绘本美术教学论文范文

宋代美术教育具备很高的水平。在宋代建国之初，统治者就非常注重文化相关领域的发展，并推行以文治国的理念。而作为文化艺术中的重要组成部分，绘画艺术也受到当时社会领导者们的大力支持。这个时期，美术教育不再仅仅局限于美术的技能练习，而是更加对多元化的文学艺术进行关注，使得美术的艺术视野更加广泛。由于多元化的文学艺术的介入，延伸了美术教育的外延，使美术教育的范畴得到了极大的扩展，同时也使得美术教育的内容得到了极大的丰富。所以，宋代绘画艺术在宫廷艺术的表现、民间艺术的表现、宗教文化艺术的表现等等方面都得到了长足的发展。而这也正是宋代美术教育相对于其他朝代，在美术教育方面形成的重要突破，其不仅对我国传统美术教育的形式以及教学内容进行了极大的提高，还在这个过程中使美术教育的范围与其教育的意义得到了极大的延伸。

一、统治者的支持与提倡

在封建王朝时代，最高统治者对一种文化的爱好与否在很大程度上能够决定这种文化是否能够得到快速发展的先决条件。

首先，由于时代统治者的以文治国的战略方针的确定，在他们的支持与提倡下，宋代美术教育的发展得到了一定的良好的条件和土壤。宫廷培养了大量的御用文人，其中很大一部分是从事绘画艺术教育的官僚和绘画艺术大师。与此同时，民间的绘画艺术发展也得到了飞跃，草根文人绘画艺术大师层出不穷。

其次，由于宋代统治者提倡和支持文化发展，重视对文人的提拔和培养，所以，在绘画艺术教育事业的发展方面也得到可喜的成就。在此期间，相当多的帝王将相都有着较高的文化艺术修养以及较高的绘画艺术造诣，在统治者们的酷爱和身体力行的影响下，加上民间文人绘画艺术家们的共同努力，绘画艺术教育事业的发展在当时来说可谓是方兴未艾。

在宋太宗登位之宋代的统治者本身对于文化艺术就有着良好的兴趣，因此，国内文化的发展被极大的重视，绘画教育也备受关注。同时，作为皇帝他们对于绘画艺术也做到了躬身力行，自身具备了极高的绘画技术与艺术修养，所以，无论是在人力上还是在财力上统治者都对绘画教育带来了重要的支持。

宋朝统治者在对“画院”教学单位机构的建立、发展和完善的同时，也不排斥我国的民间绘画与文人画作，他们广泛收集民间大量优秀杰作，甚至将一部分民家画家的技艺主张作为画院教学的示范样例。这样，一方面促使了朝廷“花苑”在绘画艺术和绘画艺术教育上的形式和内容更为丰富、思想意识更为深刻；另一方面，使得宋代的民间绘画家们也处于非常良好的发展状态之中。从宫廷美术绘画艺术到民间美术绘画艺术二者遥相呼应、彼此促进、共同发展，并随之出现了很大一批具有一定文化成就的民间画匠。同时，宋朝的统治者们还经常将民间有名的画师招入宫中，配合画院的画家们共同进行一些寺庙壁画、宫殿画作等工作。这也使得宋代的画院画家与民间画家有了很多的接触机会，在这个过程中宫廷美术和民间美术得以不断地相互进行交流、学习，从而使当时的美术教育在交流借鉴中得到长远的发展，使中华传统文化形成了百花齐放、欣欣向荣、蓬勃发展的大好形势。

二、绘画作品丰富

宋代美术教育成果丰富。绘画艺术在宋代蓬勃发展的过程中，产生了数量众多的美术作品。同时，宋代的画家们也不满足于继承以往的绘画形式，而是追求创新，并开始将其视野逐渐扩大到当时社会中的各个角落，并对其中的各种题材分门别类地展开了细致、专门的研究，大大丰富了当时绘画的内容与题材。而在绘画理论的研究方面，各种画评、画论著作层出不穷，为当时的画家们带来了丰富的理论基础。由此可以看出，宋代的绘画领域中，无论是在绘画理论上还是绘画实践上，其作品都是十分丰富的。

三、文人画家的加入

虽然在宋代之前，就已经有文人画家存在，但数量少，影响小，没有对当时的绘画领域带来很大的影响。进入宋代之后，文化界蓬勃发展，文人画创作也进入了发展的黄金阶段。随着高素质文人画家的加入，绘画作品在技术水平和意境格调上都有了极大的提高，同时也深刻影响到绘画教育的发展。当时的文人画家并不以绘画作为谋生手段，而仅仅将其作为生活中陶冶性情的工具，这也正同当时绘画美育理念与大众教育理念相符合。其次，由于文人画家通常都在朝为官，地位较为显赫，其绘画作品往往受到王公贵族和大臣的喜爱，因此，文人画的艺术追求对当时社会统治阶层的审美方向也具有非常大的影响，进而使得一部分大臣和贵族被文人艺术所吸引，也投身到绘画的艺术创作中去，这种情况使当时绘画教育的对象大大丰富了，也不再局限于美术学生和民间画匠，这样就对画家的身份体系进行了拓展。最后，由于文人画家往往具有较高的文化修养与理论水平，他们可以在总结前人美学理论的基础上，领会其中的精华内容，不断创新，随后再将自身体会和创新的内容著作成书，因此，高水平的文人画家越多，产生的绘画理论成果也就越多，这些理论成果不仅成为了当时美术教育的重要理论基础，也成为宋代以后画学研究者的文献资料和理论参考。

四、科技发展

宋代除了在美术方面具有极高的水平，在科学技术方面也有相当高的成就。中国四大发明中的火药、指南针与印刷术，虽然并不是在宋代被创造出来，但在宋代已经得到了广泛的应用。与此同时，宋代的造纸术也得到了极大的发展和广泛应用，宋代的绘画载体不仅有价格昂贵的帛绢，也有价格相对便宜的宣纸。纸张的普及使绘画成本得到了极大降低，绘画成为人人都可以参与的一项文化活动，这种情况对当时绘画氛围的形成与绘画教育的发展都带来了积极的影响。而四大发明中的活字印刷术，对于绘画的教育、传播也具有重要的促进作用，通过印刷术将绘画的理论著作印刷成册，使其得到更为广泛的传播。同时随着科技的发展，绘画也成为出版对象，被当时的印刷者加以排版并印刷，使得当时的一些理论书籍配上绘图插页，提升了读者的阅读体验。这种依靠科学技术发展产生的图文并茂的书籍形式，对美术教育的推广、发展也起到了积极的作用。

五、绘画商品化

从唐朝晚期开始，绘画就开始作为商品进入到了市场流通，艺术品交易也成了一种流行的社会行业。这种艺术商品经济在宋代得到进一步发展，绘画作品成为可以进行公开交易的商品，随着艺术商品化的发展形成了可以专门对绘画作品进行经营的固定市场与专业的商行。同时，艺术商品化的发展，将以往只有王公贵族才可以见得到的艺术作品推向了社会之中，使得普通民众也能通过观看艺术作品收到艺术熏陶，得到审美教育，因此绘画商品化的发展对美术作品社会化和提高大众审美水平也发挥了重要的作用。

结语

总体来说，宋代美术教育水平非常高，其中体现着当时文学艺术与经济政治方面的重要影响，宋代独特的政治体制和文化风气塑造了美术创作和美术教育的特色。本文通过对形成宋代美术教育特色的各个因素进行深入分析，找出了宋代美术教育发展的一些规律，这些规律对于我国当今美术史研究及美术教育的发展都有着一定的参考意义。

参考文献：

[1]商艳玲.宋徽宗和他的画学[J].大众文艺.2010(16):114-115.

[2]顾平,杨勇.两宋画院教育初探[J].南京艺术学院学报(美术与设计).2010(06):17-25.

绘本美术教学论文范文

【关键词】绘本设计发展

【中图分类号】G232【文献标识码】A【文章编号】1006－9682（2011）06－0082－02

绘本是一种版面配置以图像为主，少量文字为辅、甚至完全没有文字的书籍。这种最早针对儿童创作的图书形式，萌芽于17世纪的欧洲，成长于19世纪的英国，20世纪初期在英美国家进入创作繁荣期。20世纪50年代其影响和观念最早进入到亚洲国家――战后的日本，70年代日本绘本创作和研究渐入佳境，如今已成为绘本大国。随后，绘本在中国、韩国等亚洲国家也开始受到普遍推广和重视。20世纪后半期，世界各国的文化组织纷纷设立绘本奖项，绘本艺术创作进入全面繁荣的黄金时代。“绘本”一词源自日本，是日语对英文picturebooks的翻译。20世纪60年代先是进入我国台湾地区，2001年随着几米系列图书的畅销，开始流行于我国大陆地区。由此，内地掀起了绘本出版和阅读的热潮，绘本成为出版界的热门话题和业内焦点。

一、日本

在亚洲，日本是最早进入绘本设计与创作的国家，其绘本创作、绘本理念、绘本推广与绘本研究，都走在其它亚洲国家的前面，近年来其绘本书籍也在国际上获得了极高的评价，很多作品被翻译成多种文字出版。

二次世界大战以后，从20世纪50年代开始，日本陆续大量翻译出版了欧美和苏联的优秀图画书，1953年岩波书店翻译出版“岩波儿童图书”丛书，1961年福音馆书店开始出版“世界杰作绘本”丛书，都给当时的社会、文化、出版、教育带来很大的影响。1956年4月，日本福音馆书店的编辑松居直先生开始创办绘本月刊《儿童之友》。从20世纪60年代开始，日本美术界的一线画家，也开始投入到儿童绘本艺术中来，同时一些青年艺术家们，也以极大的热情投入到绘本创作中，绘本的绘画表现实现了飞跃式的提高。从70年代开始到现在，日本绘本的创作与设计理念都处于国际一流水平，有着极高的艺术水准。

日本从事儿童读物工作的人在绘本发展的几十年里，从最开始对国外优秀作品的学习、比较和研究，到后来本土的绘本创作发展的研究，一直都有进行，其中最有影响的就是日本福音馆书店的松居直先生。在儿童绘本理论研究方面，松居直先生写过许多谈论绘本的理论专著，包括《什么叫绘本》（1973）、《我的绘本论》（1981）（中文译著为《我的图画书论》）、《走进绘本的森林》(1995)、《幸福的种子》（中文译著为《幸福的种子亲子共读图画书》等。

二、中国台湾地区

台湾地区的儿童绘本设计创作与研究起步较早，早在20世纪60年代，台湾受到欧美，尤其是日本图画书的编辑和创作观念的影响与指导，进入儿童绘本创作的萌芽阶段。20世纪80年代初，伴随着《汉声精选世界最佳儿童图画书》的出版，台湾的儿童绘本市场逐渐繁荣，开始大量翻译引进西方优秀儿童图画书，由此许多儿童文学家、评论家、插画作者、编辑及美术教育工作者开始对绘本艺术及其文图表现发生兴趣并进行探讨与研究。

1987年由郑明进、曹俊彦两位先生策划编辑出版的《认识儿童读物插画》一书，收录16篇讨论插画的文章，由儿童读物插画家与儿童文学工作者共同执笔，分别就插画的艺术定位、不同类型儿童读物的插画表现形式、插画技法以及插画家创作实战经验等方面加以分析研讨，使读者对儿童读物插画的价值和意义有了更深入的认识和体会，开始涉及到了儿童绘本设计的部分轮廓。

1999年台湾知名儿童美术教育家郑明进先生编辑出版“杰出图画书插画家”系列，介绍了欧美和亚洲知名的插画家及其作品赏析，涉及插画家57人，提升了读者欣赏插画的审美能力，也使从事插画创作的插画家对图画书的插画创作有了更进一步的深入了解。2002年郑明进先生又推出一本《杰出科学图画书插画家》，在介绍插画家的基础上，还谈到了插画的素材和表现技法。

2005年翻译出版了日本河合隼雄、松居直、柳田邦男合著的《绘本之力》，2006年翻译出版了柳田邦男的《寻找一本绘本，在沙漠中……》。

2006年绘本编辑兼创作郝广才先生出版专著《好绘本如何好》，让热爱绘本的人，更加深入了解绘本里那些打动人心的细节；让想从事绘本设计的人，更加清楚绘本创作的脉络和方向，引导读者发现绘本技艺里隐含着的丰富意义，是难得一见的绘本理论研究专著，在绘本研究领域具有相当分量。

2007年台湾资深绘本理论家、儿童哲学家杨茂秀教授所著《重要书在这里！杨茂秀的绘本哲学》，以约50本绘本的赏析，介绍大人小孩共读的绘本故事书，提出“绘本是观念的玩具”的观点，引导大家如何“选”绘本、“看”绘本、和孩子一起“演奏”绘本。

2010年12月台湾绘本阅读推手林真美出版的《绘本之眼》，以绘本的发展历史为脉络，引导读者认识绘本发展史上的关键人物及其经典作品，呼唤成人通过绘本重新审视看待儿童的角度与方式。

台湾地区绘本理念受外来文化的影响很深，尤其是西方和日本等绘本发展较早的国家，对绘本艺术的了解和经验借鉴较为丰富。但就目前而言，台湾、香港地区绘本的理论研究多停留在一个相对片面的角度，即主要是由儿童文学家、幼儿教育工作者、插画家分别站在各自专业立场对儿童绘本进行理论探讨，比如图画书的重要性、对儿童各方面的发展影响、推广图画书阅读的经验、介绍知名插画家及其作品赏析等，其中以绘本鉴赏、阅读指南、插画技法类的居多，而站在绘本书籍整体设计的角度来全面研究、综合分析绘本艺术的理论专著则仍然鲜见。

三、中国大陆地区

随着经济的不断发展、社会文化的日益繁荣，书籍材料、印刷与装订技术的进步，教养观念的逐步改变等因素，近年来绘本这种特殊的书籍艺术形式受到越来越多的重视。近年来，绘本书籍在大陆地区以大跨步超速度被引进出版，尤其是儿童绘本的火爆，已形成一种井喷效应。尽管如此，大陆地区对绘本这种艺术形式的整体认知还处在一个探索阶段，就目前而言，相关绘本的言论大多是取法日本和我国台湾地区。

大陆已出版的与绘本相关理论著作大概可分为以下几种类型：

1．图画书（儿童绘本）的理念、重要性与儿童教育、发展等综合论述类，以日本松居直先生的著作为代表。

其著作有《我的图画书论》（中文版由湖南少年儿童出版社出版，1997）、《幸福的种子亲子共读图画书》（中文版由明天出版社出版，2007）、《我的图画书论》（中文版由上海人民美术出版社出版，2009）。谈到这个方面的研究，必须要提到日本绘本之父――松居直先生，他的理论及专著是目前国内绘本研究最具参考价值的资料。松居直先生是日本著名的儿童绘本编辑、创作者，他不但对日本儿童绘本有着重要影响，十多年来，他也致力于中国的儿童绘本推广，做了大量的开拓性工作。

2．知名插画家及其作品类

讨论绘本插画创作、介绍知名插画家及其作品类，其中以讨论儿童绘本插画创作和技法较为多见。引进英国马丁•萨利斯伯瑞的《英国儿童读物插画完全教程》（中文版由上海人民美术出版社出版，2005）；英国人马丁•索尔兹伯里的《国际最新童书插画》（中文版由中国青年出版社出版，2008）；台湾绘本领军人物郝广才的《好绘本如何好》（21世纪出版社，2009）；日本绘本大师安野光雅的《安野光雅的七堂绘画课》（中文版由21世纪出版社出版，2010）。

3．绘本鉴赏手册及阅读指导类

绘本美术教学论文范文篇3

一中外美术史教学的现实状况

当前我国大多数的高等院校，对于中外美术史的教授，都是分开进行的，中国美术史与外国美术史分别由不同的教师进行授课，教授的课程进度不一样。多数高等院校的美术专业，太过于强调学科教学体系的严谨与完整，每个科目之间过分的孤立，相互之间缺少了联系。而美术史纵向思维联系紧密，中国美术史与外国美术史之间的交叉联系太少，学生缺失了对于美术历史时间与地点上的概念，不利于学生对于同时期国内外美术发展状况的了解与分析。很多学生对于历史上的美术发展现象与当时的时代背景之间的关系搞不清楚，对于中外历史的时间对接上不是特别清楚，整体上来说学生对于世界美术历史没有一个清晰的时间概念。学习美术史论的时候，很多学生死记硬背，仍然达不到理想的效果。导致这些问题的出现主要是由于中外美术史的教授内容与教授方式有关。

对于美术史课程的开设，我们必须充分认识到，美术史的课程进修的必要性，只有意识到美术史的功能意义，才能够激发学生学习美术理论的动力。学生的全面发展，个人的文化修养与素质是必备的条件，然而美术专业的学习加强其文化艺术修养的主要途径就是对于美术史理论的研究，充分的了解历史上遗留下来的优秀美术作品，从中感悟到人生哲理，加深对人文哲学，传统艺术的理解，增强欣赏鉴别画作的能力，提升个人的审美修养。

二对于中外美术史课程的整合

美术史依据历史的纵向发展为主要脉络，教师按照历史纵向发展的主线，将各个历史时期的画家、艺术作品、风格、审美特征、表达方式，集合历史背景，让学生了解各个历史时期的时代艺术、绘画特征、美术领域的发展与变化，时代变迁对于绘画艺术的影响。另外，要考虑到美术史课程的自身特征，以及学生的实际状况，具体情况具体分析，展开对美术史教学体系的整改。

1高等院校中外美术史的教学要在学科之间整合

中、外美术史要实现比较教学。中、外美术史的学科整合，要以主题相关的两个单元，重组进行教学，使相关的学习内容串联起来，使前后学习的知识相互联系。任何事物只有在相互比较中，才能凸显出特点，用比较教学的方法，省时、效果显著、知识面广、学生的思维跨度也大，在学习过程中对所学知识印象深刻。在教学中，教师要注意从多个角度引导学生的思维，从不同的历史时期、时代特征、艺术种类、画派风格、作品类型等，多方面、多层次的进行比较。可以是中国历史名画家之间艺术风格的比较，也可是国内外相同时期的美术发展趋势之间的比较，总之，不管是横向交错还是纵向思考，都要从不同的点和面找出中外美术史的不同部分，或者是相似部分。中国与西方文化意识、民族传统、哲学理念等都不尽相同，但是这不能是组织文化艺术交流的障碍。在美术史的教学过程中，教师要合理的对中、外美术史做出比较，能够发散学生的思维，充分的发挥学生的想象力和创造力，对于中国美术艺术与世界美术文化都要有个全面的了解意识，利于学生在日后的绘画学习中，形成自己的风格与方式。

2充分利用现代科技

美术史是一项理论性的学科，相对来说是枯燥的，运用多媒体技术，制作ppt或者是动画模式，将理论性的知识转变为图片格式，图文并茂展示给学生，引起学生的兴趣，生动的媒体技术演示，能使学生更加方便快捷的了解到美术史的理论知识，生动的画面容易给人留下深刻的印象，使美术史的教学起到事半功倍的效果。在欣赏古代画家遗作的时候，能够更加清晰的让学生感受到作品的艺术魅力，加深印象和理解。或者配以合适的音乐，加强艺术作品的意境，带动学生的情绪，提升课堂的艺术氛围，学生在不知不觉中，接受美术历史。利于学生对作品思想内容的解读，了解艺术作品的形式规律。

3美术史的教学要注重寻找史论依据

美术史的课程是在大一的时候就有设置，此时学生对于绘画的学习阶段还是处在素描、色彩等系统的绘画训练，对于美术史的认识基本上没有一个准确的概念，多数的学生只是知道少数的知名艺术家以及零散的一些名作的名称。因此，在美术史教学过程中，要由浅入深，循序渐进。美术史课程理论性强，严谨、科学，少不了枯燥的感觉，在授课过程中，要避免生搬硬套，或者按照课本宣读，会在开始就导致学生减少对美术史的兴趣，反感美术史课程，这样这门课程的设置就失去了它的意义。美术史的授课，是需要慢慢渗透，不同于素描与色彩等绘画创作或是训练，是提升学生全面素质的重要环节。在进行美术史授课过程中，可将学生在绘画训练时的素描或者是色彩，用幻灯片的形式展示给学生，用以比较和分析，指出学生在绘画训练中的不足，借鉴美术史中的史论依据。让学生自己发现美术史论的魅力以及在绘画训练中自身的不足。

4教学中要主次分明、有侧重点地进行教学

中国美术史与外国美术史都是属于记载世界艺术文化遗产的隶书，不管是美术通史还是断代史，都具有值得汲取的文化艺术价值，但是在具体的课程教学中，需要有重点的进行教与学，并不是每个知识点都必须了然于心。有的历史知识可以简单了解，例如中国美术史中，史前、石器时代的一些知识，可让学生自行了解，在盛唐时期、两宋时期的美术历史一定要作为课程上的重点进行讲解。而国外的美术史，中世纪以后，尤其在意大利文艺复兴时期，绘画与雕塑艺术走向了一个高峰时期，对于这段历史，需要学生深刻的了解，并且要对大量的艺术作品进行鉴赏与学习。让学生在学习中领悟到艺术前辈们为艺术的奉献精神，以及作品中的深刻精神内涵。

5美术史的教学不仅在课堂上进行，在课外也要进行考察

课堂上的美术史学习，仅仅是局限在教师讲解，学生听看，老师要带着学生走出去，到本地的各大艺术馆，文化馆参观考察，欣赏更多的历史名家名作，增加美术史知识，扩展视野。

6提高学生的主动性

充分调动学生的学习热情，实现教与学的互动，理论与实践结合，积极引导学生参与相应的实践活动，多参与各个领域优秀艺术家的专题讲座，从中学习更多的课外知识。

三中外美术史课程的价值功能

1对于绘画创作的思想产生影响

在20世纪，社会处于动乱时期，此时对于美术史理论的探索，其研究内容随着社会潮流的变化而变化，在满足社会需求的同时，凸显了其社会功能，在一定程度上偏于文化功能。在“五四”时期，从康有为、陈独秀，再到鲁迅的美术批评，影响到了当时青年一代对于传统美术的认识，激发了改革中国画的思想潮流。到建国后，对于石、石涛、等画僧以及“扬州八怪”的研究，特别的注重他们复古反叛的革新精神，这成为20世纪时期改革中国画的历史依据，也是一个时期内国画革新运动的体现。在当代的高校教育教学中，民族化的呼声越来越高，对于地域化的艺术遗作等历史遗迹的研究考察，是一个时代对于美术史理论研究与艺术创作相结合的一种探究方式，而且是随着时代潮流的变迁，对于民族艺术成功的肯定与高度重视。

2促使绘画创作风格的转变

自西方文化流入中国以来，受到西式美术的影响，包括徐悲鸿在内的许多人都认为，中西融合是必然趋势，成为国画融合西方绘画方式的思想基础。中国的绘画风格出现了很大的转变，中国的人物画中出现了面部阴影，山水画中借鉴了西方的审美方式，中国画开始出现新的局面。在20世纪50年代，国内开始对苏联文艺理论进行宣传和研究，使美术创作开始出现现实主义的创作方法。50年代末60年代初，对于民族化的问题的探究，使油画一度盛行“民族风”。绘画创作风格转变的因素有很多，也许并不是因为理论的引导，但是风格的转变，势必与理论研究相呼应。

3中外美术史的理论研究服务于美术创作

中外美术史是一门独立的理论课程，它的理论讲述离不开美术作品的阐述，理论的建立是在美术创作之后。自20世纪50年代以来，美术创作在很长的一段时间内主要是服务与社会，而对于史论的研究反应的也是当时的社会需求。美术史中的评论，是服务于绘画创作的另一表现形式。现如今，对于美术史的服务功能是“古为今用，洋为中用”。

四中外美术史课程对于学生的教育意义

第一，有利于学生把握中外设计发展与绘画发展的脉络，培养学生独立思考能力，把握历史的发展规律。在汲取前人经验的基础上，新生代能够从中受到启发，对未来绘画与设计艺术的发展起到预测与引导作用。

第二，有利于学生了解世界艺术文化，提升审美与鉴赏能力。中外美术史课程的开设，利于学生了解世界各国在不同的历史阶段，美术领域的发展趋势，并汲取各种流派的优点，应用于日后的绘画创作中。

第三，加强民族文化学习，增强民族自豪感。当前高校教育，应当提倡民族传统，对于中国古代文化的教育是对古代经典进行鉴赏的主要途径。中国传统艺术文化博大精深，具有很深的精神内涵和学术价值，通过对中国美术史的研究，增强对本民族的了解，增加民族自豪感与荣誉感。

总之，中外美术史的教学，要注重对学生自身能力与素质的培养，教学过程中要充分调动学生的学习热情，充分发挥美术史课程的价值与魅力，服务于学生，服务于教育，服务于绘画艺术。

参考文献

[1]刘辉.中外美术史教学的现状分析与学科课程整合.[J]美术界，2009（4）.