对艺术创作的理解范文篇1

作为艺术的创造主体,艺术家为了能创作出杰出的艺术作品,要求他们拥有水平较高的艺术素养,其中包括艺术专业创作技巧、艺术表达能力、艺术创新思维等,只有这样,艺术家们才有可能创作出具有创新性,又不失审美精神的艺术作品,间接推动艺术事业的发展。从这个层面上总结,艺术的发展离不开以艺术家的艺术素养作为基础,而科学思维在提升艺术家素养方面,起到了极大促进作用。笔者认为,科学理论知识和方法是科学思维的前提,可以帮助艺术家在掌握知识的同时,摆脱朴素的自发方式,从而有效地帮助艺术家自觉地学习文化知识,以提高自身的文化素质。科学思维为艺术家提供科学的分析方法,帮助他们在艺术积累中,通过鉴别大量原始材料和理清材料之间内在联系,奠定产生艺术灵感的基础。通过科学思维与艺术思维的交互作用,共同为艺术家的创作活动提供完整、有序、合理的思维基础,以便艺术家更加深入到艺术创作的实践之中。

2利用科学思维加深对艺术作品的理解

艺术创造活动是一个系统和复杂的过程,通过对其阶段性进行合理必要的分析,才能清醒的认识和自由把握科学思维在艺术创作过程中的作用。不过,在艺术实践中这三个阶段并非截然分开、先后出现的,我们不能将三个阶段作机械的分割和理解,而是要层层了解、环环相扣和相互渗透,总而言之,科学思维在这几个阶段中起到了举足轻重的作用,并推动着艺术的发展。

3将科学思维融入艺术鉴赏活动

作为艺术作品鉴赏的主体,鉴赏者通过感官对艺术作品的意蕴进行思索和想象,最后对作品作出评价。笔者认为艺术鉴赏作为艺术活动的最后环节,鉴赏者的满意与否,是推动艺术品产量化发展的关键,因此鉴赏者作为艺术作品鉴赏地方主体,其科学思维对艺术鉴赏的质量和水平具有很大的影响,从另一方面又会促进艺术工作者素养的提升,为鉴赏者的理解和艺术工作者的再创造提供良好的基础条件,因此我们可以将科学思维融入到艺术鉴赏当中,促进艺术的发展。

4利用科学思维能引导艺术批评活动

对艺术作品进行分析、评判和研究等科学认识活动,是需要在一定的理论指导前提下的,对艺术进行批评其实是一种理性的审视,所以他要求批评者具有明晰的理性思维,具有严谨的理论性社会科学知识,科学思维具有概括思维、判断思维和推断思维,艺术批评需要理性,科学思维正好符合这点要求,因此说科学思维在艺术批评中起到重要作用。科学思维提升了批评家的理论能力、逻辑能力和推理能力,从而保障了艺术批评的科学性;科学思维的逻辑性与敏锐性帮助批评家及时把握艺术发展的动态,引导艺术的发展;科学思维的客观性与逻辑性关系到艺术批评的准确性、客观性、科学性并使批评方法得以科学实施。简单言之,科学思维与生俱来的逻辑性、理论性、系统性和敏锐性推动了艺术批评发展。

对艺术创作的理解范文

正如弗洛伊德的人格心理学做揭示的那样，人格结构的复杂性会最集中地体现在每个人内在的“本我”“自我”“超我”之间的尖锐矛盾和冲突。“本我”，作为人格结构的最深层，常常处于无意识的状态，需要自觉接受现实和社会环境条件的制约和调节。“自我”需要接受社会的道德律令及自我理想“超我”的规劝和引导。三者之间的矛盾和冲突，严重时会使人焦虑和痛苦。对于人格结构尚在不断完善的青年艺术人才，面临成长困惑的青年艺术家尤然。艺术创作则以“宣泄”“升华”“转移”等方式实现解决了原欲的冲突问题。意识控制下的创作要求和无意识控制下的表达欲望，形成明显的对话关系，在艺术创作中彰显并获得协调的契机。艺术创作者在这样的“契机”面前，有意识协调社会道德和个人理性、本我潜意识。将此过程变为精神性产品创作生产过程，以及自身理想人格的建构过程。艺术创作过程，既涉及创作主体的内在平衡，也涉及创作思想和观念的成功孵化。这一过程中，创作者协调本我的表现冲动，兼顾社会道德和个人理想，在艺术创作主体自我的伟大克制过程中实现自身的不断成长。艺术创作者的创作训练，不仅是练技法，更重要的是练观念、炼思维、疏心理、梳行为、立价值、确品质。如此重要的一个过程和环节，有智能的，有技能的，有情商的，更有思想的，多个层面的积极介入和有效收获，才能真正满足阶段需求。目前对于优秀艺术家和作品的孕育，技法之外的补充，是当前艺术人才培养和艺术教育过程中比较大的空白。加强优秀艺术作品，如红色经典美术作品的传播意义重大。

二、与艺术媒介材料的对话：在对艺术媒材的驾驭中，增强其意志品质、协调矛盾冲突的能力和水平

艺术创作过程，是从眼中之竹到手中之竹。艺术家与受众媒介搏斗的过程，是一个创作者对创作客体征服的过程②。艺术创作主体针对物质媒介，按照艺术创作者意图形式化、秩序化，最后凝结为艺术作品的过程，就是不断使材料“去蔽”，发现、发掘、实现材料的潜在价值的过程，是艺术创作者与材料展开深入、生动对话的过程。这一对话及征服的过程，既是对艺术创作主体个人智能、技能的训练，个人意志品质的考验，又是智能、品质修养的过程。艺术创作者在其与特定艺术语言的艰难搏斗过程，要努力保持对话与和谐，不断实现主体与客体融合。对艺术家来说，这是心智的较量，也是耐力的角逐。此过程推动了艺术人才关键品质的训练提升，促进了相关智能和意志品质的养成，成为价值观塑造、道德责任感修养的重要实践途径。艺术作品要按自己的形式规律和逻辑要求发展。青年艺术创作者，要更为充分地接触新的艺术创作的媒介和材料，增强格物致知的勇气和决心；要更多可能体会那些扑朔迷离的、神秘的，会让人有挫折的、令人振奋的经验；要更积极地去协调各种可预见或不可预见的矛盾和冲突，学会顺应艺术创作规律，学会控制并引导艺术的“自行”发展。恩格斯盛赞巴尔扎克的小说创作按历史发展规律、社会历史发展逻辑所进行的创作。他认为，巴尔扎克等作家恰是在自己创作中坚持了“理智对情感的战胜”，增强了对社会的认识能力、理解能力，塑造了现实主义的观念，创作出伟大作品，而成为伟大作家。艺术创作过程，是创作者不断为自己设置问题，不断解答问题的过程。“一手设疑，一手解答”，艺术家与作品的不断对话，世界逐渐清晰和深入，艺术作品不断趋于完整，作品不断趋于完善，艺术家人格也不断趋于完善。

三、艺术家与欣赏者的潜对话：在对潜在读者的尊重中，强化艺术为人民，提升其服务社会和大众的意识和水平

艺术为人民，首先要求艺术创作之初就有对欣赏者的尊重。好的欣赏者反响和回应才存在践行“艺术为人民”的问题。所有创作，即使是天才灵感的闪现和癫狂境界的重现，都会指向潜在的或隐藏的欣赏者，即接受美学理论家伊瑟尔所称的“观念的欣赏者”。作者创作构思，观念表达之初，总在为特定的欣赏者创作。“当作家坐在一张白纸面前写作的时候，他（欣赏者）的影子俯身站在作家的背后。”③艺术创作，离不开艺术的欣赏和解读。支撑伟大创造者艺术创造的动力，始终有其寻找知音与理解者的强烈愿望。即使走在时代前列的激进、先锋的艺术家，其创作被认为晦涩难懂，远远超越所处时代的接受心理和能力，但如司汤达写作《红与黑》，也声称为下一代欣赏者而写作。完整的教育活动，不仅在艺术创作者作品创作完成，还要在其与欣赏者的有效沟通和信息反馈过程中，在佐证其欣赏者预期和欣赏者接受过程中实现。欣赏者的反馈，应该有充分的平台和体制去表达。这些都可以帮助艺术创作者检讨创作过程与欣赏者的对话，检讨其写作过程中欣赏者设定是否准确，检讨其与欣赏者对话语言是否适宜，创作观念及价值表达是否契合时代社会需求。

对艺术创作的理解范文

一、传统艺术原创的“破”

借助数字技术或数字媒体，将传统艺术作品中的图形图像、音频视频等构成元素，通过挪用、拼贴、复制、模仿、改写等创作手法处理成易于重组、合成、传播和存储的信息碎片，从而将传统艺术解构为现代数字艺术，这种艺术表现形式上的数字化完全打破了艺术原创的传统和美学要求。对于这种解构，我们不能简单的理解成对传统艺术作品的数字化、网络化。其意义在于通过数字技术把传统艺术作品中具有独创性、唯一性和原先的不可重复性的元素进行拆分、修改、重构甚至多次重复重组使用，从而打破了传统艺术原创性的神话。

1．数字化解构

数字媒体艺术完全不同于传统的艺术形式，它是以数字技术为创作手段，以数字、网络平台为展示空间，根据作品的来源可分为两类解构方式:第一类是已存在的艺术作品经过扫描、人工输入等方式上传到数字平台。如将书籍、绘画作品等扫描后为电子图书的形式;或者直接采取人工输入的方式，将文字类作品录入数字平台。第二类是通过专业的数字软件，创作出原先不存在的数字艺术作品。如矢量插画、二维动画、3D动漫游戏等。其中，第二类解构形式在创作上是具有个性化的，而且在传播上具备公共性，可以自由修改、无限复制与传播。无论是多么令人着迷的数字作品，就其解构的本质而言，构成要素都是由0和1组成的二进制代码。从这个意义上来说，所有的数字艺术类型实际上使用的是同一种创作“语言”，其构物的本源是一样的。因此，不同艺术类型的界限在数字化艺术创作语境中会产生模糊甚至消除，各种艺术类型将易于交融，取长补短，从而创造出全新的艺术样式。

2．创作非物质化

作为艺术创作工具和创作手法的变革，数字技术完全打破了传统艺术创作中对物质材料的依赖，这种非物质性的创作方式不仅让艺术创作具备了非物质性，更为现代艺术工作者们开辟了一个数字化的、虚拟化的创作空间，大大提高了艺术工作者的效率及经济效益。另一方面，整个艺术创作过程可以自由地分解为若干个单元模块，各模块交由不同功能的创作团队独立去完成，各创作单元模块可以利用网络平台进行实时沟通，有效的突破了时空和地域条件的限制，所有这一切些都大大缩短了艺术创作的周期和艺术作品的流通，同时也加速了艺术风格和艺术潮流的新陈代谢。

3．“互文性”的兴盛

数字化的艺术作品具备了“互文性”。从个人创作的视角去看，任何创作都是从接受者转化而来，正如没有学习过写作的人无法进行文字创作;没有学习过绘画的人无法进行绘画创作，当然前提是汲取借鉴没有流于抄袭。“互文性”模糊了创作者和接受者之间的分界，将艺术活动视为创作和接受递相转化的过程;数字化后的艺术作品具备了“个性化”和“自由民主性”，使人们可以完全根据个人的喜好、灵感、需求通过建立、修改、重组创作出开放性的艺术作品，那个“艺术作品一经创作便无法更改”的时代已经成为过去。一方面，数字技术推动艺术走向民间，朝着大众化的方向前行，真正实现了“艺术服务于大众”、“艺术完成后进入公共场所或公共媒介”的普及理念。另一方面，数字技术推动艺术走向个人，实现了代表“草根文化”特质的“个性化”和“自由民主化”对“精英文化”的颠覆。

二、数字解构后的“立”

任何艺术作品，其本质上都是对既有艺术作品的再写，包括转移、拼接或者参照，甚至包括模仿、认同与遵循。数字技术打破了传统艺术自足的密封整体的观念，代之以艺术生产是在其他艺术作品在场的情况下进行的观念。

1．再塑书写方式

数字技术能够将传统艺术整体消解为关系与联系、解释与片段、局部图形与整体图像的无界、无限的艺术编织品，彻底颠覆了传统艺术的书写方式。在书写形态上，数字媒体艺术呈现为对现有艺术资源的移接和拼贴，并且通过特殊的技术手段创作出一种混同的文本形态。每件作品不再是单品，而是存在于涉及多样文本与媒体技术的文本海洋中。在书写理念上，对数字技术来说，任何艺术文本都是可塑的，各类艺术文本在彼此交织形成的网络空间内生存，通过主题处理的不同或方法处理的不同来突出艺术特征。作为一种艺术手段，拼贴和移接是后现代艺术家津津乐道的独创之举，它通过文本之间的隐喻、模仿、假借、偷换直接铲平原有的价值中心，并和已有文本形成互文关系

2．拓展艺术创作的空间

几乎每一种新技术的问世都会产生某种新的创作特征，数字技术为传统艺术带来了创作“空间”的无限拓展性，这个“空间”包括创作主体、领域、手法及理念等。其中，虚拟是最为核心的空间拓展品质，其本质是在艺术作品中生成由各种艺术形态构成的虚拟的视觉盛宴。1994年的影片《阿甘正传》中，有一根从天飘落的白色羽毛分别出现在影片的开头与结尾，借助数字技术设计生成运动轨迹和飘落的形态与观众真实的生活体验毫无二致，出色地暗示了主人公神奇的一生。影片《木马屠城》在表现两军对峙的场景时，把只有1000多名群众演员的场面虚拟成数万人的战争大场景，达到以假乱真的视觉效果。正是由于虚拟影像合成等CG数字技术的应用，将原先不可能的题材变成了可能。植根于数字技术的支撑，数字艺术形式提供的虚拟与传统艺术中的虚构完全不同。虚拟首先属于技术范畴，应当被视为一种技术行为，尤其是一种成像技术被广泛的应用到现代广告、电影工业、工程学等领域。虚拟有两种方式:一种是模拟，对物质世界已经存在的对象形态进行模仿;第二种是创造，将物质世界中不存在的对象形态创造出来，使其具备直观化和真实感，如虚拟场景、虚拟人物等。

3．改写艺术审美标准

由于艺术创作工具的解放，数字艺术不仅可以创造物质世界原本不存在的对象，能够极尽夸张传统艺术环境中无法看到的细节。凭借数字技术，人们能够完全按照自己的想法，将数字效果推向极致，艺术创作随之发生了观念上的的变化，“陌生化”和“独创性”被视为等同。只有那些能够激发受众新奇感的作品，才被视为具有吸引力和创造性。越来越多的数字艺术家出于对新技术的探索与尝试，乐此不彼的创造着现实世界里从未存在的形象，以新、奇、特作为出奇制胜的标准。“特异化”正在成为数字审美的标准，使数字艺术的世界变得无奇不有，美丽的更加美丽，丑陋的更加丑陋，恐怖的更加恐怖，可爱的更加可爱。过度化的，也就是我们所说的畸态，它并非畸形或者传统意义上的异形，而是指非自然标准的、非日常的、非常规的，它总是大于或小于自然的标准。以形态的“过度化”引起人们的视觉兴奋，在这种“过度化”标准的追求下，从视觉到意义的传达，数字技术让艺术体现出过度的效果美学。在数字技术推进和商业效益的驱动下，数字技术掀起了受众追逐对现实不存在或者无法实现的对象的痴迷，“过度化”审美被推向极致，它不再是艺术创作的标准，而是成为艺术创作的目的。传统审美活动带来的身心愉悦、精神的解放在这里被异化了，这些过度化的审美标准以极端化的形态对人的感官浅表刺激在一定程度上代替了传统的审美标准，传统艺术美的自然属性发生了改变。电影《指环王》中的咕噜、《侏罗纪公园》的恐龙等便是例证。

三、亘古不变的情感脉络