺美术教育的冲击，使我们对现代设计观念有了朦胧的认识。

工艺美术是将造型艺术美的元素与物质材料的功用完美结合在一起的手段、方法和过程，古往今来，无论何种民族、何种文明的产生和发展都与工艺美术有着密切的联系。工艺美术是王朝时期和农业社会造物艺术的产物，它以延绵不断的技术传承和个体化制作为主要特色，直到今天仍存在于我们的造物活动之中。

“工艺美术”的概念起源于19世纪英国“现代艺术设计之父”威廉・莫里斯发起的“工艺美术运动”。这一概念体现了艺术与手工艺的结合，强调心灵、头脑、双手的合一。它力图将创造性与精良工艺两者结合起来，制造出美观实用的物品服务于人类的生活。这一概念在20世纪初由日本传入中国并逐渐开始流行。这种概念的演变反映了中国从传统手工艺的生产模式发展到大批量、机械化的生产模式过程殊的政治环境、经济环境对于“设计”基本概念的发展所起到的影响。

中国的工艺美术发展开始于20世纪下半叶。1978年12月，中国共产党召开第十一届三中全会，会议提出了“坚持四项基本原则，坚持改革开放，以经济建设为中心”的指导方针，做出了把党和国家的工作重点转移到社会主义现代化建设上来的战略决策。从此，我国社会主义进入了一个新的历史发展时期。工艺美术发展的新局面就此展开。

中华人民共和国文化部、教育部在1980年12月发出的《关于当前艺术教育事业若干问题的意见》中，要求全国的美术院校要多培养一些工艺美术人才。中央工作会议也决定，进一步调整国民经济，大力发展轻纺工业，相应发展和调整教育事业。于是，全国美术院校开始贯彻“日用品要工艺化，工艺品要实用化”的要求，把和广大人民群众生活关系密切的日用工艺美术和装饰性工艺美术作为重点予以重视和发展。随后，明确了发展现代化的高等工艺美术教育，为生产服务，为美化人民的生活服务，为社会主义现代化服务的发展理念。

由中华人民共和国文化部和轻工业部联合主办的“全国高等院校工艺美术教学座谈会”（又称西山会议）于1982年4月16日至28日在北京召开。与会代表达成共识认为：工艺美术的发展有着其自身的特点，不能够把工艺美术简单地理解为工艺加美术。工艺美术的发展要贯彻“古为今用，洋为中用”、“百花齐放，推陈出新”的方针。要学习中外古今一切有用的东西，深入研究传统，不断研究借鉴国外新成就，推动我国工艺美术事业的发展。这是一次有重要影响的学术性的专业座谈会，是建国30多年来第一次工艺美术教育界的盛会。这次会议对进一步开展工艺美术教学，提高教学质量产生了积极的推动作用，也为新时期工艺美术学科的发展指明了前进的方向。

随着社会的进步、经济的发展，在设计学科中出现了一些新的专业，如环境设计、工业设计等。传统工艺美术中图案设计、陶瓷美术设计等专业，已不能满足社会发展的需要，从而导致了美术设计取代了工艺美术。于是，中华人民共和国教育部在新颁发的大学本科学科目录中，明确地将“艺术设计学”和“艺术设计”两个学科并列，正式取消了“工艺美术学”。与此同时，由于国民经济宏观调控及政策实施方面的原因，政府不再大力扶植工艺美术生产和以工艺美术出口换汇。从某种意义上看，工艺美术的历史使命算是终结完成。这一变化，标志着我们在设计观念的更新、设计学科的建设方面，适应了我国工业化的进程和市场经济的发展，并逐渐向世界前沿靠拢。很快，我国的设计艺术发展进入“美术设计”的过渡阶段。

（二）以“美术设计”为概念的过渡阶段

上世纪70年代以来的30余年，是中国设计从工艺美术向设计艺术转变的重要时期，或者说，是设计观念发生革命的30余年。伴随着社会经济的发展，尤其是中国工业化进程的加速，形成了以实践为先导的“现代设计运动”，进而从实践和理论两个方面提高了我们对现代艺术设计的认识；上述的成果又反过来促进了设计的重大改革，并使中国的设计达到了一个新的水平。在这一转变过程中，“美术设计”作为一个重要的过渡阶段，发挥着不可替代的作用。

20世纪90年代，伴随着中国整个社会工业化进程的加速，代表中国传统手工业文明的工艺美术的地位迅速下降，而以现代艺术设计为代表的“美术设计”的重要历史地位凸现出来。1992年邓小平的南巡讲话，对中国的经济改革与社会进步起到了关键的推动作用。国内形势和国际形势发生了很大变化，随着社会生产力的发展，中国整个社会开始步入工业化时代，伴随着西方社会后工业化速度的强力推进，对“设计”概念的应用和实践得到从思想到行动的真正推行。在中国土地上的工业化改造，房地产业的开发，城市环境的改造，绿地面积的扩大，城市居民生活质量的改善以及从农村到城市的物质水平的提高，从真正的实践意义上，将从世纪初即开始运用的“图案”即“工艺美术”或者“设计”意识的运用提高到一个全面应用和拓展的大幅度实践时期。在一个社会迅速现代化的历史时期，关于“设计”或者是“设计艺术”的学术讨论在理论界和实践界激烈和深入地展开。

1987年10月14日，“中国工业设计协会”在北京宣告正式成立，可以视为中国现代艺术设计崛起的一个重要标志。而1995年在广州召开的全国设计艺术教育理论研讨会则具有划时代的意义。因为它意味着，人们终于可以不怀疑“设计教育”（DesignEducation）作为一个独立的学科领域在中国艺术教育中的存在，它预示着中国的设计发展将要开始一轮新的启动与迈进，我们完全有理由将其视为中国现代设计走向新世纪里程中的一件大事。

随着改革开放的深入进行，一些先进工业国家和地区有关工业设计的思想大量引进中国，三大构成、包豪斯和工业设计一时间成为中国设计界研究和讨论的热门话题。中国的现代艺术设计进入了一个新的发展阶段。人们对设计产生了浓厚的兴趣。环境艺术设计、服装设计也得到了迅猛发展，一时间还出现了“广告热”、“装修热”、“时装热”。不同于以往的工艺美术发展时期，现代设计的最初发展使人们逐渐转变观念，对设计实用性的一面有了更为深刻的认识与理解。

与此同时，数字时代的即将到来也为当时美术设计的发展起到了推波助澜的作用，这都为即将过渡到现代“设计艺术”发展的阶段提供了条件。

（三）以“设计学”一级学科为概念的多元化阶段

随着我国从过去的“硬件社会”向今天的“软件社会”转化，设计艺术观念已经从有形的设计向无形的设计转变；从物质的设计向非物质的设计转变；从设计向服务转变；从实物产品的设计向虚拟产品的设计转变。数字化、集成化、网络化、智能化是21世纪设计艺术发展的必然方向。基于数字化的设计艺术具有信息更准确、更人性化的强大优势，作为走在时代最前沿的设计师应该积极运用数字化技术，紧紧把握住时代的脉搏，使我国的设计学水平赶上并超过发达国家。大力发展设计创意产业是我国可持续发展战略思想的集中体现，现阶段的设计艺术已成为创造“绿色产业”的核心手段，推动着我国从“加工制造型”向“产品创新型”转变。

变革是持续不断的，设计也是在不断变化的。在人类科学与文化都在进步与革新的时代，对于作为艺术与科学、物质与精神、人与环境和谐之纽带的设计学科已形成自身特点，其下属二级学科各自发展迅速，包括服装染织设计、工业设计、平面设计、环境设计、展示设计、陶瓷设计、数字艺术设计及设计教育等。

随着计算机的普及应用和科学技术的不断进步，人们逐渐从机器中解放出来，有了更大的思维空间和自由，人类的创造能力也越来越得到了解放，设计艺术作为一个边缘科学有了更为广阔的发展空间。数码设计、虚拟化设计、智能设计等信息化时代的设计产物层出不穷。这些新兴发展起来的设计科学在满足人们物质生活需求的同时，也满足了人们精神领域更高层面的需求；与此同时，新时代的设计学越来越关注其服务的对象――“人”。于是，“以人为本”的理念开始渗透到设计的各个方面，对人性的尊重和关爱日渐成为当今设计学发展所关注的重要课题；另外，随着世界经济政治一体化的程度不断加深，诸如环境污染、资源浪费、生态破坏、能源短缺等一系列全球化问题日益严重，甚至已经威胁到人类自身的生存与发展，这就迫使人们积极思考如何充分利用大自然提供给我们的有限资源，使整个社会经济能健康、持续地发展。于是，以环境资源保护为核心概念的生态设计、绿色设计应运而生并已成为当今设计学发展的主流；除此以外，中国现代设计艺术的文化创意产业正在健康、平稳、快速地发展，并以其知识密集型、高附加值、高整合性的优势，不断提升着我国产业的发展水平。

工艺美术与现代设计范文1篇3

中国艺术设计教育的孕育、萌发形态

从晚清洋务运动到20世纪40年代，我国工艺美术教育主要经由5条办学道路曲折地发展。包括晚清的洋务学堂，外国教会学校的工艺传习所，清政府“新学”中的中小学教育和师范教育，民国前后实业教育中的各种习艺学校，以及一批留日留欧学生回国后，在高等美术院校创办的工艺美术教育。不同的办学道路缘于不同的目的需求，采取不同的教育形式，其中工艺教育、手工教育和图案教育是这期间主要的教育形式。

工艺教育：清末民初各种形态的工艺教育，孕育了中国艺术设计教育的产生。为培养工厂、机器生产所需要的熟练工人和专业技术人才，继洋务运动的工艺学堂和教会创办的工艺院之后，不少工科学堂开设与技术、工艺相关的课程，中国学校式工艺教育随之兴起。工艺教育不同于艺术设计教育，它出现早、概念比较含糊，其宽泛程度几乎涵盖了所有的工艺技术和造物领域，突出职业性、生产性，具有专业教育和职业技术培训的特点，成为不同性质、不同专业细化了的各种职业教育形式。而艺术设计教育是现代化大生产和商品经济的产物，是随着社会、生产分工的深化逐渐从工艺教育中分离出来的，并逐步形成自身特色和独立的体系。工艺教育作为艺术设计教育的萌发形态，在世界各国的设计教育初期都曾出现过，为艺术设计的产生准备了条件。

手工教育：为补充工艺教育的不足，1903年清政府于中、小学及初、优级师范学堂加设手工课，第一次以国家名义对工艺教育、手工教育的专业设置作了具体规定，包括土木、窑业、染织刺绣、金工、木工、漆工、电器、机器、造船和图稿绘画等科目。专业涉及整个工业部门，其中相当一部分专业与艺术设计联系密切。尤其图稿绘画科，突破了传统生产模式，反映出设计与制作相分离的工业化生产特征。我国手工教育的普及是在1905年清政府废科举、正式实行新教之后，为解决中小学美术师资困乏，1906年南京两江优级师范学堂率先将原有的图画手工课，晋升为图画手工科（专业），开设素描、水彩、油画、中国画、用器画、图案画及金、木、竹、漆等工艺类课程，开启中国新式美术教育的先河，标志我国专业化手工教育的开始。此后，各类新式学堂大都设立此类课程或专业。手工教育是在实现工业化过程中形成的，这种生产与教育相结合的办学方式，是传统师徒制向现代学校教育的过渡。手工教育作为普及性基本技能教育，主要在中、小学和师范教育中开展。手工教育重技能培养，与追求创造精神的艺术设计有根本区别，但是他们之间部分目标、教学内容和工作对象是相通或相同的，是设计教育萌发期的重要组成部分。

图案教育：与职业性工艺教育和普及性手工教育不同的是图案教育。辛亥革命后，中国新式美术教育迅速发展，除原来的师范类美术教育外，一批独立的艺术院校应运而生，成为中国艺术型设计教育的重要源头。1918年我国第一所国立美术学校北平美专成立，设有中国画科、西洋画科和图案科系，是中国图案教育的发端，此后图案教育在整个民国时期发展迅速，1921年上海美专增设工艺图案科，1928年林风眠等创建杭州国立艺专，下设绘画、雕塑、图案三个专业系。“图案”作为艺术设计的专用名词源于日本。我国最早留学日本、从事图案教育的陈之佛曾将图案解释为“制作用于衣食住行上所必要的物品之时，考虑一种适应于物品的形状、模样、色彩，把这个再绘于纸上的就叫图案。”这里的图案是制作物品之前的设计稿，已经是从传统手工制作中分离出来的设计了，与今天的“艺术设计”很接近，与工业设计大致相同。但是，这种设计与制作的人为拨离，和“图案”一词字面的局限，致使图案经常被理解成“装饰纹样”，随之缩减为纯粹纸上的纹样训练，最终被工艺美术教育所取缔。因此，图案教育并不等同于艺术设计教育，而是设计教育的雏形和初期阶段。清末民国50年，尽管出现了各种艺术设计教育的形式或征兆，也培养出一批专业人才，但教育规模小、分散，社会影响不大，不足以推动行业及教育的发展，传统“艺徒制”仍然是技艺传承的主要形式，而图案教育的纸上谈兵，手工教育和工艺教育的重技轻艺、忽视创意，都反映了设计教育初年，曲折的经历及举步维艰的初创局面。

艺术设计教育探索阶段的工艺美术教育

1949年新中国伊始百废待兴，工艺美术作为出口创汇和文化事业受到重视和保护。全国性工美行业调查，国际民间艺术、工艺美术产品交流展，成立手工业联社和专门的工艺美术管理机构，提出“适用、经济、美观”三项基本原则。确定“工艺美术”的概念：作为一定物质材料的艺术加工，具有实用和审美双重属性，工艺美术的内涵扩大了，除传统手工艺和民间工艺外，增加了现代艺术设计的内容。50年代初，国家将旧中国分散的、教学性质相近的工艺教育、手工教育和图案教育统一为工艺美术教育，并建立起正规教育与职业培训相配套的高、中、初三级工艺美术教育体系，为中国现代艺术设计教育发展奠定了基础。其中，高等教育的目标是工艺美术设计、研究和教育人才的培养。从50年代至80年代初，全国有独立的工艺美术高校1所，设有工艺美术系科的美术学院6所、艺术学院5所、工科学院5所，开设的专业包括陶瓷、染织、服装、家具设计、漆器、装潢、室内装饰、装饰绘画、装饰雕塑、商业美术、书籍装帧、工业造型等；中等工艺美术职业教育主要培养具有一定设计能力、并掌握某门专业技能的一线专业人才，1956—1975年，全国有此类学校18所，开设专业主要有工艺绘画、陶瓷美术、染织编绣、漆器、金属工艺、日用品造型、服装设计、家具设计、装潢美术、玩具造型等，这类学校由各地区行业部门管理，专业设置与行业对口，毕业生统一分配到工艺美术企业工作；除全日制院校教育外，70年代工艺美术职工教育机构出现，职工大学、中专和技工学校及行业组织与教育部门合办的职业高中，保证了全国各地区大批工美生产技术工人的培养。

50年代，正是德、英、美、日等国大量培养艺术设计人才的时代，其中德国乌尔姆造型学院、英国皇家艺术学院最典型。中国紧随其后，1956年中央美术学院实用美术系、清华大学营建系和中国美术学院图案系，合并成立了中央工艺美术学院（清华美院），直属文化部和中央手工业管理局，专门培养高级工艺美术设计师和设计理论人才，作为中国第一所艺术设计高校，它的体制体系一直是我国艺术类设计院校的基本模式。60年无锡轻工业学院（江南大学）创办轻工日用品造型美术设计专业，成为新中国工科院校从事艺术设计教育的开端。遗憾的是这类学校太少，中国十几亿人口，只有一所独立的高等设计院校（其余都以工艺美术科系的形式夹杂在艺术等其它类高校中）和一批中等职业学校显然是不够的，而且中央工艺美术学院当时以传统手工艺教育为主，现代设计的内容很少。尽管如此，业内还是有人提出，在全国多建几所工艺美术高校，各地要有分工和特色，除北京外，上海、四川、云南等地也要办。遗憾的是终止了这一切。

总之，建国至20年，中国工艺美术教育格局初步确立。教育规模扩大，教育类型、教育层次日益完备，同时逐步形成了地区、学校间鲜明的特色，如培养目标、专业设置、课程结构及学科结构等。最值得重视的是，这些成绩和特色的形成基本是自主探索的结果，与清末民国设计教育受外国影响不同。正因如此，这段中国特色的办学经验弥足珍贵和重要，尤其是60年代设计教育的调整、压缩和提高，很值得研究和借鉴。

改革开放以来艺术设计教育的发展与反思

艺术设计教育是建立在一定经济基础之上，并对经济活动具有相当影响力的教育活动，纵观我国艺术设计教育史，始终受到经济体制、经济结构和经济政策的制约与影响。80年代经济体制由计划经济向社会主义市场经济转型，致使传统工艺美术教育开始向艺术设计教育过渡。首先是“工艺美术”这种将手工艺活动和现代工业生产综合在一起的概念遭到质疑。其次是“工业设计”的崛起，用“设计”的概念表述现代社会机器生产的造物活动，成为人们的热议，是“工艺美术”还是“工业设计”？这场讨论始终没有定论，但它引起了社会各界对艺术设计、工业设计等问题的关注，开始思考艺术设计学科的内涵、外延、基本属性以及反映在教学上的特征和要求。

80年代初，中央工艺美术学院、湖南大学等率先开设工业设计专业，1987年中国工业设计协会成立，加速了工业设计教育的发展。1998年，全国有工业设计专业的院校由7年前的20所猛增至200余所，而且工科院校开办艺术设计、特别是工业设计专业的远超过艺术院校，两种不同课程结构的办学模式，丰富了设计教育的内容和形式。随着艺术设计领域的不断拓展，工业设计已经不是艺术设计的全部了，它和环艺、视觉传达设计等门类一样，成为艺术设计学科的一部分，“艺术设计”取代“工业设计”逐渐为人们所接受。1998年国家正式改“工艺美术”为“艺术设计”，学科定名为“艺术设计学”，但研究生教育却又把它定名为“设计艺术学”。不同名称反映不同的认识分歧，反映中国艺术设计教育学科研究的成长与异动。

我国艺术设计起步不晚，造成发展缓慢、落后于欧美的主要原因是什么？国情不同、先天不足。中国的艺术设计产生在半殖民、半封建的社会母体中，既无工业基础又无成熟的商品经济市场；建国后长期的计划经济，缺乏必要的发展空间和政策支持；改革开放，工业化、市场经济得到快速发展，但工业化的任务至今尚未真正完成，企业对设计创意的需求远远小于对商品广告的依赖。因此，我国的艺术设计教育仍处在发展的初级阶段，这一点毋庸置疑。发展初期的艺术设计，不可避免带有跟随性、实验性等缺少内生性和竞争性的缺点与问题。

首先，中国设计教育的发展是数量而不是质量。利益驱使，各类院校不顾自身办学条件一哄而上，其中既有艺术、工科类院校，也有师范、综合类学校，甚至还有农、林学院。严重的失控与盲目的发展，造成教育资源的巨大浪费和教学整体实力的削弱，已经成为当前提高教育质量的关键问题。设计教育的另一种倾向是，重技轻艺、忽视理论研究。这其中虽然有各种各样的原因，但它已经是中国设计界各种问题的根源之一，也是影响设计未来发展的重要原因之一。长期以来我国一直没有一个独立、比较完善的艺术设计研究机构，学科研究多半通过工艺美术教育机构完成。近十年来有所好转，无论是设计概念、原理等基本理论研究，还是视觉传达、产品设计等分述理论研究，或是造型基础、色彩基础、工艺学、材料学等应用理论的研究。但是，理论研究的浮躁、功利、短视和观念陈旧，研究方向的分散零碎，理论队伍的参差不齐，应该引起足够的注意。

工艺美术与现代设计范文篇4

关键词:工业设计;艺术;科学

0引言

作为物资生产第一步的设计,从古代的兵器、乐器、食具到现代的家具、电器、文具、火车、飞机、太空船等等,无不在满足实用功能设计的基础上追求其外形尽可能完美的艺术形式,从而形成了人类今天灿烂的物质文明。随着社会的进步、科学技术的发展、人类认识空间的扩大及审美领域的延伸,给传统的设计理念注入新的内涵。以现代大工业化为生产方式的“现代设计艺术”———工业设计,在艺术与技术的双重变奏和融合中,怎样体现自身的时代性质与特征,是值得思考的问题。将艺术于科学技术相结合作为现代设计的基石,对当今艺术设计定位及未来设计领域的拓展有着十分重要的意义。

1关于工业设计

1.1设计定义

工业设计(industrialdesign)是近百年来在国际上广泛兴起的一门学科,工业设计这一名词最早是由美国人提出的,不同的国家对此称呼不一,英国称之为设计(design)。19世纪初欧洲工业革命的爆发成为现代设计诞生的最重要原因之一,农业文明时期的设计是以手工业设计为主的个性化设计,称之为“手工艺”、“工艺美术”,设计、生产和消费往往是融为一体的。工业革命之后,设计不仅获得了技术方面的支持,更重要的是获得了适合的社会文化和经济环境。蒸汽机、火车等一系列工业机械化成果的引入,使社会由封闭的小生产方式走向社会化大生产,系列化、批量化、标准化、机械化的工业生产特征由此显现,设计与工业化生产紧密相联。随着科学的进步、社会经济的发展、物品需求量的日益增大,促使工业设计迅速在世界各地发展起来。到“包豪斯”时期,工业设计已发展成具有完整的科学体系、教育体系的学科,并明确地将艺术与技术相结合作为现代设计的发展方向[1]。

围绕工业设计的概念及定义,国际上各专业机构和学者一直争论不休。1959年6月在英国伦敦成立了国际性工业设计机构———国际工业设计联合会(icsid)。1980年联合会在法国巴黎举行的第十一次联会,对工业设计概念作了修改,定义如下“就批量生产的工业产品而言,凭籍训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、结构、形态、色彩、表面加指的是与人们衣、食、住、行密切相关的工业化产品设计,以及为这些产品而进行的辅助性设计———视觉传达广告、包装、装饰等设计。国际现代工业设计运动的短短的一百多年里,世界发生了翻天覆地的变化,工业设计的含义及范围也在不断的补充和延伸,事实证明工业设计已成为带动各国经济、文化发展、改善国民生活质量必不可少的内容,它的出现彻底改变了人们的生活方式。

1.2艺术与设计

人类最初的设计只是一种对物象的摆弄和布局,其目的是满足人们本能的心理和生理需要。随着社会文明进步,生产资料的增多,设计成为对事物和物象有条理、有计划的安排和设想,达到人们对事物实用和审美的双重要求。条理、计划是人类对事物审美的一次飞跃,也是艺术形式美的最基本法则,设计从其开始就与美的活动紧密相联,每一次艺术的变革都会对当代设计产生影响。现代设计的美学原理,正是以19世纪初艺术运动思想为基础的,充分体现人与物、人与环境的关系。将设计称之一门艺术,设计的过程自始至终都渗透着艺术的存在,而设计是用艺术的眼光去设计,因此“艺术设计”、“设计艺术”的词语广泛出现在现代生活之中,艺术推动设计、设计演绎艺术[2]。

设计的形态能给予人的五感极大的影响,但其中视觉和触觉影响最大,这是直观感受的反映,这个感受的结果应该是美好的、促进身心健康的。设计的最终目的是,达到结构与外形、美观与实用的统一。现代科学介入物质,转为某种技术和材质形态、一定的材质与技术的同构,为设计艺术意境创造提供了有利的物化条件。无论从设计或艺术发展的轨迹来看,设计与艺术始终是相互影响、相互渗透并相互作用的。

1.3科学与设计

了解到设计与艺术难以割舍互相渗透,再注意推动设计发展的另一重要因素,即设计与科学之间深刻的关系。18世纪蒸汽机的发明彻底改变了人类技术世界,机器时代的到来促使设计最终与制造业分离,成为真正独立的专业,19世纪印刷术进一步发展,这对于印刷业、设计业、尤其是平面设计、字体设计发展有很大促进作用。1839年达盖尔发明了摄影,使视觉表现迅速扩大和普及,此外新的能源和动力不断被开发和利用,带来新材料、新工艺的不断涌现。如:与人们生活密切相关的照明、通信、交通等工具的不断革新换代,都与时代科技发展相伴相随。事实总是这样,科学技术每一进步就创造出与其相应的日常生活的各种工艺设备,接着凭借这些工具和机械设备不断改变人们的生活质量和方式。设计从初始的简单粗糙发展至今天的实用精美,从蒸汽机火车到当今悬磁高速列车、从人工发报机和电话到现代互联网,每一个时代的设计作品,不仅是那个时代设计师的才智体现,同时是那个时代科技文化创新的标志。

在今天,现代设计具有科技含量很高的现代艺术特性,如全新的材料美、精密的技术美、极限的体量美、新奇的造型美、科幻的意味美等。特别是由于当代多媒体及数码技术迅猛介入现实生活,极大地拓展了未来设计空间,丰富了设计师的艺术灵感与设计元素,深化了设计环境的意蕴显示及空间的表现,为设计提供了强劲的技术支持。

2艺术与科学融合是工业设计发展的趋势

由于设计与艺术、设计与科学相辅相存的关系,艺术与科学的结合是社会进步的必然,并为人类的未来带来无尽的福音,产品设计成功与否的审美标准、人体工程学程度的体现均在于艺术化的水平。

2.1艺术与科学融合的意义

古希腊人把能够凭专门知识学会的技能都叫“艺术”,音乐、雕刻、绘画、诗歌是艺术,手工业、农业、医药、骑射、烹调也叫艺术。这种艺术与科学技术相统一的“艺术”观念到欧洲文艺复兴时期达到了顶峰,而文艺复兴时期的科学、文化、艺术的发展也是人类文明史上最辉煌的时期。达·芬奇、米开朗基罗、丢勒等不但是艺术具匠,也是科学家、工程设计师,他们创造了卓越的艺术作品,同时在科学发展、技术发明上也取得了巨大成就。无论是中国古代“六艺”之内涵,还是古希腊的“艺术”概念,都深刻体现出艺术与科学技术之间曾经非常密切关系。

文艺复兴时期的科学文化成就,就是艺术与科学相互融合共同发展的最佳体现。正如法国19世纪文学家福楼拜所说:“艺术越来越科学化,科学越来越艺术化,两者在山麓分手,有朝一日在山顶重逢”。

随着网络科学、信息科学的发展,艺术与科学之间的关系则更加密切。当今许多科学家认识到,科学的创造发明,离不开艺术的情感和艺术的思维,离不开人文关怀的精神,所以又回过头来呼唤艺术与科学的互动和融合。1999年1月8日美国《纽约时报》曾发表过《网络艺术流派方兴未艾》一文,提出“缪斯也需要科学的翅膀”,揭示艺术与科学融合将带来各种艺术流派和手法的百花齐放,对艺术和科学的发展和完善将起推动作用,对促进人类物质文明和精神文明有着重要的意义[3]。

2.2艺术与科学结合构筑现代设计学科

艺术与科学融合不仅给社会生活带来变化,而且对艺术人才的培养及艺术教育体系带来深刻影响。现代设计艺术教育也正是在这种社会背景下产生的,其代表是1919年在德国成立的包豪斯设计学院,以及战后在德国成立的乌尔姆设计学院。包豪斯和乌尔姆设计学院在设计艺术教育上的出发点是共同的,目的是寻求在设计艺术中实现“艺术与科学的统一”,以创造出合乎人的物质和精神需要的产品。实践证明只有突破单纯侧重艺术,以及侧重技术的设计艺术教育模式,走艺术与科学结合之路,才能适应时展的需求。在许多院校,设计艺术专业和理工科设计专业,培养出来的学生往往是设计艺术专业重形象思维,学生不懂技术,不了解新工艺、新材料。如设计一辆汽车只停留在外观模型阶段,至于这种造型是否合乎技术要求、空气动力学原理、材料学知识等则一无所知,或根本不去考虑;而工科学生重数字逻辑思维,只懂技术,较少考虑消费者的文化背景、审美需求,这些单一的学科体系制约了学生的动手能力,不利于现代设计人才的培养。

美国宾州大学在有关平面设计教育中明确提出:“鉴于为设计师所熟悉的传统技艺正在被当代的科学手段毫不留情地所取代,设计课程设置的重点需要重新聚焦在每个学生的意念创造能力培养上。所以应该强调能力和技能训练,与此同时注重于知觉(intuition)的培养。过去属于其它不同领域里的专业知识现在就同传统设计课程中的描绘和字体一样至关重要,诸如心理学、社会学、文案写作、经济学、商业学以及生物学等课程”。

构筑适应时展的设计学科体系,应立足艺术与科学的契合点,培养学生全面的科学艺术观和人文素养,在学好艺术设计专业知识的同时,了解一些交叉学科的知识,包括自然科学、社会科学和人文科学。中央工艺美术学院合并到以理工为主的清华大学就是一个走艺术与科学融合之路的成功例子。

设计艺术学科与理工科各自有着不同的教学体系和专业特点,两门学科交叉和融合、优势互补,就象给天使插上翅膀一样,为培养未来设计顶尖人才及科学技术的发展铺平了道路[3]。

3未来设计方向

21世纪是设计的世纪,艺术与科学融合使设计将面临技术化、多元化和个性化等多个层面的挑战,工业化社会将转化为以信息为主导的情报化社会,可以预料新的设计艺术的发展主要在以下几个方面。

3.1传播设计

未来社会市场竞争更加激烈,产品信誉及企业形象因素决定市场份额,提升产品信誉、树立企业形象的视觉识别和传达方面的设计仍占设计领域的重要位置。以顾客满意为目的的人性化现代广告及传播设计(cs战略)理念将日趋形成。信息化社会的到来,使以信息技术、传播技术为基础的传媒形式,更加的多样和密集,为设计带来更多的伸展空间。

工艺美术与现代设计范文篇5

中国的现代艺术设计是由历史悠久的工艺美术蕴育的，在20世纪引进借鉴西方现代艺术设计思想，经历了繁杂混沌的过程及从工艺美术到设计概念的转化后，于20世纪末形成的新的学科。

关键词：工艺美术艺术设计传统工艺

中图分类号：J5文献标识码：A文章编号：

21世纪，是充满希望和挑战的时代，中国的艺术设计任重道远。作为一个优秀的现代设计师，应立足于本国传统的民族土壤，吸取民族艺术精华，以自身的艺术修养和创新求异思维及艺术潜能为后盾，正确理解中西文化的结合，处理好设计国际化与区域的关系。只有这样，我国现代设计艺术在国际竞争中才能立于不败之地，现代设计的区域性和个性特色便会以新的姿态、新的文化意义在国际设计舞台上展现中国的时代风采。我们相信，中国的艺术设计事业会更加朝气蓬勃，生机盎然，它将融汇传统文化与现代文明打造出新的设计文化来。

艺术设计与工艺美术之间，虽为一个有机体的不同阶段的产物，但却烙上了几代知识分子的学术痕迹，值得我们比较和梳理一下二者的关系，并研究他们的交互性。西方现代设计观念的引进和思考，往往会形成对传统工艺美术的割舍，以为一指艺术设计就是与传统工艺美术相脱离，这是一种片面的看法。现代艺术设计的发展并不意味着对传统的“全面否定”，而传统思想的光辉也并不因为现代艺术设计的兴起而“消亡”，二者正在逐渐地趋于融合。正如张道一先生所言：“有人把它对立起来，评定是非，我看是不必的。认清楚工艺美术与艺术设计的关系后，我们自然不会再把二者对立起来，而且有必要继续将半个世纪以来保持的我国优良的工艺传统发扬光大”。

传统工艺美术在现代设计的应用非常广泛，有许多优秀的作品，如：陈汉民先生设计的北京王府井饭店标志，以中国传统工艺美术图案“方胜盘长”，吉祥纹样为本，经穿插组合成垂直和水平的经纬直线，构成上下左右对称的正方形，传达了该饭店严格规范化管理、上下一致、同心协力、热情迎来送往客人的新理念。中间的“王”，字既是饭店的字头，又寓意该饭店在同行业中翘楚领先撤视群雄的王者本色，此外在细节处理上也颇费匠心，把四角处的线有意断开，构成“井”，字，既突出该饭店所处王府井的地理位置，又表达了王府井饭店的客源如井水一样源源泉不断的吉祥美意。这个标志导入了中国传统构图的人文景观、文学意境，通俗易懂，平易近人，人见人爱。

传统的吉祥图案、中国结、剪纸、陶瓷、玩具等，在九百六十万平方公里的土地上任何一个地域，任何一个角落，任何一个民族都能找到它们的存在。他们是民族与民族之间，人与人之间最容易沟通的视觉语言。如“龙”是中华民族的象征，这是无人不知，无人不晓的事实，它所起到的传达与沟通作用，是文字与语言无法取代的。同时，人的行为是由思想支配的，从原始人类创造工艺美术图案起，每一个图案都有一定的思想内涵，这些内涵几千年以来同人们的生活紧密联系在一起。春节是中华民族最为隆重的节日。张灯结彩、舞龙舞狮、演古装戏、皮影戏、贴对联、窗花、年画、财神、门神等，无不以传统工艺美术图案表达人们驱除灾害、邪恶，追求吉祥、平安、幸福，希望健康、长寿、兴旺、发财等美好愿望。在人们的心中，贴了“门神”，就不会受到邪恶的侵害；有了“寿桃、仙鹤、寿星”，就会健康长寿；有了“鸡、鱼”，就会吉庆有余；有了“蝙蝠”，幸福就会降临；有了“双柿”，和“意”

，就会事事如意；有了“鲍鱼”，就会年年有余等等。这些传统工艺美术图案中表达的思想和情感，古代人和现代人是相通的，现代人和未来的人也是相通的，因为它们表达了人类最根本的需求。

陈绍华、韩美林、靳棣强设计的中国申办2008年奥运会会徽，以奥运会标志五环为蓝本斜切四角，与传统工艺美术品“中国结”，神似，图案互相环扣的组合形式体现出中国人民同心协力，热盼奥运，更盼望五大洲团结协作、交流发展、携手共创新世纪的美好愿望。在设计对笔墨浓淡的精心经营下，图案又酷似正在打太极拳的人形，象征中国传统体育文化之精髓，这样由静生动，如行云流水，充满激情，带有浓郁的中国民族特色。这是一款强调传统工艺美术与现代感的结合、雅与俗共赏的构成形式，使标志的形与意达到了完美的统一。

以上几款设计都是以传统工艺美术图案为主要造型手法，运用大家熟悉的图形，结合现代设计的技法，把中华民族博大精深的文化表现得淋漓尽致，向世人展示了中华民族的精神风貌，受到中国人民和世界人民的喜爱，为企业和中国在世界上赢得了声誉，其根本原因是传统工艺美术起到了主要作用，几款标志是传统工艺美术在现代设计应用的经典之作。在设计过程中，他们运用了目标对象思想情感相通的视觉语言，包括造型、色彩、符号、图案等，如果离开这些基本的外部因素，进行标志设计、商品包装设计、广告设计、画册设计等，必然导致设计的失败，甚至会导致企业经济损失和破产。

如果说工艺美术是技术与艺术的结合体，那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体因此李砚祖先生将原来设计美学的功能之美与技术之美基础上又延伸出了科学之美，这也正反映了艺术设计作为一种学科是有机地向前发展的。

工艺美术是与传统农业、手工业生产方式和价值模式契合的原生艺术，而艺术设计是与工业化信息时代相适应的复合艺术。作为科学与艺术的结合体，艺术设计比工艺美术更能体现当代文化和人性的多元化，集成性和跨学科性是它的时代特征。但目前的情况是，传统的工艺美术在失去市场和需求后如何保护其遗产，可能需要各级政府部门的支持和行政倾斜。否则：“有一些民间的工艺美术品，已经处于边缘化、老龄化、孤独化，走向暮色的深处。”这意味着我们将失去丰富的传统工艺美术的文化遗产，如果仍等闲视之，势必将成未来子孙后代不愿看到的遗憾。

总之，艺术设计与工艺美术，二者的关系同源而异流。研究中国古代设计造物思想是迎合当今艺术设计教育的需要，是时代的呼唤，也是从工艺美术史论转向艺术设计史论拓展的必然。从中也反映了一个不争的事实：社会需要什么，被称为“工艺美术”或“艺术设计”的这个有机体，就会自动调整其专业设置以适应时代的需要。

参考文献

[1]张道一.琴弦虽断声犹存装饰.2002.4

工艺美术与现代设计范文篇6

随着城市化步伐的加快，工艺美术作为现代化城市建设的重要内容之一，传统园林设计理念在现代文化的强力冲击下，受到了前所未有的挑战。新时期的发展背景下，人民日益增长的社会需求对现代城市工艺美术的设计提出了更高的要求。作为城市发展的一个重要环节，其过程控制的好坏直接影响着一座城市的对外形象。文章结合实践经验以及相关文献的学习，并参照城市环境艺术发展的基本情况，对现代工艺美术设计进行深入研究，旨在促使工艺美术设计工作更加多元化、标准化，具有一定的参考价值，盼为读者学习。

关键词：

环境艺术；工艺美术；人文；自然

创造一个既具有特色，又富有美感的生活与工作空间是工艺美术设计的终极目标。时至今日，在全球经济与文化的影响下，传统的园林设计理念显然已无法满足现代社会人民的日常需求。如何与时俱进的进行工艺美术设计与创造性的美化城市环境，已成为当今工艺美术设计从事者所面对的重要课题。

1现代环境艺术设计理念和价值意义

设计的定义，说法各异，但综合起来其实可以解释为，设计是人类思考的一个过程，是一种计划、一种构想，具有各自的使命和方向。它的最终目标是通过执行使人们的各种需求得到满足。从艺术设计活动来说，设计者的审美意识和艺术思维的物态化成果即为艺术设计中的艺术性运用。因此不一样的艺术设计类型特点，是由艺术设计者的制作工艺、设计者的审美意识水平、艺术设计的技巧手段与材料，以及设技的技术等，也就是把抽象化的艺术形态设计图形实在的表现出来。它通过感性的真实来展示建筑和装饰、产品外观和造型、雕刻、平面和立体等的各类艺术设计。艺术设计的表现形式和内容是指主客观、再现和表现、情感和认知、实用艺术和纯艺术、艺术和技术等关系的拆分融合。设计者对现实生活中美的体验与理解可通过设计中的艺术性表现出来，形式各具特色，加上社会需求等的条件各不相同，一样的主题内容，形成的艺术展示形式也有所不同。①偏重通过采取写意性的表达方式发挥艺术想象力来抒发个人情感，其侧重点在于对真实客观生活的主观感受；②偏重再现客观事物，其侧重点则在于反映现实生活。

2现代环境艺术设计的基本特征

2.1人文性与自然性

环境艺术的人文性，是指环境艺术系统呈现的对人爱护、关心以及方便的文化精神。每一个环境艺术设计的作品都是以人为本，从人的根本利益和自我价值出发，最终完成构思、设计的。符合人文性的环境艺术才能创造环境艺术的审美，才能使人实现追求美好生活的目的，从而达到善与美的统一。环境艺术是指合理利用自然环境中的物质、能量以及自然现象，因此环境艺术是绿色的艺术与科学，依赖自然环境从而体现美学的“合规律性”。环境艺术的自然性，是系统本身所呈现的自然属性部分以及环境艺术系统对自然环境的依赖。

2.2无害性与正面性

环境艺术的无害性，即环境艺术系统能够使人与自然之间形成一种意义上的和谐关系。环境艺术是一种创造，要符合美学中关于“自觉”与“自由”规律的理性规划和审美。所以环境艺术系统应全力使全系统无害，而不能因噎废食、左支右绌。环境艺术的正面性，则是指要表现的内容和主题必须永远是歌颂的、喜剧的、肯定的、积极的。环境艺术提出的正面性，尤其是要着重环境中的纯净，主要是指纯洁与美好的精神。环境艺术的创造具体来说就是要禁绝污秽、丑陋与庸俗，显现洁净、秀丽与崇高。

2.3实用性与审美性

环境艺术的实用性是在整个系统中最重要的功能之一，是指环境艺术系统能够实现人的生理需求，方便与完善人的物质生活。而环境艺术系统则是人类文明发展的结果，是从人最基本生活系统出发的。没有了实用性，环境艺术便会失去原来的意义。环境艺术系统区别其他系统的地方在于环境艺术系统的审美性，是环境艺术实用性的超越和延伸。审美性不仅要求完备实在的功能，还要求通过抽象的意境、情调、气氛来使人对审美的体验得到满足。因此满足人的精神需求建立在在满足人的生理需求的基础上，来充实、健康与愉悦身心的环境艺术系统才能成为环境艺术的审美性。

2.4多样性与整体性

环境艺术系统中个体之间性质的差异和感性质料的差异称为环境艺术的多样性；环境艺术系统中个体的差异和不同的感性质料通过有机的联系创造一种一致的整体意境和氛围。

3现代环境艺术设计的内容体系

自然地质、气候、地貌、动植物之类的环境状态称为自然空间环境；工作、居住、交通以及各种活动场所之类环境状态则称为人工空间环境；和环境艺术设计活动的相关学科互相依赖并作用于彼此，例如社会学、美学、材料学、哲学、心理学、生态学、人类学等称为专业学科。人工环境艺术设计包括有建筑、园林、雕塑、数字、现代环境艺术等的具体表现形式和内容设计，各类综合艺术的汇总即为它的特征，也具有现代艺术的基本特征，例如服饰设计、摄影、表演、视觉设计、动漫设计、影视、行为艺术、计算机设计等。专业能力是环境艺术设计师必须具有的素质，应从初始策划创意构思的去着手切入每一项环艺设计项目的从事，这是环境艺术设计的创造性表现。即通过项目目标核心的把握，信息资源的整合，进行项目所在的区域环境的研究以及论证，从而构想出一套切实可行的设计方案。项目一般具有3个方面目标：①阐明社会价值观和健康的生活理念；②最大范围和程度内完善功能环境；③塑造和谐的环境氛围，创造社会经济效益。环境艺术是涉猎领域范围较广的系统工程，全社会需要配合协作。许多才高八斗的设计师通常会在国家或者社会主办的环境艺术设计类竞赛或者相关的活动崭露头角，并在重大工程设计项目的中展现出了惊人创造力。

4结束语

总而言之，现代城市工艺美术设计是一项漫长而复杂的过程，任何现在看似先进的技术均会随着时代的发展而显的落后，无法满足城市发展的需求。只有不断研究，不断创新，立足于设计任务的标准化与多元化发展方向，才能确保我国现代城市工艺美术设计的可持续发展。

参考文献：

[1]吴风.艺术符号美学[M].北京:北京广播学院出版社,2002.

[2]唐建.观念突围——对环境艺术设计的思考[J].建筑与文化,2010,(4):36-39.

工艺美术与现代设计范文篇7

近几年，随着经济的高速发展，建筑业兴起，人们迫切的想要提高生活质量，对室内的要求也显著提高。由于我国现代室内设计没有太长的发展历史，在实践的过程中受到了西方设计的冲击与排挤，具有中国特色的设计发展受限。紧跟世界潮流并具有自己的特色成了当今室内装饰的难题。所以要把握中国传统工艺可以充分拓展设计空间的特点，为现代室内装饰提供借鉴。

一、传统工艺美术的发展与特征

传统工艺美术是指具有百年以上历史传统并且世代相传技艺精湛的工艺技术，它需要具有鲜明的民族性以及完整的工艺流程。工艺美术是我国传统艺术的一个重要分支，具有悠久的历史，是美术发展的原始形态。从新石器时代的陶器到明清时期的木工艺，充分显示了传统工艺实用与审美相统一的特征。我国的传统工艺美术可以分为许多种类，按照工艺可以分为雕塑工艺、画绘工艺、锻冶工艺、剪刻工艺、烧造工艺、编扎工艺、髹饰工艺、织染工艺等几大类。

工艺美术起源于社会的生产实践，包括社会生产与劳动生活。最早的工艺美术生产出的工艺品就是日常生活的用品。我国的工艺美术具有实用与审美的统一性，是内在使用价值与外在审美特征的完美结合，满足了人们的物质精神需要。我国的工艺美术还具有民族传统性，可以反映中华民族自身独具特色的审美取向，在世展的过程中积淀形成了与其他民族不同的特征，是民族文化的升华。材料工艺性也是我国传统工艺美术的重要特征，一般选用天然的材料，以手工制作为主，工艺流程完整固定。

二、现代室内设计的概况

室内装饰是一种综合性艺术，是为了满足人们对室内环境舒适与方便的追求而出现的，创作的基本思想是以人为中心，强调使用功能与审美情调的融合，既重视空间的舒适性，又强调审美性。

室内装饰设计是受实体羁绊的艺术、“戴镣铐的舞蹈”；是使用特性和审美特性并重的艺术，要坚持功能与审美的统一；是强调形式美感的艺术，要淡化思想，突出凝练性；是体现设计个性的艺术，通过与众不同的手法呈现出异彩纷呈的局面。

三、传统工艺美术在现代室内装饰设计中的融入与运用

中国传统美术可以充分为现代室内装饰设计提供具有现实意义的运用参考。传统工艺是为了美化生活而制作出来的，具有很强的装饰性。种类繁多，与目前的多元化设计相契合。许多对生产工具装饰的技艺具有科学性，可以激发设计师的灵感。主题宽泛，取之不尽用之不竭，独具特色的象征性符号满足现代室内装饰简洁的视觉效果。中国传统工艺与现代的设计具有很强烈的对比冲突性与差异性，可以增添建筑内部的时代感与民族感。由于工业产品的挤压，目前的传统工艺品已经变为小众文化，将其融入到现代设计中是对民族文化的保护与继承最有效的方法。

传统工艺美术在运用到现代室内设计的过程中，要符合室内装饰的朴质特点，契合环境，适度装饰，将装饰融入环境，成为环境的亮点。设计风格要互相适应，与其他装设的配合要相得益彰，具有整体美。在保持整体美的基础上还要突出现代感。减少过于复杂的工艺品的运用，重视新工艺与新手法。遵循现代设计理念，使设计符合现代人的审美方法。在设计时，可以将传统的造型直接引用到设计方案当中，也可以将传统图案进行重组或者结构，替换其材质。在充分掌握造型规律后，可以对传统元素进行再创造以产生新的表现形式。将传统工艺的精髓而非形式融入室内设计，实现装饰中国化，在设计实践上大力探索，推进美术进步。

在实际应用的过程中，将现代室内设计加入地方文化、主题、材质三个方面的传统文化元素，并将传统工艺美术的不同方法综合运用。

例如南京某酒店以宋朝时期的江南庄园为模板，将典雅华贵的传统文化元素应用得恰到好处。

工艺美术与现代设计范文1篇8

[文章编号]：1002-2139（2015）-27--01

引言：

中国传统美术在色彩的运用上包罗万象、变化多端，对于不同色彩都有与之相符的文化内涵设定，使之在实践应用环节具有浓厚的符号性、象征性与装饰性，实现了色彩与艺术的完美统一。遍观我国现代平面设计工作的发展状况，设计师们在实践工作中对于艺术与色彩的追寻从未停止，但在视觉传达效果的表现形式上仍存在诸多问题与缺陷，这些问题因素极大的抑制了我国平面设计工作的发展与创新。本文主要对传统美术色彩在现代平面设计中的应用措施进行探究，为我国平面设计行业提供合理化的参考。

1.传统美术色彩与现代平面设计间存在的联系

中国传统美术色彩具有极强的艺术表现力，是我国艺术文化中不可或缺的重要组成部分，在传统的装饰性与表现性上，美术色彩能够更加突出的展现出其魅力所在，充分实现了艺术形式与美学的交融，这一点与现代平面设计工作不谋而合。传统美术色彩与现代平面设计在视觉效果传达的过程中，具有相同的表现力与艺术气息，对色调的使用与设置都充分体现出了自由、奔放的表现形式。我国民间艺人在传统美术绘画过程中，对于传统美术色彩的选用，更多的以其自身的偏好为主，在理想化的装点与搭配下，充分实现传统美术色彩的完美展现。而现代平面设计师门在实践工作中同样注重对感觉的把握，根据色彩明亮绚丽的程度，以自身的偏好和感觉为主，使装饰品与着色物体在色彩的点缀下栩栩如生，充分实现了色彩与平面设计的完美相融[1]。

在现代平面设计工作中，设计师们更加注重利用色彩的视觉冲击力来吸引大众，通过将不同色彩间的明暗变化与视觉冲击力进行完美应用，使平面设计能够带给观赏者强烈的视觉冲击力，引发观赏者的情感共鸣，充分实现平面设计师的设计用意。因此，色彩对于现代平面设计的重要性不言而喻，在很大程度上，色彩都是平面设计中的首要运用因素，通过合理化的运用色彩，能够使色彩本身所具有的特性直观的表现在平面设计作品当中，使色彩与平民设计做到完美融合，就像将一种色彩进行艺术创作，使之能够融入到设计师的思想情感当中，经由设计作品进行强烈的情感思想表达。由此可以得出，传统美术色彩与现代平面设计具有密不可分的紧密联系，具有高度的相似性与艺术表达效果[2]。

2.传统美术色彩实践应用于现代平面设计的具体措施

2.1传统美术色彩与文字意象相结合

文字意象作为视觉符号的一种，在现代平面设计中逐渐深受设计师们的喜爱，通过将文字意象实践应用于平面设计当中，既展现出了平面设计的主体信息，又借助文字符号，为平面设计增添了文化意境，使平面设计在整体构成上显得更加饱满与深邃，富有文学艺术气息[3]。因此，通过将传统美术色彩与文字意象相结合的手段，能够更加吸引观赏者的目光，使平面设计作品在体现艺术色彩的同时，给观赏者传递更多饱满的艺术文化气息，充分体现平面设计作品独特的设计效果。在我国今后的现代平面设计工作中，设计师应注重传统美术色彩与文字意象的结合与统一，使色彩在文字信息中发挥出更加突出的艺术效果，充分体现出平面设计作品的情感思想与艺术表达效果，引发观赏者的共鸣。

2.2挖掘传统美术色彩在平面设计中的装饰性作用

装饰与点缀是现代平面设计作品中不可或缺的重要组成部分，能够极大地提升平面设计作品艺术表达效果的饱满程度，使作品当中蕴含的艺术气息与美好寓意能够完美的进行表达。因此，现代平面设计师在实践工作中应更加注重对传统美术色彩装饰性的挖掘与创新，充分利用传统美术色彩的表现效果，使现代平面设计作品在传统美术色彩的装饰下显得更加饱满丰富，更加突出设计师的思想情感。例如，在现代平面设计”招财进宝”中，设计师可以采用民间艺人的传统美术表现手法，将寿桃与花鸟等吉祥图案充分展现在作品当中，以装饰点缀的形式，为平面作品增添无尽的魅力，更加突出现代平面设计作品的艺术表现效果。

同时，设计师在设计热闹喜庆的平面作品时，应积极采用传统美术色彩的应用方式，将中国人惯用的大红色调进行应用，通过将传统美术色彩与现代平面设计相结合，使红底黑字的现代平面设计突出表现热闹喜庆的欢乐气氛，设计师在实践环节还可以对传统美术色彩的运用方法进行创新，利用现代创意字体与创意图案进行平面设计，给观赏者耳目一新的感觉。

工艺美术与现代设计范文

1、当代工艺美术在艺术构思上的创新

当代工艺美术在发展的过程中，必须不断的创新，所以，相关工作者一定要具有创造力，尤其是在艺术构思方面，一定要具有创新的精神，这样才能提高创作的水平。好的工艺美术设计，需要在创作的过程中激发设计者的灵感，要改变其传统的思维方式以及审美观念，还要体现人们对美化事物的追求。

在当代工艺美术发展的过程中，不断要做到对艺术构思的创新，还需要对传统的设计知识以及理念进行创新，这样才能促进工艺美术设计更好的发展。

当代工艺美术在设计时，一定要从多个角度看待问题，设计人员需要在生活中多积累素材，还要在设计中不断积累经验，提高自己的想象力与创造力，才能满足人们日益提高的审美观。

工艺美术包括多项内容，需要将审美与性能有机的融合的一起，中国文化的发展经历了较长的时间，而且融合了不同的思想，所以，工艺美术在发展时，也需要将不同的文化融合在一起，需要满足社会发展的需求。为了提升工艺美化的设计理念，还需要融合现实，这样才能更好的满足大众的需求。

2、当代工艺美术设计的要点

当代工艺美术设计需要紧跟时代潮流，需要与现实紧密的联系在一起，要将传统工艺文化与现代工艺文化紧密的结合起来，做到对传统文化的传承，还要掌握现代文化的潮流趋势，这样设计出的工艺品才能更好的满足大众审美眼光。社会在不断的进步，人们的素质以及文化需求也在不断的改变，只有把握当代工艺美术设计的要点，才能提高设计的水平。在创作的过程中，人们的思想以及思维方式有较大的不同，设计者要做到对不同文化以及理念的融合，要打破传统工艺美术的局限性，还要提高审美。现代社会中，人们的生活方式发生了较大的变化，人们的生活节奏也在不断的加快，所以，相关工作者一定要做到与时俱进，对工艺美术的各个方面进行创新，还要与现代社会的时尚潮流结合起来，增加创新意识，提高艺术品的价值。

设计人员要具有一定创造力，这样才能促进当代工艺美术设计更好的提升。

现代工艺美术是在传统工艺美术的基础上，对其形式以及内容的改进，可以使工艺作品更具时代感。人们的审美眼光以及欣赏习惯在不断的改变，增加当代工艺美术设计的创造性，可以更好的提升工艺品在中国文化中的位置，要注入具有时代信息的创造性审美观念。现代工艺美术设计的民族化就是在设计中将本民族的艺术和审美在长期的历史发展中形成的传统风格展现出来;第三，现代工艺美术设计非常注重以表现为主的抽象性风格，在现代工艺美术设计的审美意识中，不能有过多和过分的雕饰，要求产品应该要以简洁性或抽象性的特征为主。

如果要确保其成就能够顺利的实现，就要通过有效地创新思想来获取，只有这样才可以创造出更多的财富，进而提升创新能力，才能进一步创造出更美的作品，使得艺术和美学之间也得以更好地相互完美融合在一起。

3、当代工艺美术在创新过程中对于信息技术的应用

随着科学技术的不断发展，当代工艺美术中对于信息技术的应用也越来越广泛，很多与工艺美术相关的软件都相继的开发出来，并且大部分都已经在当代工艺美术中开始应用，这一系列的软件对当代工艺美术设计人员在制作作品的过程中，简便了当代工艺美术设计创造中的过程，给予了当代工艺美术设计人员充分的时间和空间，让设计人员能够在作品的创新上投入更多的精力。信息技术在当代工艺美术中的广泛应用，提高了当代工艺美术的整体设计水平，简化了作品的制作过程，当代工艺美术设计人员在充分的掌握了信息技术，能够对信息技术的在当代工艺美术的发展过程中进行有效的应用，对于设计人员在自身设计创造作品时的水平有着非常大的提升作用。

在当代工艺美术中，想要更好的创作出当代工艺美术作品，就必须掌握对信息技术使用的正确方法，充分利用相关的信息技术对工艺美术作品进行改善，加强对作品的修改，使作品更加的完美。在当代工艺美术中，计算机的使用大大增强了在创作过程中的设计创造，因为计算机能够在创作过程中为创作者提供大量的材料，可以利用相关的工艺美术软件对创作出来的作品加强设计，当代工艺美术设计人员在使用计算机进行创作时，能够更好的将各类材料综合起来进行有效的利用，充分的掌握与创作作品相关的材料，加强创作作品自身的质量。计算机的出现在一定程度上给予了当代工艺美术持续发展的机遇，面对国内外各种艺术思潮的涌现，当代工艺美术设计人员应当充分的利用信息技术，提高自身在创作过程中对于技术、知识能力的有效创新，将当代工艺美术设计与信息技术有机的结合在一起，提高当代工艺美术的作品质量。

4、结语

我国的经济发展很快，这促进了当代工艺美术设计水平的提升。现代社会，人们的审美眼光有着较大变化，而且对精神文化也有着不同的追求，所以，在工艺美术设计的过程中，一定要增加创造性，要具有与时俱进的创新精神，这样才能提高设计作品的时代感。在创新的过程中，也要注重对传统文化的传承，这可以是工艺品更具文化内涵。设计者在平时的生活中，要多观察事物，还要不断的积累素材，这样可以很好的激发灵感，可以设计出更加优秀的作品。

参考文献

[1]刘慧韬.西方美术史中人文内涵的变化[J].洛阳工学院学报:社会科学版,2009(12).

[2]李建平.高校美术设计类专业教学实践性成果转化研究[J].艺术教育,2012(7).

工艺美术与现代设计范文篇10

关键词：设计艺术；科学技术；平衡；统一

Abstract：Designofintelligenthumanactivity,artandtechnologyaretwoimportantfeaturesofdesign,inthedesignofthedevelopmentofhistory,artandscientifictechnologyhasbeenaroundthedirectionofthedevelopmentofdesign,arthistory,everynewstylewillbringtodesignnewinspiration,humanhistoryeverytimetheprogressofscienceandtechnologywillbringtodesignthenewleap;theprogressofscienceandtechnology,socialcivilization,cultureandartlevelisendowedwithnewconnotationofdesign.People'sspiritualneedsandmaterialneedsofdesignartandscienceandtechnologyunify,designersinthedesignworkshouldclearlyrecognize,artandtechnologydesignisadynamicprocessofchange,advancingwiththetimes,anyartandtechnologyseparationorartandtechnologytheinappropriatecombinationwillcausethefundamentalfailuredesigntherefore,thedesignershoulddesignanalysisofrelationshipbetweenartandhistoryofscienceandtechnology,toexplorethevariationbetweenthetwo,graspthecharacteristicsofthetimes,thedevelopmenttrendofthetimes,thedynamicbalanceoftrueartandtechnologydesign,designarealsocialneeddesignworks.

Keywords:designart;scienceandtechnology;balance;unity

中图分类号：TB21文献标识码：A

人类原始时期、手工艺时期、现代工业化时期因生产力水平不同，设计表现出明显的差异；为适应社会生产力需要，设计要不断的变化发展，艺术与技术为适应设计时代要求，也在不断寻求二者之间平衡关系。

一、人类早期“实用性”设计

从广义上讲设计是人类一切生物性和社会性的原创性活动，设计是人类的智能性活动，当人类产生以后为了生存便有意识有目的进行加工活动，由此设计便产生了，在设计萌芽阶段，以石器为代表的原始设计阶段，在此时期石器是最主要的工具，石器设计是原始设计最主要的设计内容，生产工具的设计创造对早期人类由猿向真正人的转变具有决定性意义，生产工具的创造提高了人类征服自然的能力，在人类造物活动的初始时期，人类智慧性活动完全是为了生存的需要，这个时期“实用性”是设计的主导倾向。

二、手工艺时期技术与艺术完美结合

在新石器时代长期积累的基础上，人类完成了第二次社会大分工，手工业成为独立的行业，手工工匠专心于器具的制作，建筑、手工艺、服饰等专业、独立的行业性设计逐渐出现和发展完善起来，创造了辉煌的手工业文明。在手工设计阶段，手工制作中设计与生产是密不可分的，设计者在富于艺术构思的同事也精通材料和技术，因此手工业时代是技术与艺术完美结合，造就了传统设计的辉煌。在这个时期设计师不仅是技术人才同时又是艺术家，设计作品不仅是技术材料的体现，更是一件完美的艺术品。在这一时期，古代埃及、古代两河流域、古代希腊和罗马、古代中国的成就是非常突出的。但是手工业时代的设计最重要的特征是对金属材料的运用，以及纯粹依靠手工工艺的生产过程。奴隶社会、封建社会的封闭性、稳定性、保守性也造成了手工艺设计的完整性和延续性的突出特点。

三、工业化时期设计艺术与科学技术之间变化关系

进入工业化时期，科技的进步，生产方式的改变，打破是传统手工设计中艺术与技术结合模式，该时期艺术与技术之间变化关系主要分为三个阶段；第一阶段是艺术与技术逐渐分离阶段；第二阶段是艺术与技术矛盾时期；第三阶段是探索设计艺术与科学技术新的统一。

1.艺术与技术逐渐分离：随着工业化时代的发展，自然科学和社会科学不断的发展和完善，科学观念渗透在技术领域，技术知识逐渐走向理性分析阶段，与艺术感性思维产生距离；而该阶段艺术的概念也在开始强调艺术类的精神属性，艺术也逐渐与使用的概念和技术的概念产生分离。18世纪初期荷加斯的著作《美的解析》为最早的设计理论专著，荷加斯分析了以线条为特征的视觉美和以使用性为特征的理性美，认为使用的理性美是以最大限度地满足使用者的使用需要为目的。18世纪艺术家巴托把艺术分为实用艺术，美得艺术，以及一些结合了美与功利的艺术；伴随着美术感念的出现，产生了大美术和小美术的区别，由此混为一体的技术与艺术才略有了区别。1750年德国哲学家、美学家鲍姆嘉通创立了“美学”使的艺术与技术分离更加明显；在西方18世纪中期哲学家黑格尔否认使用艺术作为艺术的特征，并且当时许多艺术家认为美的艺术高贵于使用艺术，由此许多艺术家不愿涉足于使用艺术领域，出现技术家不在干涉艺术，艺术家不再关心生产生活，最终导致艺术与技术的分离。

2.设计产品中艺术与技术矛盾时期：工业革命之后科学技术为人们的生产生活带来巨大的变化，人们在享受科学技术带来好处的同时，技术与艺术分离似乎更加明显，在产品中集中反映了艺术与技术之间的矛盾，虽然工业革命带来新技术、新材料和新的上产方式，却没有给设计带来适合的新艺术可供借鉴，于是导致了新问题的出现：与手工生产相比，机器的批量生产带来产品艺术质量的急剧下降和消费者艺术品位的降低。1851年英国水晶宫博览会作为世界工业化时代的重要标志，同时也暴露出设计的严重不足。人们在使用工业产品的同时，审美趣味却停留在古典装饰风格之中，促使设计师在工业产品上装饰古典风格样式，导致艺术与技术的严重不协调，如何处理艺术与技术之间分离带来的缺陷成为设计师，艺术家，理论家开始考虑的时代问题。从而设计作为技术与艺术的结合的时代即将到来。因而水晶宫博览会所展示的成就和暴露的问题成为工业设计理论和实践起始点——英国工艺美术运动的直接原因。

3.探索设计艺术与科学技术的新统一：1、工艺美术运动主张艺术与技术的结合的原则，它是19世纪末到20世纪初由莫里斯倡导的在英国掀起的影响深远的设计运动，该运动主张艺术与技术的结合，要求美术家从事产品设计反对纯艺术，该运动的本质是通过艺术与技术的结合来改造社会并建立起以手工业为主导的生产模式。工艺美术运动虽然有他的局限性，但它唤醒了人们对设计的重视，探索了艺术与技术的结合以及设计与艺术的伦理道德方面做了卓有成效的前瞻性工作，打开了现代设计的大门，在之后的设计发展中，设计艺术与技术之间不断的寻求新的平衡。2、新艺术运动虽然不怎么反对机器生产，积极探索适应现代工业技术的艺术装饰，但是由于艺术装饰过于复杂，所以该设计风格并不适应现代工业批量生产，设计艺术与技术之间并没有实现统一；3、装饰艺术”运动几乎与现代主义设计运动同期诞生，具有手工艺和工业化的双重特点，在设计上采取折衷主义立场，由于它考虑到了人们对产品形式的多样化需求和对精美手工制作的热爱，还部分照顾到了批量化生产的要求，所以在短期内风靡一时。然而，以当时尚显稚嫩的工业技术水平，要让大机器批量生产的产品兼具手工之美实非易事，能同时满足这两方面的条件的产品设计少之又少，因而，“装饰艺术”运动经过短暂的流行后很快销声匿迹。无论是英国的“工艺美术”运动，还是欧美的“新艺术”运动、“装饰艺术”运动，都显然不是解决问题的最有效办法，它们的中心是逃避乃至反对工业技术，反对工业化，反对现代工业文明。而且以上三个设计运动在艺术上借鉴的都是繁杂细密的传统装饰。但是，大工业生产初期的技术水平和批量化的生产方式显然无法完成产品的这种艺术追求。与手工技术相比，大工业生产技术无疑是一种进步，问题在于找到能与这种先进的大工业生产技术相匹配的艺术加以整合，创造出能代表大机器时代的优良的设计。4、人们希望在保持物质进步的同时，也能享受机械所带来的精神愉悦。如何掌握机械的艺术潜能，探询的目光投向了最具活力的现代艺术。大工业技术与现代艺术中的客观化趋势相结合，直接促成了一场现代设计史上最具影响力的现代主义设计运动。现代主义风格的确立，是现代工业技术与艺术走向结合的必然结果，现代设计的本质是按照美的规律为人造物，艺术与技术的辩证统一关系是现代设计师们的基本设计理念，但是，设计中技术与艺术的平衡永远只能是一种动态的平衡，技术在不断发展，人的精神需要也是复杂多样化的，当技术的发展为这种多样化的需求提供了实现的条件后，设计也就从以现代主义为主而走向了多元化。

结束语

且不管何种形式、风格、流派都是围绕着艺术与技术之间相互关系中进行和开展的。如在以上设计几种主要风格中，每一种风格的盛行都显露出了艺术与技术之间微妙的关系。设计是技术与艺术的综合，在设计中，技术和艺术是矛盾的统一体，两者完美结合，造就优良的设计；当设计中的技术与艺术达到动态的平衡时，设计表现为一种较为稳定的风格。技术在革新发展，艺术在不断变化，设计也就呈现出不同的面目；数字化时代艺术与技术的统一关系呈现动态变化的特征，需要重新思考定位。新时代背景下，虽然有人性化设计、绿色设计、可持续发展设计等不同价值取向，但设计仍然以艺术与科学技术为实现手段，艺术与技术的统一关系在新的时代依旧存在并更加紧密，而技术与艺术的内涵也更加丰富。

参考文献：

1.《世界现代设计史》.王受之.中国青年出版社.2002.

2.《中国建筑史》.藩谷西.中国建筑工业出版社.2003.

3.《现代设计史》.董占军.高等教育出版社.2008.1.

4.《设计学概论》.尹定邦.湖南科学技术出版社.2007.7.

工艺美术与现代设计范文篇11

【关键词】民族传统文化工艺美术教学应用

一、工艺美术专业教育方向的思考

我国工艺美术专业教育的性质是培养实用技术型人才还是培养研究创造型人才，不能一概而论,应看工艺美术教育是着眼现在还是着眼未来,如果简单从目前社会需求来考虑工艺美术教育特点,工艺美术学院教育的性质只能成为普通大学一般美术教育的浓缩,仅成为符合市场需要的一般工匠，失去了工艺美术学院教育的实质意义,起不到培养社会急需的创造型人才或是一线技术人才的作用。目前我国工艺美术教学的误区还纯在较多的问题，譬如忽视学生实操能力的训练只重视工艺美术设计专业基础知识，艺术教学实践课变成以巩固复习基础知识为主。另外教学评价体系重视结果而不注重解决问题的动态过程，强调知识的积累,而忽视知识的创新。没有与教学计划相应的艺术实践设备,缺乏通用的艺术实践教学的教材,不能有效地进行艺术实践教学，学生的艺术思维的创新与实践操作能力得不到提升。

二、合理整合课程优化知识结构

工艺美术专业的课程设置,要按照职业素质培养、技术应用能力为主线和实效、实用、实际、实践的原则来整合课程及内容。要打破学科体系的界限，讲求教学方法,抓好关键环节,如将《设计概论》和《中外设计史》整合使学生获得设计发展史、设计风格流派和时代的关系和不同设计美学原理和形式法则,《色彩构成》和《平面构成》合为一门课更有利于学生基础能力的培养。主要使学生获得从事设计的必要理论知识，这些课学时不多,要求精选内容。《设计素描》基础核心课程，它之所以重要是因为要承担起从绘画到设计的过渡,是艺术设计专业的一门既现代又传统的基础课,因此,设计专业的素描课要加大设计素描的比例,重点训练学生对"形"二维和"形"三维的想象能力和表现能力,不能按美术专业那样把大量的时间用在画光影明暗素描上,真正解决艺术设计专业学习素描学什么的问题。

尽管近年来新的工艺美术技术不断出现层出不穷,学生们希望多学些新兴实用技术的愿望很强烈,但要让学生们明白,学到一门实用新技术只能用几年,还有更新的技术会产生。打好了专业理论基础,掌握学习方法，新技术一冒头就能知道它是否代表未来发展的主流趋势,并且能更快地领会和掌握，就能用十年甚至几十年。通过课程设置以课程内容的改革对学生加以适当引导,使他们能在基础理论和专业核心课程上花费足够的时间。

三、改革工艺美术教育观念,促进创造性人才培养

中国的学生善于学习、考试,想象力、创造力却很弱,是我们教育体制中对如何培养人的创造能力重视不够。而我国美术院校还停留在教技术、教技巧。笔者认为当前社会需要我们培养的是能引领工艺美术发展主流方向，具有艺术创造力的技术人才。

工艺美术学生的实操环节和实践教学是十分重要的,因为应用技术型人才本身就需要有很强的动手能力,学生设计的课题应与实际项目结合起来,应在教学大纲规定的范围内,让学生走入社会去联系和争取设计项目,还可鼓励学生参加设计征稿和设计竞赛项目、承接设计工程为课题进行实际的设计实践。结合课程、利用项目等方式也是锻炼学生、培养学生动手能力的好形式。调整教学计划,专业课都贯彻"精讲多练"的原则,主干课都安排一至二周的单独实训,要求学生完成一定的实训作品。使他们获得更多的实践机会，既培养了他们的综合素质和社会活动能力。通过市场实态现状的调研,撰写较为详细的设计项目调查和设计定位的报告，让学生了解国内外的工艺美术发展现状,从而掌握科学的工艺美术设计方法。在项目设计过程中,利用启发教学法通过大量的设计创意素描草图,挖掘学生的创造性思维,选择最佳的设计方案。在正稿制作阶段,要引导学生去发现与解决设计中所涉及的各种问题,如材料、工艺、成本、效果等,以便提高设计方案的可行性。

从整个国家未来发展的高度来看待人才培养的问题,我们美术教育者必须责无旁贷地承担起培养"创造型人才"的重任。我国目前虽然缺乏大量的实用型、应用型的工艺美术专业人才，但从深远看,目前最缺乏的是掌握了当代工艺美术前沿科学技术的、能够创造性地应用工艺美术技术的人才。我们不能为一些急功近利的短视行为,就放弃我们对"创造型人才"长远培养目标的追求。如果我们稍微仔细地观察一下国外的教育体制,比如美国、日本的教育体制,就会看到他们在高度发达的市场经济中,对于创新型人才培养的重视程度远超过我们的想像。

四、工艺美术教学立足于中国本土文化

中国的工艺美术教学与创作不能脱离中国的实际情况,即中国的文化背景,和中国的社会环境。工艺美术作为一门独立的艺术学科，在我国的历史不算很长处于起步阶段，受西方各设计流派的影响比较大，具有代表性的作品较少。中国工艺美术想要屹立在国际的舞台上，应该将民族的元素、传统的材质结合现代的工艺融为一体。中国的人文艺术背景是积淀了五千年传统文化底蕴,中国的特色社会主义环境实践也证明"特色"理论是正确的,不能照搬国外的经验，中国高校的工艺美术教育当然也不能脱离中国的社会环境,也必须走中国特色之路。我国历史文化悠远深厚，代表我国民族传统文化精髓的理论在今天依旧有着现实的指导意义，数千年来我们逐渐积淀了一套含盖各个领域的文明体系,尤其是理论思想,如诸子百家思想。这其中哲学、美学、社会学的诸多思想,都是中国传统体现民族精神的艺术设计思想依据。

目前中国的工艺美术教学对民族传统视觉元素没有引起足够的重视，如担心学术外出安全问题取消相应的艺术考察教学活动,很多学校外出考察课程也流于形式。具有中国传统特色的设计思想逐渐被国外形式所取代,如不少学校传统图案设计的课程被取消被平面构成取代,现代陶艺设计实践取代了中国传统陶艺技艺实践课程,现代家具设计实践取代中国古典家具设计实践等。以上方面的缺失,导致导致创作所需的精神在枯萎，甚至学生民族情感的淡漠。民族工艺美术教育是一个民族赖以生存的精神支柱,工艺美术是民族文化传播和传承的重要途径与有力保障。

五、寻根溯源，根植于本土寻找创作的源泉。

例如笔者所处的广西有着极其丰富的民族民间艺术元素资源，调查广西民族艺术中建筑装饰、刺绣、织绣、染织、金属工艺、木雕等传统工艺美术现状和代表性作品与案例，挖掘、整理、编辑重要造型艺术研究样本，采访民族民间艺术传承人，拍摄和录制典型性创作过程和生产案例，引导学生努力发掘本民族的设计观念、造物原则和审美意识，并结合现代科技手段，独树一帜，创造出独特的艺术风格，使少数民族古老的传统技艺在现代社会中闪光。通过对民族民间艺术元素的整理分析，积极探索多种创新设计思维，以寻求更多的解决广西民族民间艺术元素的创新应用途径，使民族民间艺术元素在高校艺术教育中具有可持续发展的独特魅力。高校培养人才要多元化，不拘一格的人才培养模式，要打破课堂的界限，实施课内教学与课外教学相结合的方法，让学生进入社会，通过采风、考察等活动感受到民族民间的艺术魅力。深入少数民族地区全面收集、考察，系统整理少数民族的工艺、服饰、建筑、雕刻等方面的资料。让学生对这些资料进行整理分析，提取和保留这些少数民族元素的精髓，经过再设计并运用到自己的专业设计当中去。例如上海工艺美术职业学院就建立民间艺人工作室把本地具有代表性的优秀艺人请进教学工作室，讲授技巧，引导学生去认识和了解本地文化，让学生学会逐步挖掘、运用本土民族艺术元素，使当代的民族民间元素与设计教学与时俱进，从更多的民族艺术中汲取相关元素，同时又不失现代的气息。使民族民间艺术元素与现代文化间的精髓相互融合、和谐发展，相互促进。只有这样，才能让我们的设计在吸收外来先进文化的同时，不断地注入民族内涵，创造出富有本土独特韵味的设计。在满足生活需要的同时，得到广泛的延传，并且经久不衰，使本土化民族民间艺术得以可持续发展。工艺美术教育是传承和发展我国优秀传统文化的重要渠道也是一个民族走向现代化过程中不可失去的依靠。

广西本土民族民间工艺和现代设计理念结合，将本土民族民间工艺结合到现代设计教学中,这是引导学生设计出具有自主性、时代性和国际性的现代设计的关键。在工艺美术方面通过开展横向研究与开发，探索地域特色的设计教育创新之路做以下几个方面尝试。

1、都安古法造纸工艺传承着古老的文化符号，可以聘请艺人将古法工艺引入到艺术设计课程中，在让学生体验了解传统造纸工艺，生产各类材质机理的纸张。材料学研究部门在纸张防水、除霉、韧性等方面给予技术上帮助，可用于现代家居用壁纸、灯具、扇面、雨伞、笔记本等设计。通过校企合作，建立产学研合作关系，有计划地开发具有广西民族特色的文化产品和工艺产品，保护了正在消失的传统手工艺，帮助地方地方企业提高产品经济附加值，并培育具有鲜明地方文化特征的产品品牌。2、已入选部级非物质文化遗产侗族木结构工艺可以让学生体验榫卯结构设计原理，感悟侗族木结构设计之美，用于民族风格的建筑装饰设计，在公共空间艺术设计中发挥优势。在土木工程研究单位协助下整理数据开发成为智力玩具，采用现代注塑工艺将榫卯结构智慧的设计原理通过的玩具的形式介绍给大家，传播广西民族地区建筑设计的智慧。既可作为具有民族特色的精美礼品又可利用本产品富有知识性、艺术性、挑战性和动手参与的特点，可以按不同年龄段出品不同的组件，并考虑到与其他系列产品相衔接。3、各类民族剪纸、刺绣、编制的民族图案形式与工艺与现代服饰设计，包装设计、鞋类、包类、丝巾等设计结合，在此方面云南、贵州等高校的研究成果频繁活跃在全国各类专业博览会与专业大赛中。可以在旅游管理研究单位的协助下打造有地域特色的民族旅游产品依托桂林发达的旅游商品集散地优势形成民族品牌，积极探索在广西地区实现利用本土民族文化资源开发现代文化产品的有效途径与开发模式，形成具有推广价值的经验文本，扩大研究成果的社会效益和经济效益。4、民族金银加工技艺和产品设计相结合，金属材料工程研究单位的协助下可以共同设计开发实用旅游产品如:时尚珠宝首饰设计、钢笔、zippo火机、便携金属酒壶酒杯等。国际著名时尚品牌爱马仕设计团队曾来广西柳州博物馆考察收集广西少数民族工艺品设计思路与原理开发符合中国市场的高端时尚产品。通过产品开发与销售，形成具有广西民族特色的系列化产品，并注册产品外观设计专利和技术工艺革新发明专利，实现企业产值提升，扩大其在国内外的影响力和知名度。上述项目得以实施开展可以形成一支横跨多学科的优秀教学团队，形成系列专著、教材、发明专利等，研究成果可以转化为经济价，在广西艺术教育届有一定的推广性，能起到带头、示范作用。

六、结语

工艺美术教育的办学特色是工艺美术教育发展的方向，应在实践中有意的强化教育思想意识，只有院校间设计教育思想各具特色、拉开距离，多元化的设计艺术教育格局才能形成。工艺美术的现代设计应该是对民族传统文化的传承。我们必须明白现代工艺美术设计中民族传统文化在的重要性，找到两者之间的切合点，传承是美德也是生命的源泉所在。民族传统文化是我国的精髓，发展了五千年仍然有着绚丽的色彩，作为祖先留给我们的宝贵财富，我们要让它在现代工艺美术教育中体现它的价值。

参考文献：

[1]夏燕靖《对我国高校艺术设计本科专业课程结构的探讨》[J]南京艺术学院学位论文2006.12

工艺美术与现代设计范文篇12

【关键词】传统工艺美术；现代生活；艺术特色；应用分析

随着现代化步伐的加快，传统的工艺美术不仅仅是以手工艺技巧制成并具有一定审美价值的艺术品，而是向着艺术与现代相结合，即艺术品实用化的方向发展。传统工艺美术类别丰富，有工艺绘画、艺术纺织、工艺篆刻等，其所表现出的造型美、气势美、严谨美不仅具有民族特色，对现代工艺美术的发展也产生了积极的影响。如今，传统工艺美术使现代生活越来越多元化，受此影响的平面设计、工业设计、室内装饰设计等都表现出独特的艺术审美价值和实用价值，而现代生活在其影响下，无论是审美取向还是物质实用性都有着较大的改变。从这一视角出发，有利于传统工艺美术走可持续发展的道路。

一、传统工艺美术概述

中国传统工艺美术的历史悠久，拥有大量优秀的工艺美术典范代表，如商周时期的青铜器、唐宋时期的瓷器、元代青花等，在中国传统的艺术发展史上有着重要的地位，而这些传统工艺美术的典范代表所表现出的特征和艺术特点在影响现代工艺美术的同时，也提升了现代人们的生活品味。

（一）传统工艺美术的特征

传统工艺美术在不同的历史时期有着不同的艺术特征，虽不尽相同、纷繁复杂，但总体观之，都展现出了和谐的民族审美、文化思想和艺术风格等。中国幅员辽阔、地理环境复杂，在这一背景下，传统的工艺美术作品体现出了明显的地域性特征。地域性特征下的工艺美术由于受所处环境、生活和生产方式的影响，其造物方式以及审美方式也有所不同。如湘绣主要以丝绒线绣花，构图严谨、色彩秀丽；苏绣针法灵活、构思巧妙、色彩清雅；蜀绣则针法灵巧多变、严谨精密。正是由于所处环境不同，刺绣工艺展现出了各自的独特性。独特的审美性是传统工艺美术的又一个特征。传统的工艺作品在创作时包含着人们对美好生活的希冀，以不同的主题表达美好的情怀。情怀的表达需要作品的完美呈现，传统工艺美术作品的独特之处又在于其利用独特的色彩搭配表现作品的生命力，如色彩艳丽的五彩瓷、绚丽夺目的景泰蓝、五彩斑斓的民间年画、光彩夺目的刺绣等，在体现了独特性特征的同时，也表现了中华民族传统的美学内涵。人本精神是传统工艺美术的另一个重要特征。人本精神观照下的传统工艺美术作品具有浓厚的人文气息和历史厚重感，无论是多变的器物造型，还是丰富变幻的色彩，抑或是灵活善变的纹路，都象征性地蕴含着传统的伦理观念和文化内涵。

（二）传统工艺美术的艺术内涵

在中国传统社会大环境的影响下，传统工艺美术作品始终摆脱不了对时代精神和情感意念的表达。受中国传统“天人合一”思想的影响，传统的工艺美术作品并不受现实的拘泥与羁绊，作品本身往往散发着高度的和谐统一。在传统工艺美术品制作、生产的过程中，借鉴和吸收了传统文学思想的主题表达形式，即双关、抽象、夸张、变形等手法对作品加以诠释。如大家所熟悉的传统工艺作品——商周时期的青铜器，其造型中的饕餮纹以夸张的五官表现怪兽的狞恶；为了突出主题和艺术特点，四大刺绣在针法、色彩、图案等方面多采用呼应、变形或抽象的表达方式；编织工艺在编织技法上利用经纬交叉、粗细对比的手法实现虚实相生的浮雕状，在色彩上，以色彩间的相互对比和衬托表现典雅、朴素的艺术特色。总之，中国传统工艺美术作品受社会多方面的影响，不再是简单的艺术作品，其中包含着独特民族文化内涵，具有审美和文化的双重性。

二、传统工艺美术作品在现代生活中的应用表现

传统需要与现代结合才能得以传承，现代作品也能借此展现出旺盛的生命力。随着社会的发展和生活水平的提高以及人们审美观念的变化，传统工艺美术逐渐受到人们的重视，被广泛应用到社会生活的各个方面，并对人们现代生活产生了一定的作用。

（一）传统工艺美术与室内装饰设计

室内装饰设计从传统工艺美术获得材料资源和设计灵感，使形式广泛、内容丰富的传统工艺美术得到充分利用的同时，也被赋予了深层次的文化内涵，改善了人们的生活质量。传统工艺美术与室内装饰设计不是简单地互相堆砌，而是将传统工艺美术的材料、技法、文化内涵与现代元素相结合，同时又不失传统工艺美术的美感。以南京金陵湖滨饭店的总统套房为例，其陈设独具匠心，采用主题和母体相互烘托的表现方式，其中的主题屏风图案采用了昭陵的六骏浮雕石刻，母体则是以十件造型各异的景德镇官窑青花瓷器加以表现，整个装饰既提高了品位，又蕴含着浓厚的人文气息。而在普通家居装饰设计中，传统工艺美术在符合室内装饰格局的同时，更注重绿色与环保方面的需求。现代设计师在室内装饰设计过程中加入了传统瓷器元素，一方面具有装饰作用，与主题相呼应；另一方面与绿色植物的搭配使其不失美感的同时又突出了绿色理念。除此之外，传统工艺美术作品中的纹路样式也是室内装饰设计常常使用的元素。传统工艺美术作品中的纹路形式多样，可适应不同主题的室内设计，如室内装饰中设计摆放有喜字纹样式的木质家具，不仅具有美好的象征意义也具有艺术美感。此外，以壁纸为表现载体的设计方式将纹路艺术化，赋予室内装饰不同的风格。从现代装饰设计的发展来看，现代人们对传统工艺美术中编织工艺有所偏爱，常在室内装饰中加入传统的编织工艺，如具有民族气息的四大名绣，增添了室内装饰的民族韵味；又如仁安悦榕庄对色泽鲜艳、纹路多变的藏毯的运用，增添了浓厚的民族风情，同时与现代元素的融合又毫无违和感，尽显朴素和大气。因此，种类丰富、风格多样的传统工艺美术应用在室内设计中，既使其彰显了美感，又对人们的生活质量和精神境界产生了一定的影响。

（二）传统工艺美术与现代平面设计

传统工艺美术在现代生活中的作用主要通过现代艺术形式加以体现，基于传统工艺美术的现代平面设计对人们的审美取向、价值定位都产生了影响。传统工艺美术中的剪纸、年画、皮影、刺绣、版画等与现代平面设计具有许多相似之处，设计者可以从中获得灵感来源，为平面设计发展提供良好的经验。传统工艺美术在现代平面设计中的应用十分广泛，如华夏银行的标志取材于红山文化中的玉龙造型，王府井饭店的标志纹路来自传统工艺美术中的吉祥纹。由此不难发现，现代平面设计中的传统元素多广泛应用在宣传上，现代平面设计风格多样、灵活多变，而传统工艺美术中的丰富元素则为其提供了广泛的素材和灵感来源。面向大众的平面设计形式多样，如来源于丝绸质感的设计使平面更富有光泽和质感，颇受女性群体的喜爱；节假日贺卡对传统纹饰形态的运用；现代包装设计对泥塑和陶瓷花纹的运用，体现出独特的民族风情和传统文化特色。总而言之，现代平面设计将传统工艺美术元素融入其中，丰富了人们的生活，满足了人们的审美需求。

（三）传统工艺美术与现代工业设计

现代工业设计受传统工艺美术的启发，将传统与现代相结合，既满足了大众的物质需要，也符合大众的精神文化需求。当下，工业设计在产品的定位上存在偏差，对工业设计的认识不足导致产品不能被大众所认同和接受，因此失去了民族性和文化内涵的工业设计无法在市场上立足，更不能为大众接受。传统工艺美术悠久的发展历史造就了其包罗万象的物质内涵和精神文化，对现代工业设计的影响体现在方方面面。首先，受传统工艺美术的影响，现代工业设计的物质形态和精神内涵统一了起来。例如，2008年北京奥运会的火炬设计，外部造型来源于中国四大发明之一的造纸工艺，其中的祥云图案则赋予了美好的寓意，下端的漆红色则来自汉代，立体式浮雕设计使火炬显得高雅、厚重。这些传统工艺美术元素的加入，使工业设计具有明显的民族特色和精神内涵。其次，传统工艺美术所包含的传统内涵是现代工业设计精益求精的动力，同时对现代生活具有精神层面的指导作用。无论是商周时期纹饰精美的青铜器、汉代鎏金漆器，还是明朝的家具都在制作水平上有着严格的要求，其所包含的“天人合一”的造物理念使现代工业设计更加注重实用性与审美性。

三、传统工艺美术对现代社会生活的意义

传统工艺美术是一门将材料、审美、工艺、技法、文化充分融合的艺术，它不仅满足了人们对物质使用的需求，还满足了人们对艺术的欣赏和追求。传统工艺美术在现代社会生活中的广泛应用，有利于其传承与发展。传统工艺美术作品是中国宝贵的文化遗产，现代社会生活对传统工艺美术的重视有利于引起人们的重视，促进非物质文化遗产的保护。现代社会生活因传统工艺美术而具有丰富的内涵，传统工艺美术不仅仅是简单的艺术作品，更多的是承载了民族的艺术元素和精神实质，从相关艺术实践活动到大众审美都自觉或不自觉地受到了熏陶，因此，社会的艺术设计之路得到长远发展，人们生活水平得到了提高。

结语

综上所述，传统工艺美术具有独特的艺术特征和十分丰富的艺术内涵，历经时代的大潮，仍然对今天社会生活的各个方面具有借鉴意义。现代生活对传统工艺美术的重视并不是单纯的对商业利益的追求，而是将传统具有借鉴价值的元素与现代生活相结合，从而在使传统工艺美术得到传承的同时，丰富了社会文化底蕴。

参考文献：

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[2]梅建军.传统工艺美术在现代平面设计中的应用[J].美术教育研究，2015（06）.

[3]柳默.浅谈中国传统工艺美术在现代工业设计中的运用[J].大众文艺，2016（01）.

[4]葛晓明.传统工艺美术对室内装饰设计的影响和应用[J].美术教育研究，2016（10）.