美术素描基本知识篇1

【关键词】美术素描教学学生能力培养

素描是一切美术造型的基础,只有掌握正确的方法,进行严格系统的训练才能达到逐步提高的目的。学生在基础素描的学习训练过程中,会产生许多阶段性的问题,而且每一位学生由于基础与天性的差异,所表现出来的问题又是不尽相同的。美术教师在素描教学中如何将教师的“教”转化为学生自主、有效的“学”,使学生由“学会”转化为“会用”,并能在教师的作画影响下逐渐形成个人的创造风格,最终形成自己的表达语言,已成为目前素描教学中急需解决的根本问题。那么作为初中美术老师应当怎样进行美术素描教学呢?下面结合教学实践谈谈自己的看法。

一、素描教学是基础教学,应以掌握好基础知识和技能为目的

素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的,即要达到基础训练所必须具备的各项要求,掌握好基础知识和技能。同时,又应指导学生以客观物象为依据,表现物象的真实,以写实的手法表现对物象的真实感受。不管什么风格的基础素描,它的基本要求是一致的,只是对素描造型要素各有不同的侧重而已。在基础素描教学中应本着现实主义的原则,要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据,在教师的指导下,让学生根据对物象的认识和感受,艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客现物象并受制于客观物象,所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。

二、素描基础教学应抓住轮廓准确和注意整体两个环节

这两个环节是:轮廓准确和注意整体。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。第一阶段打轮廓时能做到构图恰当、比例准确、要点鲜明、形象明了,就应该说是轮廓准确了。在素描训练过程中,应要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确,特别是要求学生不要迁就轮廓的错误,那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病,就不能获得物象结构的知识,就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷。

注意整体是观察物象和处理画面的一种方法,这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。教师在向学生讲授技法时,要重视引导学生学会正确观察物象的方法。整体观察是造型艺术的根本法则,它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内,在处理局部时能否考虑到整体,是教师在教学中需要不断提示和强调的重要方面,要让学生养成自觉地进行整体观察的习惯。

三、遵循“由浅入深,由表及里,由简到繁,循序渐进”的原则进行素描训练

在不断循序渐进和适当重复的过程中,才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能,得心应手地表现各种环境下的复杂事物。为了打好坚实的基础,习作应以长期作业为主,这样便于领会教师的指导,便于深入理解,反复校正和进行探索,教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性,对各种不良倾向要及时加以纠正。同时,也要布置一些短期作业作为辅助,使写生与构图相结合,记忆、想象和速写相结合,以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度,取决于艺术修养和技术水平的高低。因此,教师对学生的“画外功夫”要正确引导,鼓励学生多掌握一些课外知识,如文学、美学、历史等方面的知识,使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程,以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面,开扩眼界,有助于提高绘画水平。

四、素描训练要求学生善始善终

有的学生开始画的时候积极性很高,新鲜感强,观察力也比较敏锐,但经过一段时间后,观察力多少有些迟钝,不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成,时间一长就有种画烦了的感觉。这时,教师应及时提醒学生,不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰,而应认真对待,感到有不妥当的地方,一定要找出原因,下决心把它修改过来。调整修改应本着整体的原则,反复分析研究,反复比较,理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果,找出画面与物象之间的差距,检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确,质量、空间关系是否恰当,主次虚实是否有序。这些因素的调整,主要是想通过反复的校对和比较,能够更深入地研究对象和表现对象。要求表现就是要讲究线条,讲究黑、白、灰,讲究概括,讲究画面的构成和组织,要力求形神兼备,要像写文章那样讲究文采,像戏剧那样讲究韵味。要通过表现使素描基本功成为创作性的艺术活动。

美术素描基本知识篇2

关键词：造型基础科学美学真实想象创造

国门开放后，凡见到书市上来自不同国家的素描教科书，笔者必买无疑。时间久了，手头积累的多是美国的教材。阅读初始，凭直觉感到有一种信息的阻隔，发觉这是一类同我们有很大差异的体系，虽然同样是在教室内对物写生，然而在教学目的、要求和方法及评价标准却有与我们截然不同的态度和立场。展示的学生习作，其表现内容大同小异，但风格样式、造型观念与我国具象造型的“标准模式”相比，除写实功力略为逊色之外，其表现的“多义”性和“象征”性及画面在二维和三维空间的共存与转换，时常挑战笔者的视觉经验与神经，释放出一种特殊的艺术能量。让人感受到素描基础教学还能具备另一层面的重要意义和内涵。笔者想以美国的素描教学体系为参照，重新考证造型基础教学中的本质意义及价值观，以深入理解素描教学的目的及规律，对于当前深入艺术教育教学改革具有一定的现实意义。以下论述鉴于我国学院教学历来具有传统美学的特征，故称为“传统教学模式”，美国现当代学院教学具有现代美学特征，故称为“现代教学模式”。

一、关于认识形式

意大利哲学家克鲁斯认为，世界上有两种认识形式：①逻辑形式，它包括各方面的概念并且存在于思维能力中；②直觉形式，它包含各种各样的情感，并且存在于想象能力中。Www.133229.COm逻辑认识是一种哲学，它才是真正的科学。直觉认识是一种艺术，而美学则是一门有关直觉及艺术的科学，它完全独立于哲学、实用学和道德而存在。

20世纪50年代，我国的学院美术教育在前苏联学科结构主义思潮影响下，强调科学知识和理智训练的价值要高于一般生活经验和能力的价值。为培养写实造型能力，建立了一套在全面研究实物基础上以透视学、解剖学为科学依据的教学体系，作为学科的基础。素描教学的任务就是以研究、认识和表现形体的物质形象为出发点，把观察对象这一立体特征放在具体的光线、环境及透视关系中去考察和比较；在主体与视觉对象之间，认为美来自自然，理想的美体现了秩序美的原理。绘画必须遵从这些美的规则。正如契斯恰科夫所言：不要担心素描美不美，要不断地注视实物，而不是注意铅笔，不管线条勾得怎样，如果它勾得逼真，那它就是美丽的。由此看来，美感是有其客观标准的。为了正确地表达，学习者只能在看的过程中，将直觉搁置一边，强迫自己在视觉对象上寻找或把握有关透视、解剖、结构及明暗等关系。为了强化形体，必须努力减弱对平面形和线条的直觉感受。正如契斯恰科夫在教科书中所指出的：“不是画线条的曲折，而是画由曲线构成的形体。”“无论是谁，要是他看不出形体就不可能画出正确的线条。”①总之，传统教学对待素描教学是这样一个观点：从学习认识的角度看，素描就是认识视觉对象和积累专业知识的一种手段，初学者必须牺牲个人的直觉感受而进入“正确的轨道”。

现代素描教学以强化视觉艺术语言的思维训练为出发点，把人对客观真实的感受看作是从感官—知觉—思维的有机变化过程，感受的输出，即表现。是知觉因素反应于物质因素表达思维情感的创造过程，因此素描的表现不再局限于对客观真实的理性思考，还包括以拟情的态度于视觉对象的形状与特征，以抒发情感和人格心象的超写实，或以自己的感觉作为表现的素材，反映其个人的主观意识，人称为表现主义手法。美国伯特·多德森在《素描的诀窍》一书中强调：“为了让事物到位，我们就会根据自己的认识来绘画，而不是自己的观察，这便是我们受到的诱惑。抵抗这种诱惑是很重要的，通过观察进行绘画是为了捕捉丰富多样的视觉经验，在作画时，我们应当装作对所画物一无所知，只根据眼睛所观察到的直觉去画，至少应该暂时如此，这是使作品栩栩如生的诀窍。”他指出：“无视常识，而按照眼睛所见进行作画这需要勇气。有人问：你画的是马，还是牛？回答：我们画的不是事物，而是线条，为了把看见的物体再现到纸上，就要把看见的事物转化成一种有用的语言，我们称这种语言为线条语言。”②从书中我们可以看到线条的运动起伏回转，赋予了视觉形象以神奇的魅力，事物的自然属性退到了第二位成了线条的载体，展示给人的是超出常识之外的美的享受。现代素描教学要求学生在写生观察中依赖视觉的直接经验，用造型的眼光捕捉视觉信息，包括物质的、情感的，做出选择和处理。造型的基本原则不单指对物质结构的表述，而是在视觉要素的形式组合中，如何体现统一平衡、对比、重复、节奏、韵体、张力等形式法则的运用。约瑟夫·穆格奈尼在《美国当代素描教学》一书中论述了画面之中存在的三个潜在要素：物质因素、知觉因素、观念因素，三者中物质因素指的是被运用的媒介材料到工具，知觉因素则来自人的视觉能力、处理具体形象的才能，而观念因素则是由人的处理抽象概念的能力决定的，涉及作品风格的评价包括作品内在情感与智慧因素的评价，而观念因素像知觉因素一样只有通过物质因素的手段才能被现实化。从中我们可以看到现代素描教学重视艺术思维的知觉表达，使得视觉语言功能不断延伸，由此学习者个人的知觉潜能在教育的作用下得到发展。正如阿恩海姆在《视觉思维》一书中所言：“最紧要的是要把系统的视觉训练看作是一个教育工作者做好自己工作的必不可少的一部分，一幅能够说明问题的图画和一幅不能说明问题的图画之间是有很大区别的，但只有那些对感性形式的本能反应能力得到开发和训练的人才能看出这种区别。”③

二、课程与教学

造型基础教学通常是通过课堂写生来组织实施的，教学目的决定着教学要求和方法的选择，直接制约着学习者在造型实践中进行有目的的思考和表现。

传统教学对学习者的基本要求是：学会有意识地观察和正确的表现，贯穿在步骤中的原则是：在整体观照下作局部的描绘，整体—局部—整体的观察方法被强调为科学的、辩证的观察方法。与观察方法相对应的是三维立体空间的表现；比例、体面、虚实、结构、色调等关系，通过比较——比较——再比较的观察过程，运用面造型的手段，完成“处在空间中的物体”的主题表现。这样的标准样式为“全因素素描”，其严格的作画程序，控制着分析思维的深入发展。评判一张素描的优劣，要看它是否严谨，有没有质量感和深度。在写生中，模特在学生眼里几乎被看成模型，视觉的感知本能逐步退化，需要大量的速写来平衡恢复。通常写实能力的培养需要经过长期深入的磨炼，而转化成本能或习惯性思维方式，教学的阶段性是根据不同的表现内容来划分的：几何形体组合、静物、头像、半身像、人体、全身肖像，基本以长期作业为主，为了练就塑造功力，每张作业约在四至十几小时甚至更长。今天我们从艺术造型的角度不难看出，一套理论、一种规范的建立，同它的好处看，与之俱来的是它的局限性；造型基础的理论为“真实再现”提供了表现三维空间的办法和规范，但也同时牺牲了平面性及相关造型因素的发挥。样式单一、形象雷同、概念化，已成为传统素描教学中的通病。

出于对传统教学的反思，现代教学认为培养和发展敏锐的视觉感受能力是教学成功与否的关键，美国的贝蒂·爱德华教授在《新素描》一书中从思维科学和视知觉的角度出发，对如何更科学地进行素描教学，如何更有效地使素描的形象语言作用于创造性思维进行了研究，她说：“必须首先学会素描所需要的感知技巧，当他们掌握了这些基本技巧后，就如同掌握了文字和数字运用技巧一样，自由而广泛地运用。值得提出的是，每个人都能够也有必要利用感知技能来增进我们的思维。”④为了平衡左右半脑两个不同的思维模式，贝蒂·爱德华在教学中设计的有关感性技能训练的特殊办法是：（1）进行左右空间形象转换的造型训练；（2）上、下空间形象倒置的造型训练；（3）正负空间形象置换的造型训练；（4）意笔造型训练。此类训练模式在其他教科书中也有出现。

现代素描教学在现代美学思想的影响下，把美和艺术视为个人情感的主观表现。要求学习者在掌握造型知识及规律的基础上，把美学研究和哲学研究的注意力从外在本质，转移到主观和形式的方面，学会创造性地运用造型要素，反对墨守成规或重复前人的体系，不断创造新的形式，以丰富个人的视觉感受，开拓艺术表现的审美领域。

斯图瓦特·珀塞编著的《现代素描技法》就突出了造型训练的多种模式：集实物造型、平面造型为一体。他将与造型相关的各种表现技巧训练分解为许多小的教学单元，各单元目标相对单纯，如姿势素描——每张作业20秒，要求学生快速反应，用意笔表现人体动态；书法式素描——重点体会笔触的意象；轮廓素描——运用勾勒技法表现准确轮廓，强化对外形的感性认识，交叠人体——将一个人体重复排列交叠，以创造多样统一性；反向素描——训练感知技能，纠正概念造型；关系素描——体现矛盾空间在画面中作用；环境素描——表现情调和明暗关系。此外还有透视、结构、轮廓素描等等。大部分作业都在10—20分钟之间完成。在各类素描课题进行中还穿插了各种工具媒介的表现技法。珀塞多次强调形式在造型中的意义，他认为：“必须突出创造性，可以对形体、形状、线条、明暗关系或空间任意作变形或画得不准确，但这些变形和歪曲是用来在人体的形体之间和形体的间隔之间造成‘有趣而有意义’的关系。如果不是严格按照现实主义的创作方法，而是按照抽象或半抽象创作方法去画素描，学生就会想到更多的创造性的指导性原则，当他越是表现出创造性时，他就越是能够在空间和形体关系的转换上自由地进行实验。”⑤珀塞的造型训练相对来说是一个观照画面的、广义的造型范畴。高年级的素描课程则要求学习者应用素描的语言创造主题系列的画面，表现方式可谓不择手段：有素描加摄影，或素描和转印，照片、压印浮雕、拼贴等等。每一主题要求用四至六个画面来表现，形式不限。这些主题来自生活的许多平淡的话题：如《男孩——女孩系列》《我的轿车》《谈话的人系列》《窗子和椅子》，从中可看到他们熟练运用形式法则、表达思维、超现实主义的表现技法。多样化的表现引导他们发挥出了崭新的思想概念。

三、动态与过渡

传统素描和现代素描在表现主题和表现形式的侧重方面各自有不同的立场和看法。传统素描从美学的意义上，强调一种古典主义的真实观和艺术理想，因此表现事物的传统手段以引起三度空间“视错觉”的相应手法就显得至关重要。从艺术作品中内容和形式的二重性关系来看，形式是为主题服务的，因此形式的表现具有封闭性、局限性。现代素描在主题表达上则不总是考虑“似与不似”的问题，而重视表现观念和所表现事物的意义。就像我们越来越频繁地看到来自当代文化中的图像画面一样，素描也可被用来表达与物质空间毫无关系的概念。这样的素描可能是图解式的，意在表现画家想要建立的概念。主题内容的隐蔽性和多义性，就使得形式的表现具有无限的延伸可能，并突出了语义化的功能。今天我们从艺术成长的角度来看素描教学的意义；一味强调要严格恪守素描的合理画法，已经使得许多年轻的学习者无法发挥其潜力，艺术的发展说明了这样一个真理：艺术的力量在于个别艺术家在创作活动中的才能，而不是仅仅通过逻辑推理去寻求真理。物质文明的高度发展，必然引领艺术家通过画面寻求精神层面的意义和内涵。今天艺术造型的多材质、多媒介，模糊了美术学科中各门类的界限，形成了艺术创作中各学科交融互补的趋势。当前，我国学院的艺术教育正处在由传统形态过渡到现代形态之间的中间状态，学科本位的局面正在被打破。改革开放近30年，学院体系内的教育教学改革一直就没有中断过，教学中的变革是审慎而深入的。把传统素描教学中写生造型能力的培养拓宽成为包括对形、色、质在内的绘画基本形式要素的构成与表现的研究。对这些绘画中最普遍和最基本的规律的认识，是素描教学最基本的内容。这种侧重于绘画规律的研究教学，有助于学生在对传统和现当代艺术的现象进行分析后，能以较宽阔的视野来面对自我的创作实践，为他们个人创造潜能的发挥提供了较为宽广的可能。

现代教育是面向大多数人的教育，它强调对人、对人性的承认和尊重。人性是艺术的基础，艺术同人的意识是分不开的，艺术是人类生命力和想象力的源泉，因此，艺术的教育应该被构想为美学的教育。艺术是一种理性的力量，是将有生命力的事物持续不断地转换成生命中光辉形象的过程。这是因为人类具有创造形象的天赋。在艺术领域里，变是通理，艺术的探索将无止境。

注释：

①阿列克塞耶娃编.素描教学（前苏联）.人民美术出版社，1958.第2页.

②伯特·多德森.素描的诀窍（美）.上海人民美术出版社，2001.11.第16页.

③阿恩海姆.视觉思维（美），四川人民出版社，1998.第422页.

美术素描基本知识篇3

素描教学不纯粹是素描（造型）技能训练，还要培养学生的审美意识及对物象美的感受，培养和爱护学生的艺术个性，发挥其主动性和独创性。在素描教学中，除了临摹和分析经典作品，更要让学生掌握分析—吸收—转化—运用”的素描学习方法，并完善教师和学生的自我评价体系。

[关键词]

素描；教学；改革；造型；趣味

[基金项目]

2012年广西新世纪教改项目广西高校美术学专业基础课程教学效果评价系统研究”（2012JGA116）。

一、认识素描

在传统艺术中素描是造型训练的重要基础和艺术创作的必要准备，其本身也是一种特色鲜明的艺术表现形式，被称作造型的精髓”绘画的根柢”。托马斯•吕辰格指出：素描对于艺术训练来说是一门主课，是从艺者必不可缺的基本功，对于画家则是始终需要探索的课题，素描的研究，贯串于一个艺术家的一生。”[1（]p1）素描的重要性不言而喻。而在当今高等院校素描教学中，依然存在一些认识上的误区，对素描的基础性的认识也存在偏差。因此有必要从厘清对素描的认识入手，深化素描教学改革。现在常把素描定义为以单色进行造型的绘画形式”。从原始的洞窟壁画、崖画和器物纹饰，可以看到人类的祖先很早便具备造型的本能，并且在他们生活环境中提取、创造了许多极为生动的艺术形象。随着时代的变迁，素描与其他形式的绘画一样发展壮大，涌现出许多杰出的艺术家。素描是造型的基础，对于认识和理解客观对象、培养观察方式、锤炼艺术语言和探索艺术规律，具有重要意义。在素描学习中有两种类型的素描有必要重点介绍。一种是带有研究性质的素描———研究性素描，也称习作性素描”。它的主要任务是对物象作深入细致的全面研究。为了充分理解、认识观察对象，可以抽取对象的某一片段或局部作为研究的切入点。它并不要求画面的完整程度、物象的美观或技法的圆熟，而纯粹通过实践训练，锻炼自己的观察方式和表现方式。这类习作，要求反复多次的训练，以求达到对造型结构基本规律的透彻理解和熟练掌握，使素描行为逐渐成为学习者潜意识的一部分，从而在表现对象时驾轻就熟、得心应手。另外一种是注重表现性的表现性素描，是研究者在明确的表现意图下，在充分理解和把握对象的基础上，满怀激情地把对象概括、生动表现出来的素描创造活动。我们可以在技法方面作某些探索和创新，也可以在质感材料上作某种尝试。研究者运用这类素描，往往会倾注较多个人情感，并探索独特的艺术语言和手法，创造更具欣赏价值的艺术作品。

二、素描教学是艺术教育的基础课程

从前辈画家的艺术历程可以看出，往往是素描形式上的突破带来创作形式上的创新，而任何一种艺术形式风格的贫乏，往往由于缺乏素描功力所造成。”[1（]p1）素描是造型的基础，与各类型绘画形式的发展有着密切联系，往往与其互为补充和促进。素描的观察方式、思维方法和表现技术很明显地影响着诸如油画、版画、水彩、雕塑等艺术形式的创作风格，不同的素描表现方法也导致了不同的绘画形式和画面效果。风格是个性的表现，是艺术成熟的标志，学生能从经典艺术作品中明确辨识不同的艺术面貌和艺术家，正是依赖于不同的艺术风格。素描教学的目的，便包含一个学艺者在面对自然形态的时候如何观察、如何思考、如何加以表达的问题。素描教学不纯粹是素描技能训练，它还要求培养学生的审美意识及对物象美的感受，培养和爱护学生的艺术个性，发挥其主动性和独创性。借素描课程所培养的观察方式、思维方式和表现方式，举一反三，在其他艺术门类的学习中继续探索和发展，以达到事半功倍的教学效果。从这个意义上说，艺术院校的素描课程是其他艺术门类课程的基础。

三、掌握分析—吸收—转化—运用”的素描学习方法

素描表现是从感觉经理性思维到创造的过程。从观察对象到表现对象，不仅仅凭借单纯的直观或知觉机械的再现对象，更重要的是需要理性的思维与理解。艺术上所说的观察”与普通人的观看”，是有本质区别的。观察”包含对自然物象的选择、判断、删减以及作者的想象，并且进一步研究和把握对象的内部规律和内在本质。抓住本质就能由此及彼、由表及里不断地发掘艺术个性。从经典作品中我们可以看到极富个性的绘画语言，它们或表达画家个人的情绪，或表现对象的质感，或创造一种新的节奏、韵律，这种语言风格都是画家在写生、创作的研究中有意识形成的。在艺术的道路上寻找个人风格，是每个艺术家和艺术专业学生都要经历的过程。在素描教学中，只是分析经典作品是不够的，如果没有一个既定的教学路径，学生很可能会忽略大师经典作品中的关键元素。为了让学生有效吸收经典作品中的绘画元素，并能很好地转化为自己的手段，运用到自己的写生或创作作品中去，要使其明了作者对画面语言（点、线、面、构图、肌理、黑白处理等）的应用及画面的处理，学以致用，以完成分析经典作品—吸收经典知识—转化为内在认知—运用到自身创作”的学习过程。这个过程与德国教育学家克拉夫基所开创的范例教学模式有相似之处。这种主要通过典型案例教学举一反三的范例教学模式，其基本程序为直观的范例分析—获得典型知识—上升为规律认识—获得关于世界的关系经验（更为抽象的规律）”。这也与中国传统的授之以渔”的教学观念相类，是最有效的学习方法之一。

四、学会自我评价

一般来讲，高校素描课程教学效果的评价普遍停留在依靠课程教师的实际操作经验及个人艺术修养所达到的总体水平上，评价方式极为主观、不系统。教师不明确教学目标、评价方式，学生也不明所以，造成教学资源的浪费。因此，必须明确素描教学的目的，根据这个既定目标，我们就可以知道如何切入学习点进行教学，也能依此作为评价的标准。学生和教师都可建立评价档案袋”，针对素描教学和学习进行自我评价。比如临摹经典艺术作品，设定总课时数并分成几个阶段，在每个阶段参照评价指标进行自评，确定达到了什么标准，在下阶段还需作哪些努力，等等，这样，学生和教师变都会对学习情况一目了然。学生和教师都可用此表对同一评价对象进行评价，然后互相交换，看看对方的评价与自己的评价区别在哪里，并对分歧点进行讨论。讨论是教师指导学生的过程，也是学生向教师学习的过程，根据实际的评价点进行的讨论更有针对性。当然，这种评价是灵活的，教师可根据自身对知识的理解和学生实际情况制作评价表格，这样更有利于教师知识的系统化，及学生对知识点的理解和把握。

作者：黄光良单位：广西艺术学院美术学院

美术素描基本知识篇4

关键词：美术基础；素描；色彩；构成

在当今的艺术院校课程中，美术基础课程占有较为重要的地位，但是很多同学认为美术基础课程不重要，软件的操作课程更为重要，然而在设计作品中很难看到其艺术品味。曾某知名动漫公司老总说过：“我们认可招收学十年油画的学生也不招收学两年动漫的学生。”可见在大型设计公司中注重的是美术功底，而不是短时间培养出来的“软件人才”。那么这种能力的提高不是短时间能培养出来的，这需要长时间的积累，这积累的过程就是靠美术基础课程培养出来的，是需要长时间的积累才能达到一定的艺术修养。

美术基础课程主要包括素描、色彩、三大构成等课程，下面我主要从这几门课程介绍美术基础课程在设计中的应用。

1.素描是一切造型的基础，是培养学生观察能力、造型能力、创造能力的一种训练。素描主要包括两大类：写实素描和创意素描。写实素描主要是针对客观事物的再现，主要体现其结构关系和黑白灰关系，是训练学生造型能力的根本。例如：在室内设计中，通过学习透视知识和训练学生的观察能力可以在手绘效果图中起到重要的作用，使学生在快速表现上达到准确的效果。通过光影训练使学生完成更好的室内效果图。创意设计素描区别于传统意义的素描学习，不以写实再现为最终目的。写实再现式现代素描以锻练画者的观察能力为主，要求正确观察，忠实再现，讲究严格的形体、结构空间的表达和熟悉的素描技巧。创意素描突出发散性思维意识，强调主观设计性利用素描手段表现独立于主体之外的审美意识，将装饰图案、设计、素描、新材料等因素；叠加处理，形成新式的一种素描样式。不论是传统素描还是设计素描，其共同的前提是从生活中获取自己更独特的感受，用情感将感受包装和美化，利用传统的绘画手段，表达现代社会的发展特征。创意素描主要应用于广告设计中，开拓广告专业学生的创作能力和表现能力。在动漫设计中素描更为重要，其要求学生达到人体解剖准确，创意性强才会更好的应用到今后的设计中。

2.色彩课程中主要包括水粉和水彩两门课程。在现在各大艺术院校中主要课设的是水粉课程，一切的设计都离不开色彩的表现，在水粉或水彩课程中除了教授其颜料特点和绘画技法外还主要教授学生认识色彩，了解颜色，训练学生的观察能力，让学生能观察到除了物体本身具有的固有色以外还有光源色、环境色等诸多颜色的影响，让学生发现大自然中色彩的美。

3.构成类学科主要包括三大构成形式，平面构成、立体构成、色彩构成。构成主义认为，客观世界中的社会现象和自然现象都是杂乱无章的，如果要有序的认识世界就要通过现象掌握内部结构，不能从因果关系，而要从结构上去认识事物，即从结构的整体上去认识世界。所以构成学知识的学习更是学生从简单的绘画跨越到设计的关键一步。

平面构成是二度空间的视觉语法，主要研究的是二维平面中如何创造和表现形象，如何运用点、线、面在二维的平面内解构、打散、合成，最终创造有意义的图形，开发和培养设计者的创新思维。在广告设计中平面构成更为重要，平面构成的基本形式和形式美法则为设计师们提供了创作方法。曾经有一个毕业的06级室内设计的学生，工作了一段时间小有成就，回来以后我们一起讨论构成课在设计中的应用，他说：“他现在设计CAD的时候，看着各个物体的摆放，像是平面构成中的点、线、面，从整体看有一种特别的形式美感。”也正是因为他独具的艺术修养能让他仅工作的两三年中能接到大单子。

色彩构成在各大设计中更为重要，在当今五彩斑斓的世界中，如何让设计师的作品脱颖而出，设计作品给人的第一印象就是色彩，色彩构成课程是训练学生如何掌握色彩规律、正确搭配色彩的专业基础课，是从摹仿色彩过渡到创造色彩、运用色彩理论与实践相结合的课程。在课堂的练习中提高学生审美修养，培养学生的创新和应变能力。将理性的色彩融入到感性的色彩实践中，能够使学生对色彩的感觉有个人喜好升华到自觉的理性观察，从而挖掘学生个性潜力，开发其独特的天赋，为今后专业设计打下坚实的色彩基础。在授课过程中当学到色彩的三个基本属性的时候，色相、明度、纯度好多同学竟然不知道他们的作用是什么，只是知道软件中有这三个是调颜色的，就顺着感觉调了。更大有同学不知道色彩的三原色和互补色，很难想象如果没有色彩知识的学习，他们今后如何面对诸多颜色的设计。

立体构成是一门研究在三维空间中如何将立体造型要素按照一定的原则组合成赋予个性的美的立体形态的学科。整个立体构成的过程是一个分割到组合或组合到分割的过程。任何形态可以还原到点、线、面，而点、线、面又可以组合成任何形态。立体构成的探求包括对材料形、色、质等心理效能的探求和材料强度的探求，加工工艺等物理效能的探求这样几个方面。

软件技术的培养通过几个月的学习可能运用的特别熟练，而美术基本功的培养是需要长时间积累的，提高艺术修为这样才可以在社会的艺术领域中走的更远。（作者单位：吉林科技职业技术学院）

参考文献：

[1]电脑艺术设计专业美术基础课程设置必要性的探索魏娜前沿2012-01

[2]高职电脑艺术设计专业工作室制教学模式初探李晴南京艺术学院2008-04

[3]美术基础课程在现代艺术设计教育中的角色转换和设定王群山东水利职业学院院刊2010-06

[4]浅析电脑艺术设计中美术基本功的重要性邓少波电影评介2006-10

[5]高职院校电脑艺术设计专业美术课设置的必要性陈平科技信息（科学教研）2007-04

[6]电脑艺术设计实用技巧――电脑美术设计在印刷品创意中的应用张建哲美术大观1996-0

美术素描基本知识篇5

【关键词】中美基础素描教学;教学方法;教学理念

在20世纪初的欧洲和20世纪80年代的中国，艺术家为了反对传统的学院素描对美术教学的垄断，提出了“艺术教学多元化”的概念。此后，随着文化多元化的发展、科学技术的创新，艺术也发展出了新的形式。这些新的形式对学院的教学产生了较大影响，尤其是基础素描教学。一方面，这种传统的基于写实的素描教学体系受到多元艺术观念的冲击；另一方面，基础素描教学还受到体系化发展的应试素描的影响。在多元化的影响下，基础教学应主动与不同的新生艺术方式接轨，运用传统的绘画语言改观应试教育带来的弊端，从而使今天的美术教育能够培养出较全面的人才。

一、中美基础素描教学方法的比较

在基础素描教学研究这一当代主题上，比较研究法具有相当的优势。《比较教育学》一书将“比较法”定义为：“比较法是根据一定的标准，对不同国家或地区的教育制度或实践进行比较研究，找出各国教育的特殊规律和普遍规律的方法。”比较教育的研究方法在教学发展中起到十分重要的作用，它以整个教育领域为研究对象，对当代不同国家和地区的教育进行跨文化比较研究，探讨教育发展规律及特定表现形式，通过借鉴有益经验推动本国或本地区的教育改革和教育研究。通过对不同区域文化背景教育方式的分析，能够从理论与实践双向梳理教学方法，实现教学方法与社会需求的统一；通过掌握教学发展的规律，保持教学内容、方法的先进性。在基础素描教学的发展中，中国的基础素描教学面临两个主要问题：一是对传统教学方法的继承，二是对多元艺术发展的应对。中国基础素描教学体系是基于欧洲传统美术教学的延伸，部分教学体系由欧洲留学人员引进的西方教学方法组成。同时，它还源于20世纪50年代的中苏美术交流，有一部分教师的教学基础是以此时期的俄式素描为主。二者的审美标准都建立在西方写实绘画评判标准之上，在中国美术教学中并存。这是一种将17、18世纪古典艺术审美标准作为标准的基础美术教育体系，教学内容以光影的视觉原理、透视的视知觉为主。通过绘画语言在二维空间上形成三维立体画面效果，是中国基础素描教学的重要教学目标之一。由于历史与文化的原因，美国的教育具有涵盖面广及职业化倾向等特点。美国艺术教育国家标准指出：全体学生不论其背景基础如何、是否具有天赋，甚至残疾与否，都有权享受艺术教育及其提供的丰富内容。在一个科技日益先进、信息日趋复杂的环境中，对复杂信息的感知、阐释、理解和评价的能力成为人才培养的关键。在此种观念指导下，美国艺术专业学生往往并不以成为职业艺术家为目标。在这种情况下，美国的基础素描教学更多是为艺术的初学者提供学习艺术的思路与方法，让学生能够应用简单的绘画材料学习基础的绘画语言。从学校教学的各个环节来看，中国与美国的基础素描教学体系针对的目标人群具有一定差异，但授课方式具有很大的相似性，这是由素描艺术相同的本质决定的。从文化环境来看，多元化的族群文化和科学发展的文化环境对两国的美术教育具有重要影响。在这样的文化环境中，两国的美术教育基础教学既有相似的地方，也有不同的观点。对两国的素描教学进行比较研究，对中国美术教育的创新发展有重要作用。

二、中美基础素描教学在当代的现实问题

本文以北京师范大学“2016中美基础素描教学展暨学术研讨会”为例，通过几个典型的个案研究，探讨中美基础素描教学中的现实问题。同时，通过对现实问题的陈述与剖析，分析当代大学教育中基础素描教学的特征与观念，进而提出解决问题的积极建议。

（一）教学对象的基础比较

中国学生在入学之前几乎都经历过高考美术专业考试的选拔。随着时代变化，高考美术培训班已经从原来的小规模独立培训教学发展为大规模产业化教学。学生临摹的范本从传统的大师之作变为应试中的高分作品。清华大学美术学院基础部副教授陈晓林指出，近年来随着高校艺术专业扩招，考前美术教育迅猛发展，各个考前美术教育机构为提高升学率都加强了培训难度。他们的普遍做法是，把原本大一造型基础课的部分内容前移，充实到考前美术培训中。这一现象直接导致大一新生对大学基础教学内容感到倦怠，甚至有学生调侃说：“感觉大一是上了一回高四。”国内高校本科一年级的素描教学大纲大多将基础素描教学作为造型基础训练的方式方法，强调基本功训练，这在某种程度上与高中美术的学习模式形成对接，几乎是应试美术教学方法的延伸，然而仅强调基本功训练并不能让学生对素描形成正确认知。陈晓林认为，高等教育的素描教学需要从文化审美层面上引导学生，在素描教学中对表现形式的多样性展开探索，并以此为核心、以基本功为手段、以中外艺术发展史为线索，进行深入剖析。现有大纲大多按照难易程度进行划分，陈晓林提出应按照“具象表现—意象表现—抽象表现”三部分对素描教学大纲进行划分，以此适应艺术发展的基本规律。在美国，美术专业学生同样具有模式化、不求甚解的特点。加利福尼亚州富勒顿州立大学教授安德鲁•狄克逊认为，现在的学生观察事物的速度过快，无论出于娱乐的、商业的还是社会的目的，大多学生仅仅获得表面信息，注意力就马上转移了。在观看一幅绘画作品时，学生常常简单地观察画面的主题，并不对图像做深度解读，这种表面化的阅读方式使得学生不能够超越主题的表面看到更深层次的内容，从教育的角度来看，这体现了学习者注意力的缺乏。这是长期快速读取图像形成的一种行为模式，其形成原因是缺乏长时间或者深层次阅读的经验。由于缺乏视觉艺术的教育以及现代技术对人们视觉感知能力的影响，大多数人并不像他们想象的那样能够清晰地看到周围的世界。视觉图像在视网膜上短暂停留，其细节并没有引发大脑的思考，进而使人产生兴趣，除非这个图像产生于特定事件或者特定时刻。安德鲁•狄克逊认为，从观察中学习基础素描的经验对艺术专业学生来说十分重要，其不仅可以作为艺术的专业素质培养方式，这种对视觉经验敏锐性的培养在通才教育中也十分重要。

（二）教学目标的比较

综合性大学与专业美术院校的教学目标具有一定差异。专业美术院校关注对职业艺术家的培养，综合性大学则更多关注美术思维在各个领域的运用。在基础素描教学阶段，由于素描技法和绘画本质的原因，这种差异并不明显。综合性大学为学生提供了大量本专业以外的学科知识，这些知识在很大程度上影响了学生，为他们今后的艺术创造拓宽了思路，甚至为他们跨界到其他领域创造了很好的条件。安德鲁•狄克逊就职的加利福尼亚州富勒顿州立大学是一所大型公立大学。其艺术系的工作室一般提供文学学士学位，其中提供艺术史、教学与艺术学士学位的工作室有陶瓷、工艺品、创意、摄影、绘画、动画、平面设计、插图和雕塑。艺术系有34名全职教师、约1200名主修视觉艺术专业的学生。该大学共拥有四万余名学生，是加州州立大学系统中最大的学校之一，拥有多个合作伙伴，包括洛杉矶娱乐工业和动画专业工作室。其艺术系主修美术专业的学生大多集中在应用美术领域，如设计与动画制作。在这样的教学环境中，素描基础是打开艺术世界的钥匙之一。素描的本质在于静下心来仔细地分析和研究身边的世界。素描基础教学为学生提供了一个静心学习和细心、持续地观察环境的机会，能够帮助他们学会对自己的视觉经验提出问题。从学校的教学结构可以看出，教学对象影响着教师对基础素描教学内容的定位。视觉的表现形式是一种与语言同样重要的表达方法，素描作为视觉语言的一种表现形式，在表达中起着根本性作用。北京师范大学是一所百年老校，美术与设计系在本科教学中注重培养学生掌握美术学的基本理论、基础知识和专业技能，为研究生培养提供优秀生源，为国家企事业单位和艺术机构培养能够从事美术教学、创作、研究等工作的专门人才。

（三）教学内容的比较

美国加利福尼亚拜沃拉大学教授普强森认为，教学中最重要的是培养学生对视觉体验无偏见的态度。普强森曾在西北拿撒勒大学教授素描和油画，学生来自美国各州，如爱达荷、犹他、内华达、俄勒冈、华盛顿和蒙大拿等。这些学生在进入大学之前，几乎没有受到过任何美术方面的训练。普强森教授需要帮助他们了解美国和国际上艺术活动的基本历史与内容，同时还要教授他们最基本的素描和油画基础。拜沃拉大学艺术系的教学重点聚焦于后现代和当代艺术，艺术系的教师与学生很紧密地与洛杉矶地区的艺术家社区保持着联系。在这种情况下，普强森教授的课程根植于写生绘画的历史，以素描课程为主，同时加入与文化相关联的各种艺术实践。拜沃拉大学的众多艺术本科生在毕业后选择到研究生院继续学习，这些研究生院包括克莱芒研究生院、耶鲁大学、芝加哥艺术学院、南加利福尼亚大学、洛杉矶艺术中心学院、厄湾加利福尼亚大学等。毕业生和教师活跃于美国各地的艺术社区里，他们同时又是艺术家、画廊指导等。美国德州拉马尔大学教授克里斯托弗•乔特曼运用素描去解释人体与环境、形体和空间的关系。在素描教学中，学生常有形体不准确的问题，这些问题源于先入为主的思维模式。乔特曼在基础素描课堂上教授学生观测的技能。他认为，素描的终极目标是让学生在观察中理解三维空间中的形体是如何在二维平面上被体现出来。基础观测技能的掌握使学生可以将图像（如照片、图画、广告等）进行运用，并较为准确地将它们转化到自己的作品中。在视觉艺术训练中，绘画是一门基础学科，这是由于绘画过程是一个释义的过程，用大量时间创造一个具有整体感的图像在视觉表达上至关重要。通过主观的绘画手段，素描把观察到的现实转变为形与线的抽象结构，并还原于现实。在素描中，每个创造者都将物体看作某种图像构成因素，并用绘画语言使之相互关联。这种方式摒弃了通常“形态—主题—意义”的思考模式，主题不再是事物内涵的参考，而仅作为观者理解的一部分参与“意义”，图像本身的表达方式给予人们更广阔的思维空间。这可以使人们用不同方式看待周围的一切，并以此来解释、识别和考虑哪些内容在视觉因素中具有表现性特点，而不是对一个抽象主题做简单的联想。有人认为，素描只不过是在观看过程中准确地抄袭和拷贝三维信息，但是在素描的基础学习或进一步表现过程中并非如此。素描需要人们对事物进行主观分析，将画面中具体事物的形象主观抽象化，用素描形式表现画面节奏、动势、氛围，并把这些与所要表达的情感联系起来。素描引导学习者对看到的与想象到的视知觉做出选择性决定和延展性加工，使学习者可以用图像的方式表达创意的初衷或者构想的内容。北京师范大学艺术与传媒学院美术与设计系副教授喻建辉认为，素描教学有两个层次：一是用于教学训练中提高塑造对象的形体、动态和空间关系的绘画能力，二是作为日常记录或创作手稿的方法。他认为，大学本科阶段的素描教学必须要解决三个问题：一是知道什么是好的素描；二是如何去完成一张素描作品；三是如何让素描成为创作的一部分。好的素描可以引发观者的思考，作者会主动在作品中适当隐藏绘画技术，将造型的张力与人物神态作为主体，启发观众思考。相反，过度表现、塑造与主题无关的细节会使人视觉疲劳。优秀的素描抽离了平淡、次要的部分，把有趣的、表现性强的、与主题一致的细节突出放大。这通常不包含个体的作用，面对同样的素描对象，即使每个人的方法一致也不可能画出一模一样的作品。在对素描有正确认识后，学习者对造型的实现需要经过三个关键环节：掌握对形态进行判断与分析的技能—对形象的深度理解和想象—临摹大师并发展自我风格。构图的意义不是简单地将描绘的内容画在画布上，而是赋予表现内容某种含义，其中会涉及焦点透视和光影方面的知识。素描课对静物与石膏几何体的临摹会涉及形态生成与空间变化的关系。人物形体表现是课堂训练的重要环节，从观看到表现技巧，训练过程始终穿插着对大师素描作品的认识和临摹。反复摹写、观看、分析有助于学生提高素描的基本表现技能，从而帮助他们找到自己的独特艺术风格。以人物或动物为题材的素描必须掌握一定的解剖知识，这里的解剖知识与医学上的解剖在认识和理解上是完全不同的。学习解剖知识不仅需要了解人体共性的部分，更要了解由于性别、年龄、生活环境的不同而产生的对比和变化。北京师范大学教授甄巍认为，素描所要解决的问题是极为重要和多元的，且需要深入探讨的。这些多元因素变化的过程有很多，如图形—图像—形象—造型—形体—形态—有实践过程的形态；外部轮廓—曲面的感受—内部结构的分析—理解—意象；工具—材料—媒介—点线面—运动轨迹。素描表现的内容可以是对一个局部几何体面的观察与表现，也可以是对宇宙星空或夸克粒子的描绘与建构。事实上，人们对素描所思甚少。学生往往认为画得精细就是深入，而描画的精细无法代替理解与概括的深入。

（四）教学环境的比较

教学环境包括软硬件师资的教学环境和学习氛围形成的教学环境。克里斯托弗•乔特曼的教学课堂上学生人数常常在10至20人之间，因而教室通常有足够空间容纳这些学生和教学设施。因为学校地处乡村小镇，人们很难在当地买到画材，学生所缴纳的课堂费用一般用于购买美术用品。在较大城市，学生可以在艺术和美工用品店买到各种艺术用品。来自工薪阶层家庭的学生，常常无法负担全部学费或者学习用品，如绘画用品、教科书，甚至是足够的食物。拜沃拉大学是中型规模的私立教会大学，这所大学的艺术系在美术和设计方面为学生提供三项本科学位，拥有200名主修艺术的学生，他们年龄在18至22岁之间。虽然学生大多来自加利福尼亚州，但拜沃拉大学也有相当规模的国际学生，以亚洲留学生为主。艺术系为学生提供各类奖学金、助教金和资助，以帮助他们完成学业。在教学的软硬件方面，美国各学校不尽相同，在中国也有同样情况。有的学生家庭较为富裕，有能力为学生提供较好的学习支持，包括教科书和学习用具的购买，甚至工作室的租赁，同时也有很多学生靠奖学金和助学贷款完成学业。在基础条件方面，中国的软硬件设施基本由学校建设。在学习氛围的环境方面，无论是中国还是美国，大学都各具特点。在克里斯托弗•乔特曼所任教的大学中，白人学生占大多数，其他的还有西裔、非裔、亚裔的美国人，有的学生是家庭中第一代有机会进入大学学习的人。大多数学生没有学习艺术的经历，特别是素描。中国的学生大多在高考前的培训班经历了短期强化训练，在短时间里掌握了一套应试的绘画技巧，甚至是思考模式。在3至4年的素描基础训练中，各个阶段的任课教师也大多带着简易的教学大纲和个人理解去完成教学。学生由于缺乏对素描基础的正确理解，而缺乏学习主动性，这种程式化的学习方式难以适应大学的教学模式和要求。克里斯托弗•乔特曼在教学中，有时会发现非艺术专业的学生比艺术专业的学生更有天赋，很多工作及退休后又重新返回学校的学生令人印象深刻。相比正常学龄的学生，这些年龄大的学生更加成熟，对于艺术批评能够做出理性的回应，也会有更强的自我掌控能力，他们常常画得很好。这样的学生在教学中形成了稳定的团体，他们在整体的教学环境中起到建构稳固优良学习环境的重要作用。安德鲁•狄克逊认为，教学过程包括“环境—细心观察—提出问题”，即建立一个可以让学生静心学习的环境，使其学会细心观察以及对视觉经验提出本质性问题。他的教学目标是帮助学生带着意识与敏感去看周围的世界，并通过素描学习形体最基本的特征，以获得在绘画表达上对审美价值的深刻理解。

三、基于比较研究的基础素描教学理念

通过上述比较研究可以看出，虽然中美学生对素描艺术的理解大同小异，但是由于学校的地域差异和当地经济条件差异，素描教师对基础素描教学的关注点不同，这使得不同任教者强调的观念并不一致。在本次研讨会的讨论中，大多学者认为中国当代基础素描教学主要面临两个问题：一是对高考应试素描基础的反思，二是对人造图像的借鉴和运用。这两个情况是现实存在且将在今后教学中长期存在的。对于这两个问题的解决，笔者有以下三点可行性建议。首先，将“锐化视觉”作为教学的首要环节，通过“锐化”克服应试素描带来的模式化视觉方式。素描教学具有一定的复杂性和挑战性，绘画的过程需要在感知观察物体的特异性和准确度之间掌握微妙的平衡，将物体简化为大的图形和抽象图案。通过绘画方式来理解这个概念是很直接的，如对空间的表达可以通过构图和光影技巧实现。绘画教学涉及的主要思维是非线性的思维方式，以解决画面中的真实性，并分析不同应用方式中的优缺点，进而通过具体的范例与过程推动学生形成视觉与思维的主动认知。其次，对于基础素描的绘画采用主题模式。在基础教学中引入创作的构成因素，不仅需要从形体训练上提供给学生绘画的参考对象，更需要提供能够引发学生思考的空间。如在静物的摆设上进行构图，不仅考虑静物的质感、色彩、构图等画面构成，更要考虑静物在画面中能够引发什么样的思考。最后，在对人造图像的借鉴和运用上应以引导为主。投影仪和照相技术在绘画艺术的发展中始终如影随形，它们辅助画家进行忠实于自然的创作，同时也一直在引发讨论与思考。过去由于条件的限制，照相技术对画面的直接影响有限，而在手机拍摄技术发达的今天，这些照片对基础教学的影响无疑是深刻的。对于这个问题要深究图像的构成根源，不同的观看方式产生了不同的图像，教师在教学设计上可以让学生练习反推，从不同的结果推论出不同的观看方式，再通过电脑技术重建新的图像，从根源上改变图像样式。

结语

美术素描基本知识篇6

论文摘要：素描课程的教学改革要注意基础素描教学理念的探索：在素描基础教育中，在强调学生实践技术训练的同时，还要着力培养学生的艺术观念；在课程开始阶段就应通过鉴赏、研究、分析优秀素描作品等手段强化基础理论知识的教学，决不可重实践而轻理论；要提倡个性的张扬和创新意识，对学生的艺术个性要进行精心引导，决不能机械地为学生制定“依样画葫芦”的标准．

素描是造型艺术的基础.素描练习有利于学生认识和理解客观对象，培养正确的观察方法和表现方法，锤炼艺术语言，提高造型能力.对于每个学生来讲，无论毕业后从事什么工作，素描练习都是必不可少的.意大利文艺复兴时期的艺术巨匠米开朗基罗曾指出:“素描是绘画、雕刻、建筑的最高点，素描是所有绘画种类的渊源和灵魂.”19世纪俄国著名的艺术教育家契斯卡柯夫曾说:“素描是一切的基础，是根基，谁要是不懂得或者不承认这一点，谁就没有立足之地.”

素描既有基础性的一面，也具有单独作为一种绘画方式的另一面，自成它独特的审美价值和文化内涵.在学院美术教育中，素描因为其基础性而占有举足轻重的地位，但是现存的教学模式存在着许多弊端和不足:在教学过程中一味地强调基础，不利于学生创作意识的培养，学生的学习兴趣明显不足甚至认为素描枯燥乏味，教学效果总体上呈下降趋势.造成这种局面的原因主要在于:社会对各个层次、不同专业的美术人才的需求激增，美术教育急速扩张，从而人校新生的总体专业水平有所下降;基础素描课程的课时量有所缩减，教师在学生个体上花费的教学时间明显减少.面对这样的困境，当务之急是对素描课程的教学理念进行调整，拓宽现代基础素描教学的思路，给乏味的基础教学增添活力，使素描能和别的画种一样成为独具特色的情感表达方式，从而使学生通过学习基础素描架构起良好的知识体系.这是构建现代素描教学模式的根本.

1、从艺术素养入手强化学生的艺术观念

在素描基础教育中，在强调学生实践技术训练的同时，还要着力培养学生的艺术观念.传统的素描教育偏重实践而轻理论，只注重学生专业技能的掌握而忽视了学生艺术素质的培养，学生也往往把技术水平作为衡量自身素质的标准，非常漠视理论水平和艺术素养的提高，甚至以为“技术”与“理论”之间是相悖的.过分专注学生的技巧性训练，不利于开阔他们的眼界，容易使他们对一些艺术产生成见甚至抵触和排斥不同类型的绘画形式，导致他们以自己所学到的具象写实和传统理性思维来衡量各种绘画流派从而产生错误.

随着我国教育规模的不断扩大和教育理念的不断更新，技能的获得不再是高等教育的唯一目标，强调培养学生合理知识结构的素质教育成为主流.为了强化学生的艺术观念，教师可以打破教学常规，从源头文化开始，把学生原本需要在素描学习中获得的对审美思想、美学思潮、艺术发展规律、艺术创造的特点的认识，提前到学习的初始阶段或与学习过程并进，使学生一开始就对即将要学习的内容有较为全面的认识，从而能目的明确地进行学习和研究.艺术作为人文学科的一部分，其底部应该由人文学科来支撑.学生在艺术道路上的成长很大程度上需要眼界的开阔，基础课教师应该引导学生在宽广的美术层面上找到一个可以依托的“点”.在素描教学中，教师应该向学生强调艺术理想的实现不能只依靠技能，还需要艺术理论的支撑，更需要文化素养的深厚积淀.

2强化基础理论教学，变“技入道转”为“由理入道”

绘画是一件需要动手的事情，因而很多教师都喜欢在画室里摆静物上课.但是，一些教师极少向学生讲明应怎样观察和表现物体，只是简单地讲一讲“三大面五大调子”，就要学生开始实践.这样，学生由于不知道应该怎样处理画面，往往无所适从，只好迷失于画面中，依葫芦画瓢，照抄对象;由于丧失了自己的主动性，对画面没有控制力，学生对自己的作品也感到茫然，很容易产生学习上的厌倦心理.这种重实践轻理论的教学方式导致学生对于素描的认识就只能停留在感性上.如果在课程开始阶段就通过鉴赏、研究、分析名家和优秀学生的素描作品，把素描的基础理论知识给学生讲解清楚，不但有利于学生加深对作品的理解，而且能使学生对素描逐渐由感性认识上升到理性认识，从而能从更高的角度思考自己的作品，主动地把握画面.边分析作品边讲解理论的教学过程是极有活力的，这种教学有利于培养学生的画面意识、创造性思维能力、形式美的想象感悟能力和创造性地处理视觉信息的能力.

3、注重学生的艺术个性发展

长期以来，基础素描都遵循以写实为主的固定教学模式，整个素描教学偏重于技术技能的训练，忽略了创造性思维和个性发展的因素，从而学生在整个高等教育阶段的素描学习中只知道机械地再现客观事物，无法在画面中加上个人的感受和想象.

个性培养是艺术教育应该达到的目标之一，而艺术个性来源于真实的个人感受，来源于个体对社会、生活、自然的感受和敏锐的洞察力.在素描教学中，学生的作品中常常会不自觉地流露出个性萌芽，尽管这些个性表现得不够稳定，但教师应该及时地把握住学生这种偶发的闪光点，不应该忽视或者是放任自流.在教学过程中，教师应该对学生的艺术个性进行精心引导，决不能机械地为学生制定“依样画葫芦”的标准，否则，就会扼杀学生的艺术个性，学生的素描作品只能成为客观世界的复制品，只能是千人一面、万物一形，而不可能是独具匠心的创作.在高校美术基础教育阶段，学生在练习基本功的同时，还应该自主地对每一种绘画基本要素进行研究，以确立哪些要素能够成为自己的绘画语言，并能将绘画对象转化成为艺术符号，即根据内在需要去描述对象.没有内在的触动，素描习作只能是简单的图像练习，只能是一个模仿对象的过程.