艺术创作方法范文篇1

【关键词】中国工笔人物画；现状；问题；分析

在近代中国，工笔人物画对传统绘画的继承，冲破封建思想禁锢，加上西方艺术思潮的涌入，中国工笔人物画发生了历史性的飞跃。1下面从三个方面简述工笔人物画创作现状及特点：

1题材变化

艺术创作追求真善美的表达，回溯中国工笔人物画的发展，在传统工笔人物画中，艺术家更多的追求“善”的表达，“成教化，助人论”成为创作的出发点。到近代，由于中国工笔画具有特殊的艺术审美特点，逐渐发展成为具有审美意识的美术创作，这是中国美术发展的必然结果。在当代工笔人物画创作题材中，基本上可以分为三大类：第一类是围绕现实题材展开的艺术创作，这类创作大多数倾向于政治方面，比如反应社会民生、国家发展等；第二类是表现当代城市生活，例如城市男女、都市夜生活等；第三类是民族题材，主要表现我国少数民族的生活状态和民族风情，以上三种题材是当代工笔人物画创作的主要部分。受到西方艺术思潮的影响，还有小部分非主流题材的存在。这一类作品重点表达创作者个人的情感，画面构图虚幻奇妙，毫无真实感。从整体来看，当代中国工笔人物画的选题大多是贴近人们生活的，不管内容倾向于政治还是都市，都能准确地表达出创作者的情感和体验，同时，作品还可以传达出当今社会的时代特征和生活氛围。

2造型变化

中国工笔人物画的创作，首要前提就是人物的造型。东晋顾恺之的“传神写照”，对我国封建社会工笔人物画的影响颇深，充分说明中国传统工笔人物画注重“传神”，在人物造型及表现上，不求“形似”，但求“神似”，并且以“神似”为创作宗旨。在当代工笔人物画创作中，还有很多艺术家遵循这种“写神”的传统创作方法，在其创作的作品中，仍然可以发现这种平面造型和传统工笔人物画强调的“神似”。随着西方艺术传入中国，焦点透视法，明暗法，色彩对比及光线作用被引入到中国的传统绘画艺术，传统的绘画观念受到冲击，逐渐发生改变。艺术创作者继承了中国传统美术的造型观念，吸收了西方美术的创作方法，突破古今中外的思维局限，将中西方绘画思想融为一体，形成了当代多元化的，多层次的创作格局。

3技术变化

从整体上说，当代的工笔人物画在技法上基本沿袭了传统地表现技法，比如人物的勾线，色彩渲染等依旧是工笔人物画的主要表现手段。用线条勾勒出人物的整体造型也是工笔人物画的基础，所以在工笔人物画中，对线条有特殊的要求。

工笔人物画存在的问题

1缺乏想象力

当代中国工笔人物画中，比较严重的问题之一就是缺乏想象力。想象是艺术创作的一种品质，也是衡量艺术家创作水准的重要标准。在我国工笔人物画的作品中，有大量作品缺乏想象力，创作出的人物大都呆板无神，虽然技法娴熟，人物的外形刻画精致，但无法体会到作品的神韵。

2没有真情

艺术创作需要艺术家情感的投入，绘画艺术创作也一样。但当代的创作题材大都倾向于现实意义的题材，艺术家在创作的过程中对艺术再现的追求多于艺术表现。同时，当今社会对效率的追求过高，导致很多艺术作品流于平庸，缺乏真情实感。对于美术创作，只有牵动了艺术家的情感，激发创作冲动，才能将艺术家的切身感受融入到作品中，创作出至情至性的作品。

3产量大，精品少

在我国，经济发展推动了文化产业的发展，人们的生活水平逐渐提高，对精神文化的需求也越来越高。很多人开始欣赏美术作品，喜欢参观一些作品展览，并且爱好收藏。这为艺术发展提供了更为广阔的市场，艺术作品产量逐渐递增。但同时也在一定程度上降低了艺术作品的质量。对于工笔人物画的创作，更多的创作者将利益放在首位，注重作品数量，追求精品的创作越来越少[1]。

对策分析

1提高想象力、创造力

艺术创作离不开想象力和创造力，但想象力和创造力并不是与生俱来的，是在后天的生活中不断积累形成的。艺术家培养艺术的想象力创造力有很多途径。比如旅行，阅读，参观等等，接收更多新鲜的事物，积累更多生活中的故事，丰富人生经历，都能为艺术创作提供更多的想象和题材。同时，艺术创作也不是完全依靠天赋，更有赖于后天的勤奋，只有刻苦练习，在熟练的创作中才能迸发出转瞬的灵感和创造力。

2忠于艺术，热爱生活

艺术创作，最终目的是让作品成为经典和永恒。一味地追求作品数量和利益，这只是将艺术创作作为赚取金钱的手段，并非艺术创作。在当今的中国，人们已经见惯了各种艺术作品，但能为之产生更多共鸣的艺术作品简直是凤毛菱角，太多的艺术作品只能成为欣赏着的过眼云烟，瞬间忘却。只有忠于艺术，忠于生活的创作，体现出时代的特色和艺术家个性风格的作品，才能成为永恒的经典。

3多元化发展

工笔人物画虽然是中国传统绘画，而且经过千百年的流传，至今经久不衰。但是随着西方艺术思潮的涌入，加上日韩风格的侵袭，太多的创作元素涌入中国。在各种文化交流碰撞的时候，工笔人物绘画的创作需要有选择性地接受新鲜的创作风格，多元化发展并不代表全盘接受。艺术家应该选择更加适合自己创作风格的元素融入自己的绘画创作中。这样，既丰富了个人的创作，有提高了中国工笔人物绘画的整体水平[2]。

总结

中国的工笔人物绘画是我国民族艺术的瑰宝，在科技发达的当今社会，人们对这样传统的艺术创作给予了更多的热情和关注。工笔人物绘画的创作也发生了更多的变化，不仅创作题材增加，创作手法和画面构图等等都发生了新的变化。对于传统绘画技法和外来的艺术创作风格，艺术家要取其精华去其糟粕，保持个人独立风格的同时，有选择性地吸收。当代工笔人物画的未来发展，更应该建立一条即具有民族特色，又与当代艺术协调发展，充分发挥艺术家创作个性的创新之路。

参考文献：

[1]中国当代工笔画存在的十大问题，郎绍君，艺术生活，2011/01.

[2]当代工笔人物画的发展与创新_薛文峰，内蒙古民族大学学报，2007/01.

艺术创作方法范文篇2

（一）当代艺术设计与设计师的素质

杰出艺术设计师应具有两方面的基本素养，即知识的素养和创意的能力。知识的素养包括设计专业的知识、视觉艺术的素养，还有科技、消费心理等方面的知识。创意的能力是指具有敏锐地把握当下流行的元素，并将各种信息加以艺术综合和创造的能力。艺术设计是一种创意活动，其不同于工程领域中的设计之处就在于创意性。创意性首先体现的是设计者的个人观念，其次是在艺术设计产品中彰显出设计者独特的综合能力和创造力。飞利浦（中国香港）设计公司创意总监肖恩•休斯曾说过，其设计哲学就是，如果不能充分理解消费者、商业本身和工业科技这三大市场支柱，就不能生产出有意义的新产品。而对着三大支柱的综合考虑，如果不能增强产品结构的创新性，就会阻碍它的创新性。为了设计出有意义而又实用的产品，作为设计师，我们有责任去理解并应对这些分散因素所带来的挑战。

要应对挑战，就必须进行创新，即对设计者所面对的各种信息进行综合，创造出不同于其他产品结构的作品。因此当代杰出艺术设计师，仅仅具有纯粹的艺术设计专业技术是远远不够的，应具有谙熟当代艺术设计语境的素质以及综合创造的能力。当今是信息的时代，是大数据的时代，是互融、交互的时代。艺术如此，艺术设计同样如此。正如新媒体艺术家阿斯科特所认为的那样，我们正在走向融合的艺术，其反映和建设在现实中的融合的文化。融合思想的应用具有独特和积极的影响。它加速了技术智力的进化、消灭正统思想、挑战代表性、打破教条、直面唯物主义、要求参与、杂交身份、舒缓社会交往并重新排列时间和空间的秩序。杰出的当代艺术设计师应适应当下融合时代的要求，将综合各种信息，并且能够加以重组，进而进一步创意，是为综合创意的能力，这就是当代艺术设计师所具有的素质。如何应对培养和提高未来艺术设计师素质的挑战，是每个从事艺术设计的教育者首要解决的问题。这个问题的解决取决于课程教学模式的改变，构建新的教学模式，这种模式是围绕着当代艺术设计特点，培养艺术设计专业学生艺术设计的基本素养，着眼于培养对信息的综合能力和创造能力，或可以认为这些能力的培养是产生设计大师的必由之路。

（二）以作”为行为方式的美术欣赏课程的教学模式

开设不同课程，给学生建立了学习和掌握不同知识信息的平台。就美术欣赏课程而言，它为艺术设计专业的学生提供了艺术形式、观念、艺术思潮、社会、美学等方面的信息，这些知识信息是艺术设计师具有的基本素养。美术作品本身就是多种信息的组合体，这些信息包含着艺术家的观念、审美以及创作定式，同时还打上艺术家所处的那个时代的烙印。传统的美术欣赏课程教学注重对美术作品的信息解读，尤其强调对美术作品的感知，强调个人性情的陶冶，即便是艺术设计专业的美术欣赏课程（包括近期出版的一些艺术设计专业美术欣赏的教材）也强调美术欣赏最后的共鸣，教学方法是着力于知识的把握、作品内容和意义的解读、形式和技巧及表现性的讲解。这种教学模式是一种知识传授，是一种述”的表达模式，是一种由作品到作品的解说方式，这种模式下的教学充其量只是达到个人修养的目的，在当前这个强调艺术创新的时代远不能满足艺术设计师对于艺术设计基本素养和创新的要求。

对于学习艺术设计专业的学生来说，要构建不同于传统讲述式的教学模式，建立新的以作”为行为方式的美术欣赏教学模式，所谓作”，即做、创造，即关注如何引导学生学会重组信息、如何建立再创造的观念和方法。在提高艺术设计专业学生的视觉素养的同时，培养学生的再创造思维能力，这种能力是将美术作品中所含的各种信息进行重新组合排列，并将自己的认识融入到美术作品中，进行再创造，从而赋予美术作品新的意义，在此基础上衍生出不同于这件美术作品的全新的艺术信息，即新的形式和评价，这种新的形式与评价是能与艺术设计建构起某种关联关系。学生能通过这种关联，将这个新的艺术形式和评价应用于自己的艺术设计中。因此，艺术设计专业的美术欣赏课程教学模式不是停留于述”的层面上，不是仅仅对美术作品的解读，而是在作”的层面上，这种作”的方式就是重组与再创造，即对信息的重组和再创造，这种教学模式是思想行为的方式，其教学方式是培养艺术设计专业的学生树立独立分析、解构的行为观念，养成重新组合艺术、观念、社会等信息的行为方式。

二、行为观点和方式教学模式下的美术欣赏课程教学

艺术设计的主要要素是图像形式和媒材，这也是纯艺术作品所具有的要素。如果说纯艺术强调个体的主观表现，那么艺术设计更强调实用的原则。以作”为行为方式的美术欣赏课程教学模式，主要观点是强调行为的观念，即要求艺术设计专业的学生在课程学习中树立自我创造的观念，具体到课程教学设计上应围绕如何引导学生将重组的艺术的信息，并由学生独立思考或团队合作来解决如何将思考合议的结果，应用到他们解决设计中遇到的问题，从而提高他们的创造能力。

（一）解构、比较、综合艺术的信息

艺术很大程度上是自由发展的思想，以及创造包含着它们的形式与结构”。美术欣赏课程教学中首先是解构，即对不同作品中点、线、面、结构进行分析、理解，找出其中的各种关系；其次是比较，将作品包含的艺术信息进行对比研究，探究艺术信息的关联性与延伸性，寻找反映这些信息的目的性。例如，在美术欣赏教学中可以通过解构和比较毕加索与其他艺术大师的作品，引导学生认识、了解图像的形式和观念，理解艺术大师是如何综合艺术的信息。立体派大师毕加索曾研究过塞尚等大师的绘画，通过解构毕加索的作品，以及对比其他大师的绘画作品，可以看到毕加索修长人物的造型受到了西班牙画家格列柯的影响。被称为现代艺术之父的塞尚对现代艺术的贡献，不仅是改变人们艺术观察与艺术思维的方式，而且用全新的艺术表现手法来诠释艺术。毕加索几何化表现方法，正是在这个基础上发展而来。毕加索同样也吸收了黑人艺术的元素，他的艺术是在分析解构他人艺术信息的基础上，激发了创作的灵感，进行了重组与再创造。美术欣赏教学中将各名家作品中所涵盖的信息加以比较，正如在欣赏毕加索的艺术时，可以将他与格列柯、塞尚等大师的作品联系起来加以比较研究，找到艺术大师分析、综合信息的方法，为下一步进行重构艺术信息做好准备。

（二）重新建构艺术的信息，结合现代艺术观念，激发设计的灵感

美术欣赏课程教学中，首先是引导学生解构作品的形式、色彩、构图、空间等关系，其次是联想与重组。当一幅作品展现在学生眼前时，学生作为美术作品的观众需要融入其中，了解作品的建构，究其原因，延伸艺术作品的意义，从中寻找出可能激发学生设计创意的灵感，将零散的、不规整的元素重新组合起来。将现代艺术的形式、观念引入到艺术设计中的方法是现代艺术设计大师的主要手段，无论是西摩•切瓦斯特、冈特•兰堡还是福田繁雄，无不是将艺术信息、现代艺术观念加以综合与创造，进而成就自己的设计风格。艺术贵在创新，而创新贵在对信息的综合与创造。现代艺术无论是观念还是形式上都给予人们许多启发，激发其他艺术家的创作灵感。现代艺术大师波洛克通过描绘漩涡、循环、联系，以及色彩和线条的融合来模仿连接性，也为现代绘画带来了更高吸引力的网络世界中的形象。

波洛克是第一个将牢牢固定在画框中的画从艺术馆的墙上摘下来的人，他开始关注的是大地艺术，为行动和交互提供场所，为全面的观察方式、想象和构筑奠定基础，并形成全新的艺术美学态度，直接影响着我们这些数字空间中的主要继承人和受益人。现代主义艺术思想对艺术设计思想有着很重要的作用，以现代平面设计为例，立体主义的形式、未来主义的思想观念、达达主义的版面编排、超现实主义对插图和版面有着很大的影响。他们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养，或是在形式上提供了改革的借鉴。时代已经打破了唯艺术至上的神秘光环，人人皆是艺术家，生活为艺术提供了所有的一切，艺术与设计、艺术与科学相互渗透、相互融合、互为启发是当代艺术的特征之一。分析艺术现象、艺术观念的形成发展，可以清晰地显现出艺术作品与艺术设计间的相互影响，这种分析综合在美术欣赏课程教学中的运用，能够对当代艺术观念有深层的认识，能够启发学生的进一步思考，从而激发艺术设计的灵感。

（三）创造能力的培养

美术欣赏课程的教学模式根据不同的教学对象而建立，对于艺术设计专业的学生而言，教学模式应围绕创造力的培养而设置。这种创造力是能创造出新的图像形式、观念的能力，对学生在设计专业实践中起到引导作用。这种创造力的培养是在作”为行为方式的美术教学模式下，进过分析、综合、重组信息的基础上产生的。正如塞尚，他之所以成为现代艺术之父，就在于他对以鲁本斯、德拉克罗瓦，以及威尼斯画派、巴洛克风格绘画，还有印象派的绘画进行了大量的研究，发挥其色彩的敏锐感，将分散于各派的形式、用色这些元素进行重新组合，延伸其中的艺术意义，构成了其独具个性的结构形式。这是一种创意的行为，是设计专业学生必备的素养之一。

日本设计师谷口广树谈到自己的艺术设计学习过程时说：大学时，我选择了造型设计的研究室，而不是可以直接学习平面设计的研究室。我们学过漆艺和型染，也学书法、铜版书和网板书（绢印）等课程。当时学习的王羲之和颜真卿的书法，成了我拓展表现领域的杀手锏。此外也受教于当时的新锐画家有元利夫先生，通过云繝彩色习得日本画的基本知识，有助于了解有元利夫作品的方法论，而我在感受到这些不可思议的因果关系的同时，也激发了创作的热情。创意的灵感来自主客观的契合，这些契合是在艺术设计方面为有意识和有行为的人准备的。有了创意的灵感，即可为创造打下基础，培养和提高创造能力。

三、结语

艺术创作方法范文1篇3

【关键词】艺术歌曲;形成;发展;特色

中图分类号：J605文献标志码：A文章编号：1007-0125（2015）02-0059-01

一、新音乐风格的开端

20世纪20年代艺术歌曲传入中国，而我国于1927年在上海建立了第一所独立的、规模较大、制度也较为健全的的专业院校――上海国立音乐专科学校。以此为代表的专业音乐院校，不仅为中国艺术歌曲的表演实践和推广传播作出了贡献，更重要的是为艺术歌曲的创作提供了重要的技术支持。这些新成立的音乐院校具备了较为科学、系统、完善的专业音乐教育的实力与条件，在这里能够学习到西方的先进音乐理论，同样能够学习到系统的西方音乐创作手法。

通过以上海国立音乐专科学校为代表的专业音乐院校的建立，为中国艺术歌曲的发展奠定了良好的基础，拓宽了发展的空间。首先，在20世纪20-40年代，严肃音乐是这些音乐院校的中心，这些院校多以音乐会的形式来展现新音乐文化，所以，很多作曲家都通过音乐学校设立的这个舞台将创作的艺术歌曲传播出去。其次，20世纪20年代初，西洋声乐的演唱方法在很多专业的音乐院校里都有教授，这就是中国人对“美声唱法”的最初认识，这种歌曲的演唱方法则成为了中国艺术歌曲在实践方面的重要因素。最后，传播中国艺术歌曲的另一个途径则是由这些音乐院校设立的音乐刊物，如上海国立音专的《音乐杂志》、《乐艺》等，这些期刊对于传播中国艺术歌曲起到了重要的作用。与音乐刊物相同的是艺术歌曲作品专集，由出版社出版的《今乐初集》、《新诗歌集》、《新歌初集》、《音境》和《清歌集》等与音乐刊物一样为中国艺术歌曲在文字方面的发展与传播作出了很重要的贡献。

二、新音乐风格的艺术特点

（一）音乐创作的特点

异于传统作曲技法的应用与实践是这一时期艺术歌曲创作的特点。艺术歌曲的创作主要是运用中国传统音乐文化与欧洲作曲技法相结合的方法。在艺术歌曲领域中民族化的写作手法已经逐渐成熟起来，作曲家对调式、调性、和声以及歌曲曲式结构方面的布局也已经非常成熟。如江文也在进行艺术歌曲创作的时候跳出了传统创作的模式，大胆地探求浪漫派、印象派、民族乐派、新民族乐派的音乐风格，在追求新颖的作曲技法的同时注重与中国传统民族文化相结合。如他的艺术歌曲《台湾山地同胞歌》在运用台湾民族音乐元素的同时还加入了印象派音乐元素。谭小麟也代表了这一时期艺术歌曲的创作，他在创作中将中国传统音乐文化与欧洲亨德米特的现代派音乐技法相结合。

在艺术歌曲的钢琴伴奏部分，作曲家在创作声乐旋律的同时，进一步将钢琴伴奏对歌曲意境的烘托、对歌曲情感内容的表现以及对歌曲未尽之意的进一步挖掘发挥了出来。如江定仙创作的艺术歌曲《岁月悠悠》，钢琴伴奏部分中第二段的间奏重复了第一段的第一个乐句，而第二段的第一句旋律后的间奏又是对上一句的模仿，运用卡农模仿的技法将钢琴伴奏与声乐相结合形成了互相补充的遥相呼应的感觉。

（二）歌曲题材的特点

1.反映社会现实的题材：20世纪20-40年代社会动荡，民族危难重重，内忧外患局面严重。作曲家从现实生活中选取了一些真实的题材，以亲身经历后的灵感进行创作并加入了革命的因素。作曲家将音乐文化作为武器肩负起社会责任，作品中的革命因素和斗争因素以及歌词内容对人民苦难生活的描写使这些艺术歌曲具有了积极的社会意义。此时期的艺术歌曲大多具有现实主义文学风格，更加注重歌曲的社会功能效用，因此歌曲旋律大多铿锵有力，风格朴实自然。

2.以古诗词为题材：作曲家用精湛的作曲技术和生动形象的音乐语言表达了以古诗词为题材的艺术歌曲的或浪漫，或壮烈，或吟咏美景江山，或感叹生不逢时、怀才不遇的意境，体现了中国传统古典的韵味美。这一类的艺术歌曲较反映社会现实的艺术歌曲在形式和内容上更加艺术化，也更能体现出中国传统文化的韵味。

回顾艺术歌曲的发展，自20世纪20年代诞生以来，几代的作曲家在几十年的艺术歌曲发展到相对成熟的过程中倾注了对祖国人民以及对中国传统音乐的热情，通过大胆的探索以及不畏艰辛的努力，谱写出了中国艺术歌曲伟大的诗篇，后世的人们留下了宝贵的财富。我们可以从这一阶段的艺术歌曲中看到中国音乐发展的面貌，看到中西音乐交流的艺术成果，看到一种新的音乐风格在中国音乐史上的长足发展。

参考文献：

[1]刘聪.对我国艺术歌曲创作现状及相关问题的思考[J].人民音乐，2001（9）.

艺术创作方法范文篇4

1.思想指导方面

艺术创作的过程是创作者在先进的美术理论指导下，进行独特的构想与规划，结合自己的灵感与想法进行艺术创作，而非简单的元素组合、图形搭配、寓意灌输等，因此创作思路很重要。先进的美术理论可以指导创作思路，引导创作者完成作品的造型设想、意图填充，避免思想偏差引起的创作环节的失误。

2.选材指导方面

美术理论对于创作题材的选择方面也具有重要的指导作用。众所周知，艺术来源于生活，每一项艺术的创作活动都需要以实际的素材为依据，这样不仅可以激发创作者的创作灵感，而且可以丰富创作的内容及表现手法，以便创造出具有价值的艺术作品。

3.创作指导方面

美术理论对于艺术创作的指导主要表现在创作思路的形成、创作意境的设想、创作人物的形象体现等多个方面。美术理论贯穿整个艺术创作的过程，只有系统、完善的美术理论才能有效地指导艺术创作。

4.批评指导方面

美术批评作为广义美术理论的主要组成部分，其核心思想是对已完成的作品进行合理、客观、全面、综合的评价与考核，促使作品的美术价值及意义得到提升和改进。

二、美术理论指导下的主要艺术创作方法

1.民间艺术创作法

“民间艺术创作法”主要是倡导、引导创作者利用和挖掘民间艺术文化资源，以美术史中记载的多民族的传统艺术文化为创作依据，发展自身的艺术特色，拓展艺术创作的视角和领域。美术理论指导下的“民间创作”不同于其他性质的艺术，它在人物塑造和情景设置上往往倾向于追求情感的真实性，即美术作品要能充分展示和流露创作者的感彩，对于形象的真不做过多要求，遵循“不求形似，但求神似”的创作境界和主观感受，造型上体现出民间作家的随意、即兴等特点。

2.宗教观念创作法

宗教在我国传统文化的发展史上占有特殊而重要的地位，综观我国的艺术创作，宗教题材的艺术往往具有较强的感染力和影响力。美术理论指导下的“宗教观念法”主要是指在美术作品的创作过程中，要求创作者根据古典的宗教思想及观念，结合宗教文化的特殊内涵，不断拓展、延伸作品的内在价值和外在影响。如民间艺人对于宗教观念如“因果报应”的美术造型设计与展示，使艺术作品充分体现出宗教价值观念及意义。

3.形象塑造创作法

创作者进行艺术创作的根本就是在先进的美术理论指导下，运用专业知识或通过其他艺术家的辅助进行创作。艺术创作过程中，作品形象的塑造很关键。优秀艺术作品的外在形象不仅能够体现艺术作品的内在涵义，而且能够给人带来美好的视觉享受。因此，在艺术作品的形象塑造方面，创作者首先要明确创作意图和主题，在脑海里勾画出创作的意境。其次，在作品的构思过程中，创作者要综合考虑绘图的实际效果，使绘图看起来赏心悦目，在色彩的搭配、元素的填充等方面要注重实物的特点描写和设计等，这样才能创作出令人满意的艺术作品。

三、结语

艺术创作方法范文篇5

关键词：艺术创作；社会；经济；最大化

艺术的创作来源于生活，同时要高于生活。在进行艺术的创作中需要体现作品的社会价值，展现出作者创作作品自身的主流思想，弘扬出民族的正能量，为人类社会提供精神食粮。同时，艺术创作还要与经济建设紧密结合，在经济建设中发挥它独特的作用，传递出正能量，为经济建设服务，实现作品的经济价值。深刻的、最大化的体现出艺术作品的社会和经济价值，是艺术创作必须重视的课题。

一、艺术创作概述

（一）艺术创作含义

艺术创作活动是人类特有的活动，是一种较为复杂的和高级的精神活动和实践活动。主要是指艺术家以一定的世界观为指导，运用自己的艺术经验、艺术观念以及审美体验，通过对现实生活进行观察、体验、研究、分析、选择、加工、提炼，采用一定的创作方法，使用一定的艺术媒介和艺术语言，塑造艺术形象，创作艺术作品的创造性劳动。

艺术创作主要包括三个活动：艺术体验活动，这种活动主要是将自身的较为活跃和丰富的内心活动，以及在进行活动的过程中表现出来的情感表达，通过艺术家的思维进行观察和思考，形成艺术创作的前提和基础，然后在这个基础上萌生出创作的欲望。只有大量的积累生活素材，艺术家才能从中深刻的提炼出内在的思想和表达，真实的将自身的思想通过艺术的创作进行传达，实现艺术的魅力和价值；艺术构思活动，这是活动时在艺术体验的基础上展示出来的一种活动，主要是将基础的艺术体验活动进行加工、提炼、组合和升华，并将艺术家的情感主体和现实的客体进行统一，实现主体与客体、现象与本质、感性和理性的统一；艺术传达活动，艺术传达活动主要是在艺术体验和艺术构思的基础上，艺术家凭借一定的物质材料和艺术的语言，运用基本的艺术创作手段和艺术创作技巧，将构思的艺术形象向艺术产品的角度进行转变，形成艺术作品。

（二）艺术创作方法

谈到艺术创作方法，人们对其观点各异，有些人认为艺术创作方法是创作者在创作时所遵循的条条框框，有些人则认为艺术创作方法是创作者的一种创作精神，更有人认为是创作的流派。其实，艺术创作方法既与创作原则不同，又与创作的精神和流派迥异。创作原则是指创作者无论采用什么样的创作方法都应当遵循的原则。而创作原则在一定能程度上可以总结为真实性、形象性、审美性。真实性主要是指艺术作品要真实的反应现实生活，从艺术作品的立意到构思，再到下笔创作，情节的安排，语言的运用，都应当以现实生活的真实性作为契机。这是艺术创作最基本的原则。对于一件绘画或摄影等形式的艺术作品，丰富的想象、灵感和高超的手法固然重要，但必须是建立在真实性的基础上，这里的真实性并不是说艺术作品必须完全与事实相同，而是说应当建立在真实生活的基础上。因此，在古今中外的艺术创作中，无论是怎样的创作方法，创作大师们都将真实性放在非常重要的地位。第二是形象性，众所周知，无论从属怎样的流派的艺术，都应当形象的反应生活，以直观的形式展现在人们面前。最后一个原则是审美性，艺术是源于生活而高于生活，因此艺术创作在遵循真实性、形象性原则的基础上更应当给人以美感，将生活加以审美加工，赋予更多的审美意义，给人以视觉享受。由此可见，艺术创作原则与艺术创作方法是截然不同的，不可混为一谈。艺术创作方法是指艺术家创作时处理艺术与现实间的关系，是艺术家运用特定的艺术形式，创作特定的艺术作品的方法。

二、艺术创作与社会经济的关系

（一）艺术与社会的关系

艺术作为人类的一种意识形态的产物，在社会发展的过程中深入的展现了社会和环境的发展，同时也受到时展的影响。艺术是社会生活的一种形象的反映，艺术若是离开了社会就离开了自身生存的土壤，失去了生命的价值，所以艺术是存在于社会之中的。而且社会也在不断的为艺术创作提供原料，使得艺术创作不断的发展，产生强大的生命力和活力。艺术和社会是不可分离的整体，在进行艺术创作的过程中要将基本的社会事件和精神进行深入的思考，从社会的角度出发进行创作，这样才能展示出丰富的思想内涵。而艺术的创作和发展，可以提升社会的整体审美，使得社会的发展更加具有艺术性。因此艺术是和社会发展相互影响和制约的。

（二）艺术与经济的关系

艺术与经济的关系，笔者认为包含两个方面。一是艺术进入市场由来已久，早在明清时期，就有文人墨客将自身的作品进入市场进行流通。后期随着市场的不断完善，艺术与市场的关系就更加的密切。所以随着经济的发展和工业文明的崛起，艺术的传播形式和途径也发生了巨大的变化。影视剧、音乐会、书画展等等，这些艺术行为的商业性特点是显而易见的，它们不再仅仅单纯地为了满足人类的精神享受为主要目的，而获取更多的经济利益也是这些艺术行为要重点考虑的因素了，艺术作品通过市场的运作，实现其本身的经济价值。二是艺术服务于经济活动，也就是常说的“艺术搭台，经济唱戏”，在经济活动中间接地产生更高的附加经济价值。因此，艺术是和经济紧密的联系在一起的，艺术创作具有多重的经济价值。

三、结合案例提出建议

（一）案例分析

笔者在自身的艺术创作探索中的切身实践体会是不孤立的以艺术为艺术，不仅强调艺术的专业素养，而且更注重艺术作品对社会产生的深远影响，始终认为：真正的好作品，不但是能得到专家认可，具有极高的学术价值的作品，而且是能得到人们群众喜爱，能以小见大，能改变一种事物或是现状，能够推动社会向前发展和进步，具有极大的社会和经济价值的作品。笔者始终坚持艺术创作为现实社会生活提供正能量，在社会上取得了较大的影响，在实现自身价值的基础上使得艺术的发展和社会的进步紧密的联系在一起。多年来，笔者还将艺术创作与政府的经济建设紧密结合，发挥艺术作品的社会效应，带动经济产业的发展。通过艺术作品的传播，不但笔者的作品得到社会各界的广泛认同，带来了很好的社会效益和经济效益，而且为张家界市政府开发旅游产业，发展旅游经济带来巨大的经济效益。

经过实践，笔者以张家界风光风情为题材创作的摄影、绘画作品通过各种途径已传播到世界各个角落。无论是从高雅的世界著名博物馆、图书馆到偏远的乡村、社区，还是从国家领导人居所到寻常百姓家，都能见到笔者的作品。笔者的作品被全国性出版物广泛使用，并多次用在封面的重要版面位置。如《求是》、《人民画报》、《中国日报》、《中国摄影》、《中国摄影家》、《中国国家地理》、《中国旅游》等。且作品于2000年、2001年、2002年三次选定为全国九年义务教育初中语文第二册、小学语文第六册、第八册、第十册课本用图，让数亿中国的学龄期少年儿童认知了祖国的山河中有张家界这一片秀美景致。国内外出版机构出版、发行了有多语种对照的笔者的作品专著、专辑《孙建华画集》、《神奇的张家界》、《ZHANGJIAJIE》等美术、摄影画册及邮政邮资明信片、VCD、DVD风光片四十多种，其中《ZHANGJIAJIE》由MarshallCavendish国际出版集团向世界各国出版发行。国家邮政采用笔者的艺术创作作品为邮政邮资图（邮票）发行明信片，使张家界登上了“国家名片”。大量的美术、摄影等艺术作品多次在北京、上海地铁、高铁各站及全国许多城市、东南亚、欧美等国家、地区展出。一系列的主题艺术创作与社会和经济建设活动紧密结合，一系列艺术创作、创新成果所产生的深远作用，使张家界市从1988年建市至今，相继进入《世界自然遗产名录》，成为世界地质公园，旅游人次从数十万发展到2015年的5075万，旅游收入从几十万元达到了2015年的340亿元。

从笔者多年实践及创作相关作品所取得的成就可以看出，艺术不仅仅可以提升自身的修养和价值，而且艺术家将自身的作品进行传输，让越来越多的人通过艺术去感受其中所要表达的精神和文化内涵，同时可以产生巨大的社会和经济价值。案例中笔者所创作的作品大多是根据实际的风景和风情，并将风景和风情中深入隐藏的精神内涵和想要表达的思想通过作品进行展示，这样达到了事半功倍的效果，使得具有极高的审美价值和深刻的文化、精神内涵的张家界地区吸引了更多的投资和游客，对当地经济的发展和商业的开发具有重要的作用。

（二）根据上述案例得出结论

1、艺术创作要想实现社会和经济价值的最大化需要和现实社会相结合

艺术创作想要得到社会各界的认可，就需要从社会的实际出发，根据社会的主流思想和主流意识，将社会的基本生活和基本意识进行传达，这样才能将社会的主流思想运用到日常的生活中，使得自身的艺术更加的具有深度和表达的艺术能力，将主流的思想通过自己的加工更加深入的进行表达，加深自己的理解，并将自身的思想进一步的进行传达，这样可以更加深入的加深社会的理解。艺术创作者可以借助自身的名气产生一定的影响，如果艺术家在进行艺术创作的过程中能够将社会的主流思想通过创作进行表达，并进一步的将主流思想进行传达，效果会更好，对社会的影响也会更加的深入，这样可以进一步的将社会的价值进行体现。例如案例中，笔者在进行美术、摄影等艺术的创作过程中主要是采用中国乃至世界具有特色的风景和风情，在进行创作的时候主要是以祖国为主要题材，反映出伟大祖国的美丽和不断变化，将自身的爱国主义情感进行深入的表达，从而展现出了强烈的爱国主义情怀，在社会上引起广泛的关注，深入的表达了社会的价值。

2、艺术创作要想实现社会和经济价值的最大化需要和经济效益进行结合

在进行艺术创作的过程中需要将艺术的经济价值进行深入的体现，这样才能将艺术的价值进行进一步的发挥。因为经济的价值最终会体现在艺术的创作中。例如案例中，笔者利用自身的优势，将张家界的风景、风情进行展示，带动了当地旅游的发展，使得当地的经济发展程度进一步的得到提升，同时在经济不断发展的阶段，继续为本地经济的发展带来巨大的财富，促进当地旅游业和其他行业的进步，并以此作为契机进一步的将当地的经济全面的带动起来，提升了整体的经济实力。张家界现今在旅游业中占据较为重要的地位，艺术创作带动旅游，旅游带动经济发展的作用较为明显。因此在进行艺术创作的过程中可以将艺术的效益和经济效益进行结合，这样更加能够促进经济的进步和发展，实现艺术创作的最大化经济价值。

3、艺术创作要想实现社会和经济价值的最大化需要关注社会的主流思想

艺术创作要和社会的进步相协调，不能出现和社会的主流思想相违背的情形，这样才能得到社会的认可。艺术创作对社会的发展具有促进的作用，在进行艺术的创作中需要对社会进行深入的了解，要将符合社会发展需求的内容和社会的内涵进行表达，通过这样的方式把艺术创作与社会效益紧密结合，坚持艺术为大众服务、为党的工作服务、为精神文明建设服务，传播正能量。在经济文化昌盛时期，艺术作品一般是昂扬积极的，大气磅礴的，如李白的诗歌，我们总能在诗中感受到大唐的盛大气势和辉煌成就，这是因诗人生活在物质富足的生活环境中，没有贫苦的忧虑，只有满眼的兴盛生活。而到了唐朝后期，社会动荡，经济的衰败，诗人所看所感是苍凉与悲哀，人民的流离失所，朝廷的昏庸腐败，也因此才造就了杜甫的悲怆与无奈。因此，在进行艺术创作的过程中应该注意发扬主流的思想。

四、结束语

翻看艺术发展的历史画页我们总能从中找到其所在的社会的影子，感受到那时的精神文化气息和人们的生活面貌，艺术反映了社会，社会影响了艺术。社会在不停的向前发展，所以它也就能始终不断地为艺术家提供艺术创作的原材料，从而产生更多更新的艺术形式和艺术内容。同时，艺术和经济的关系也是较为密切的，对经济的发展具有促进的作用。在艺术创作中，把握好了三者的辩证关系，充分拓展有利途径，就一定能够实现艺术创作的社会和经济价值最大化。

参考文献：

[1]曾令香.多元互动：公共艺术创作方法研究[D].中国美术学院，2013.

[2]李梓宁.探微艺术创作中的“真性情”[D].山西师范大学，2014.

艺术创作方法范文

一、现实主义

现实主义的艺术创作方法,反映在文学(诗词)创作中的基本形式,就是作者反映出来的是真实的本来的生活面貌,通过再现这真实的本来的生活面貌反映出生活的本质的东西。古代最有代表性的现实主义的艺术创作诗人有杜甫、白居易。如杜甫的《春望》:

国破山河在,城春草木深。

感时花溅泪,恨别鸟惊心。

烽火连三月,家书抵万金。

白头搔更短,浑欲不胜簪。

作者在字里行间,反映的是山河破碎,兵荒马乱带给人们的深重灾难,是生活的真实写照,是作者面对真实生活的感情流露。还有作者的“三吏”“三别”,《兵车行》等等。通过这些作品,让人们了解到了当时的社会现实情况,也看到了作者本人对社会现实的深切感受,揭示出了当时社会最本质的东西:兵连祸结,人民生活苦不堪言。

白居易最有代表性的现实主义作品莫过于《秦中吟》。他在《重赋》中揭示了酷吏逼租,官仓充盈,而人民穷苦的现实。《伤宅》中揭露了达官贵族的豪奢生活。《轻肥》揭露了宦官的嚣张气焰,并且在结尾时说“是岁江南旱,衢州人食人”这样一种残酷的社会现实。

用浅显的语言说,现实主义的艺术创作就是忠于事实,关注生活,贴近生活,再现历史。这是诗人的爱国热情在文学中的具体表现,也是判断诗人采用的是现实主义的艺术方法还是其他艺术方法的标准。

艺术创作方法范文篇7

【关键词】艺术发展规律；继承；延续

艺术发展具有其自身的历史继承性与必然性。艺术的发展，不是人类随心所欲而推动的。它是而且只能是在对其过去的所有积累予以有效继承的基础上，再加以创造，如此推动发展的。我们今天所见的众多、丰富的艺术现象，它们都不是说有就有，说无就无的。艺术自萌生以后，也便有了其独有的传统范畴和价值体系。而艺术本身是作为一种动态的独立的文化系统而存在的，其要有存在的高质量，就必须要发展。但在促进其发展过程中，必须防止僵化，停滞的因素出现。即要赋予艺术传统发展的新的活力和生命。其中首要的问题是要认真研究艺术发展的客观继承性问题。

所谓艺术发展的自身历史继承性，是指前代的艺术，总是给后代的艺术以巨大潜在的影响；后代的艺术又总是要继承前代艺术的成果而发展。二者是相互交错、互相影响的关系。没有艺术的继承性，也就不会形成艺术史，不会形成今天我们面对的丰富多样的艺术创造实践行为了。这些都是艺术发展的历史必然。其次，艺术继承的内容具有多元丰富性。对传统的继承，应是多方面的、立体化和系统性的。构成某一事物传统的本身，是呈多元性形态的。艺术传统也一样。概括起来，对艺术文化传统的继承有两方面。一是指继承艺术文化传统中的精神文化，即艺术文化传统中非物质性方面的内容。其具体表现在——第一，要继承艺术文化传统中的情感姻缘。也就是说不同种族的人对艺术的省悟和感受是很不相同的，特定而同一种族的人，对其先辈遗留的民族艺术文化是有着先天性的情感脉源关系的，这是一种类似神授的天然情缘。继承艺术文化传统，首先应注重体悟和把握民族艺术的固有情愫底蕴。

第二，要继承艺术文化传统中蕴含的精神品性和美学价值。俗话说：千年的河床已变换，万年的流水永不干。同理，在继承艺术文化传统的过程中，有的内容是永远地让它束之高阁。如当今仍在练习甲骨文书法艺术的书法家或篆刻家，多数人是绝对不会再去大量地采集龟壳兽骨等动物骨头来作练习或创作的形象载体和工具了。但传统中的有些东西却是万古流芳而不朽的。就如甲骨文字体本身及其美学价值，只要中华民族还存在一天，它就不会失去民族艺术永恒的美学价值和历史价值。所以，在艺术文化传统中万古流芳和后人必须要继承的内容，是艺术文化传统中蕴含的精神品性和美学价值。

此外，具体的个人如要学习艺术文化传统中的某家、某派，也主要是继承学习其对艺术的态度和创新精神，及其在作品中整体凝结出的美学意蕴和品位价值。而不仅是停留在单一地学习某家一招一式的纯技术性的内容层面上。如中国的著名画家李苦禅向齐白石大师学习中国绘画，他学习继承和把握的是齐白石的“人格”，“忠实于艺术之态”、“全面修养”、“创造精神”等高于具体绘画方法之上的精神性的内容，而不仅是“夺得了笔墨造型的规律”。

第三，要继承艺术文化传统中丰富多样的艺术门类，即指继承前人创造的如音乐、舞蹈、绘画、雕塑、文学、戏剧、建筑等具体的艺术表达表现方式。每一具体艺术门类的特有艺术思想、美学价值、构成形式、创作表现手法等，都是前人在长期的艺术创造实践过程中的智慧结晶。这在客观上提供了给后人学习继承艺术、创造发展艺术的条件和可能。不过，艺术发展的历史史命，要求我们在坚实的传统基础上，有新的探索、新的创造、新的成就。只有这样，才能在真正意义上继承好艺术文化的传统。

第四，要继承艺术文化传统中带永恒性的主题和题材性内容。在艺术发展的长河中，诸多反映和表现人类对自然山川的钟爱、对生命的礼赞、对情爱姻缘的颂歌等永恒主题和题材内容，是反复出现、经久不衰的，它激励和促进了人类文明的进步、发展。因此，我们应认真地继承发展人类永恒的美好的主题，创作出能更好地满足人们日益提高的精神文化生活需要的艺术和艺术作品。

再次，我们继承艺术传统的目的，是为了更好、更有效地促进艺术自身的不断发展。所以，艺术传统继承的实质是：革新与创造。这是因为，第一，继承与创造同在。继承是艺术发展的必经之路，创造是艺术的生命。二者是紧密联系相互作用、缺一不可的关系。没有艺术的革新创造发展，就谈不上很好地继承了艺术传统，不认真地继承艺术传统，也不能有效长地促进艺术的革新与创造。其中，艺术家以什么样的认识水平、心态和具体的方法和继承艺术传统、创造艺术，将直接影响到艺术发展的质量和水平。所以，艺术家应充分发挥自身的艺术的领悟能力、遵从艺术审美的特质，寻求艺术革新创造、发展的内核，创造出充分体现当代人审美理想、精神风貌的优秀艺术品，以满足人们的审美精神需要。第二，学习继承前人法度，是艺术家为了探索创造自家风格和创造新的艺术作品。因此，艺术家一方面必须树立艺术的创造创新意识。以此作为艺术家主动积极地开展艺术创造实践活动的宗旨和出发点，以求随时不断地去探索至真、至诚的艺术发展的真谛和秘意。另方面具备塑我必先毁我的艺术虔诚的求异创新精神。一个艺术家欲在自我具体的艺术实践历程中，有所创造和建树，需要其有足够的胆识和能力去大胆、开拓性地——既要敢于打破前人的壁垒和既定套路，又要敢于突破自我的框界和“成就”——经营、创造自己的艺术田园。正如贝多芬的名言：“为了获得‘更美’的效果，没有一条规律不可被破坏”。不过，艺术家个体的艺术追求和实践创造，应遵循艺术的自律性原理和艺术他律性原理。即古人云“变法于法度之中”。

最后，艺术继承与创造的总原则和方法。艺术传统既是宝贵的财富，又是沉重的包袱。传统能演化出多各艺术流派的事实，证明传统财富具有潜力性和可变性特征。但艺术流派形成后的因循守旧、陈陈相因，又证明艺术传统的包袱能使人窒息、能阻碍艺术的革新与发展。固守陈法而不思想演变是导致陈陈相因的主要原因。面对前人宠杂多样的艺术现象、形式和内容，如何更好地让其勃兴发展，继承的态度和方法是关键。

参考文献：

[1]

（英）贡布里希著，范景中译.《艺术发展史》，天津人美出版社.

[2]（英）贡布里希著，范景中译.《艺术的故事》，广西美术出版社.

[3]（英）苏珊·伍德福德编著.《剑桥艺术史：古希腊罗马艺术风格》，译林出版社.

艺术创作方法范文篇8

一、传统紫砂

何谓传统紫砂壶，像石瓢壶、掇球壶、仿古壶、秦权、虚扁壶、龙蛋、茄段壶等等，经过几百年的演变，溶入了无数艺人的心血，最终使形、神、气为一体，称为传统壶。传统壶品种讲究紫砂造型语言的纯度。紫砂壶的造型讲究工艺制成的线角的严正美”，材质润泽光华，色泽高雅的材质美”；曲直刚柔的形态美”。紫砂造型艺术犹如绘画中的人体艺术，不需任何装饰，展示的是自身的完美。特殊的材质，特殊的造型，特殊的成形方法，构成了紫砂造型语言，就是紫砂韵味，如同唱京剧必需用普通话一样。只有用紫砂造型语言，才能谈紫砂造型创作。而且所谓传统的紫砂壶的造型是，也只是我们对古代艺人的创作的一种肯定，因为我们所谓的传统，在一些具有现念的美院的学生及一些外国的陶艺家眼里，像石瓢、一粒珠等品种，他们认为很现代。

紫砂陶器成形工艺特别，手工成形是主要方法。其造型式样极为丰富，陶器色泽古朴典雅，器物表面还常镌刻诗文书画作为装饰，从而更加增添了造型的书卷气息，成为一种具有高雅气质和浓厚文化传统的实用艺术品，从一个方面鲜明地反映了中华民族造型的审美意识。紫砂在历史的长河中为我们留下了许多瑰宝，也留下了历史的痕迹。这一特殊的泡茶器具，虽然看似简单，但当中的学问却是仁者见仁智者见智。紫砂艺术的创新也顺应着当今社会的大环境，创新当然必不可少，但是在创新的同时也不可忘本，忽略其本来的艺术内涵，传统工艺。

二、传统紫砂艺术与其成形方法

紫砂壶艺是技术和艺术的有机结合，我们制陶的方法多种多样，有拉坯法、泥条盘筑法、压模法和注浆法等等，每一种方法都有各自的特点。根据宜兴陶土自身的特点，独创了一套和世界上所有手工成形方法不同的技术，即把陶泥放在木制的泥凳上，先锤打成片，然后把泥片围筑成圆型或镶接成方型，用木拍子打成形，这种成形方法学术界称之为片筑法”。这种成形方法比其它方法制陶操作简单，技术性更强，所制的陶器用宜兴话来讲就是泥门紧”，成品率高，而且体轻耐用。

宜兴紫砂壶艺是从日用陶中脱胎出来的艺术陶，制壶成形方法沿用片筑法”，就是全手工成型法。手法延续至今，虽然有了很大的改善，也由原来的单纯的全手工技法，演变至今的半手工等一些更为快捷的制壶方法。但是由于茶具、茶壶的体积比其它日用陶体积小，加上功能要求是泡茶、品茶之用，所以在制作的技术上面需要作者掌握的更加精细，做工要求更高，手法更妙。几百年技术上的精益求精，使紫砂茶具演化成了一门有独特语言的艺术陶瓷。这个过程当然是文化人和艺人们的共同创意的过程。艺术应该给人精神上赏心悦目的享受，给人们借某一物体以联想的空间，这个空间愈大，其艺术水准必然愈高。紫砂壶艺不是现代陶艺，它首先受功能需求的制约，也就是说要能作泡茶之用。在泡茶时能领略美感，又能为大多数人喜欢。紫砂壶艺是集实用、欣赏、把玩三种功能于一体的艺术，又是能包容吸收陶文化、茶文化及书法、绘画等多种传统文化于一体的艺术载体。书画艺术欣赏性很强，但缺乏日用性、把玩性，玉雕艺术具有欣赏性、把玩性，但缺乏实用性。紫砂艺术不同，既有很高的欣赏价值，又能在使用中把玩、欣赏，既有适用美感，又有视觉美感，亦有把玩抚摸美感。

宜兴紫砂工艺陶传统精华代表作品是紫砂茗壶。自明清至当代，茗壶制作的工艺质量等级，根据精、细而分为粗货、细货、特艺品三类档次。精货是面向社会的普通产品，细货指工艺陶产品，特艺品则是指有名艺人制作的作品，此类作品有很高的艺术价值、丰富的文化内涵、精湛的造型技艺。只有名人名作才是紫砂的优良传统，这种传统的名作型制典雅质朴、轮廓周正、线条清晰、比例恰当、整体大度、协调和谐、富有艺术感染力，是具有实用价值的工艺美术欣赏品。

三、紫砂艺术的创新

在宜兴这片蕴育出不少紫砂传奇的沃土上，当代紫砂艺人也在为紫砂的发扬光大做着努力，所以创新是必然的趋势。立足传统、继承弘扬、开拓创新，是我们新一代紫砂壶艺工作者肩负的光荣而艰巨任务。当代壶艺作品，应当具备强烈的时代气息，鲜明的民族特征，能够结合个人的文化素养，自然的审美情趣，抒发造型艺术语言，完美表达创意构思，给人以耳目一新的艺术感受。创新中应该注意三个方面的要素：（1）形象。即事物物体本身的形制状态，展现给人们的视觉形象；（2）神态。即通过形象表达散发出的精神状态；（3）气质。即造型内涵的实质性的美的本质。只要这三者能够融会贯通，再经过精心的设计构思、适当的泥料配置、严谨精心的制作，达到形神兼备、气韵生动，富有强烈的个性，则紫砂艺术就是具有真正的艺术感染力和生命力，就能在传统的基础上创造出更好、更完美的现代新作品。

艺术创作方法范文

关键词：艺术创作思维；绘画；艺术创作；认知

思维是人脑对现实事物间接的、概括的加工形式，含蓄或隐藏在语言或行动的呈现。思维是由复杂的大脑机制所产生。思维离不开意象，意象也包含思维的活动。思维观念是人脑对客观现实的反映的。艺术家的开展各种艺术创作的前提是视觉思维活动。艺术创作活动的实现包含了已形成的艺术心理定势和创作能力之上。艺术家使用必须掌握艺术创作手段和方法，将来源于生活的各种素材，按照一个特定的主题方向，展开艺术思维，尤其是形象思维，以形成一个相对完整的艺术意象，并且利用绘画语言和表达手法，物化为艺术形象，这个过程揭示了所有的艺术品的创造活动的规律。绘画创作来源于社会生活，但生活不是简单的复制现象，从本质上来说是一种特殊的审美创造。艺术家和艺术作品，总是从特定的美感和经验，使用形象思维，按照美的规律生活的材料选择、处理、总结和提炼，主客观交融的审美意象的构思，然后使用材料的审美形象做艺术的呈现，最终形成一个完整的艺术作品。艺术创作活动不同于一般的审美活动，最重要的是，这是一个工艺性和艺术性兼具的媒介活动。

绘画艺术创作是依附于观念之上总结的新的理论和方法，既是一种绘画行为，同时也是创造一种思维方式。可以说艺术创作思维是完全为了个人艺术创作而进行的思维方式。

1艺术创作思维的形成与自我认知

当艺术家被一定的社会生活所吸引，激发创作欲望和意愿后，随即可能进入艺术思维。艺术思维主要指的是艺术创作和艺术欣赏的统一形象思维和抽象思维的过程中的系统，捕捉艺术形象为目标，形成表象上偏向形象思维的思维方式。现在由于艺术观念的更新，对于画面效果的追求已不再是艺术创作的唯一的终极目的。多元化的绘画艺术创作形式和观念，也已不再局限于普通的呈现效果或传媒介质，直觉和灵感也不是艺术的创作的唯一途径，更在于艺术家的艺术观念，即思维方式和意识功能的集成。每一个艺术创作思维的形成是为艺术家提供了更多的可能性。

艺术创作思维的形成在艺术个体特性的前提下，在学习和研究过程中逐步给出一种创造性的思维方式。由这样的思维方式演化形成或状态是因人而异。简而言之，艺术创作思维和核心内容的源于艺术家的自我认知。

在这个时代，更好的自我意识，这不仅是艺术家的个人问题，而是一个社会问题、文化问题。自知之明是自己的洞察和理解，包括观察和自我评价。观察指的是你的意识等方面感知、思维和意向；自我评估指的是他自己的想法，期望，行为和个性特点的判断和评估，这是自我调节的重要条件。个人自我存在的行为和心理认知将会有一个发展过程。首先是模糊的，孩子们经常出于好奇和做一些危险的行为和事情。这一次他们的自我意识模糊。经过反复试验，不断加深记忆和思维，在研究自我存在的身体会逐渐成熟。然后有意识地为自己的行为。最后是对自我的心理认知。一般来说，这需要一个人的思维和想象力在一定程度上有能力感知自我的心理变化。艺术创造者是需要这样的自我心理认知。不仅找到吸引你想要的，但发现自己的内心或保留真正需要释放。一般来说，我们的工作人员，基本停留在认知“他人”。大部分的思维方向是由他人决定的。对于别人的模仿，甚至一些媒体在带给自我的思考。看似找到某种形式的结果无论好或坏，至少不是从他们内心的轨迹。这就是为什么今天的人们认为“一致”生活艺术所左右的“相似”的真正原因。个人开始区分个人身体，不同的行为和心理行为是自我心理认知的开始。艺术创作思维的形成有利于个人的心理认知。人们的心理认知一般是一个无限的过程，因为心理活动本身是无限的，它将按照个人经验和记忆和思想和想象力不断地发展。所以那些看起来和前一阶段或期后不同的心理活动，个人的心理自我又将会有一个总结和调整。和艺术家的创作意识到自我，了解自我和运作的本质，放弃自我或找到我，是一个超越的过程。和艺术思想促使我们认识到自我的特殊性，以及艺术本身的特殊的思维方式和表达。

2强调“过程”的个人绘画艺术创作

一般说，绘画艺术创作过程可以分为生活体验，艺术构思和意象物化三个重要阶段。艺术构思是艺术家的根据艺术构想建立了心理定势和创作目的的指导下，初步形成主题，概念在脑海中形成一个新的艺术，即完整的艺术形象。意象物化意味着艺术家使用的艺术语言，成熟的艺术图像显示的审美和欣赏艺术形象的艺术。艺术家在创造不会有意识地表达自己的内心感受和情绪，但他们往往完成后的作品已经忘记之前的创造性思维的过程。艺术家可以创造一个好的艺术作品，但是一般很难清楚地解释他的创造。这是因为形象思维的艺术创造的过程中充分发展，随机漫步在任何一个绘画创作的阶段，但形象思维无法描述，只与艺术家的艺术才能密切相关。这在绘画艺术创作的过程中最珍贵，也是最难以捉摸的。

艺术创作方法范文篇10

关键词：油画艺术；表现技法；书法艺术；运笔技巧

1油画艺术的独特性分析

油画艺术是世界绘画历史上，极具代表性与内涵性的艺术形式，该艺术以其独具特色的艺术魅力，使得大众的艺术视觉与精神审美实现全面丰富。同时，也使大众通过油画艺术的独特审美，实现自身精神启迪与美学感知。油画艺术在诠释自然美学与形式美等多种理念诠释过程中，也呈现出极为深厚的审美内涵。在多元文化碰撞与融合的今天，对油画艺术的表现技法进行分析，并且分析书法艺术的运笔特点与价值，就成为两种艺术融合诠释的关键所在。油画艺术是一种形式特殊、创作材料特殊的绘画艺术，作为使用油质颜料的独特艺术造型，颜料的使用，使得油画艺术有着独特的表现效果。油画所使用的颜料极为黏稠，且品种类型复杂多样。在油画创作过程中，系统化的颜料使用与创作手法，使得油画具有良好的艺术表现力。因此，在油画艺术创作时，通过在平面空间上，进行艺术化创造，进而使得油画作品呈现“立体空间”，给受众以独特的视觉美学欣赏。油画艺术作为光与色结合应用的绘画艺术，在质感表现与空间感展示时，通过对颜色的色彩属性进行合理表现，从而诠释油画艺术中的独特色彩对比。油画艺术的表现技巧，极为丰富。常见的有厚涂法、点彩法等等。油画艺术的覆盖力极强，为了实现审美视觉的最佳融入，油画艺术在表现过程中，其层次与方法通常是从暗颜色开始起笔绘画，之后再用中间颜色去压暗颜色，最后使用亮色去压住浅色，因此，整个油画艺术创作过程中，亮色最为厚重。在油画创作过程中，可塑性艺术效果与颜料功能，都是其他绘画艺术所不具备的功能特性，因此，油画艺术能够从情感上与受众形成思想情感共鸣。在油画运笔时，不再是塑造单一的绘画造型，同时也对油画的肌理效果有着重要考量，因此，良好的油画艺术中，更多展示的是艺术家的绘画情感与对油画的艺术理解。因此，在油画艺术创作时，应该注重将绘画理念与精神内涵相融合。

2油画表现技法的价值特征诠释

在油画创作过程中，表现技法作为其创作表达的重要途径，其对油画艺术家的情感表达有着至关重要的价值。随着现代油画艺术发展不断成熟，油画创作过程中，表现技法与用笔方式更加生动、丰富。在多元艺术融合的今天，油画艺术在表现手法的诠释与创作过程中，也不再是一种单独的形式形式，将我国传统艺术深度融合其中，让油画艺术的用笔方法与绘画体系更加丰富。从根本上看，影响油画艺术创作效果的关键是如何有效将情感理念融入到整个表现技法之中。油画虽然是一种绘画艺术形式，作为独特的表达语言，油画创作过程中，包含了色彩的处理、明暗协调，笔触应用，以及绘画的质感与空间构图布局等诸多因素，因此，对于油画艺术来说，其技法应用的价值在于将多种因素综合或者单独诠释，在油画艺术中，油画材料的性能发挥与合理应用，为油画技法应用提供了具体可能性。对于油画艺术而言，其创作过程，本质上就是绘画者对油画材料进行创作性应用，诠释自身对油画创作的美学思想等等，进行独立化、艺术化创作的创新性过程。因此，在油画作品创作过程中，其不仅诠释了独特的美学思想，更诠释了油画艺术独特的美学内涵。在油画艺术创作过程中，油画工具、绘画材料的独特性，使得油画艺术在表现技法上，存在独特的复杂性。自油画艺术形成以来，在长期绘画实践中，形成了多种不同的表现技法，在极可能展现油画颜料特征的基础上，通过使用颜色之间的调和与笔触、层次对比等等多种技巧，从而呈现出油画艺术独特的视觉美学。

3书法运笔的特征

在书法创作过程中，具体的运笔技巧与书法结构布局是当前书法创作过程中的文化展示与技术表达的焦点，一直以来，有各种争议。因此，对于书法创作来说，想要实现理想的艺术表达效果，就需要妥善处理好运笔与结构布局二者之间的关系。对于不同的书法艺术家，其对运笔的理解与应用，都存在自身认知上的差异与不同。特别是对于初学书法艺术者来说，以运笔为主更是成为其重要的练习要求。运笔技术的扎实与否，直接关系到书法的结构应用，因此，在书法练习与创作时，如何将运笔与结构布局相融合，就成为提升其整体艺术效果的重要要求。对于我国传统书法的笔法来说，其不仅是一种书法艺术描写的基础，更是诠释和表达了浓厚的传统美学理念，并且将朴素哲学理念融入其中，因此，良好的书法运笔，不仅是一种书法功底，更包含了创作者自身对“书法”的理解。油画艺术与书法一样，都是文化艺术体系的生动展示与表达，只有创作者掌握系统化的理念内涵与表现手法，从而才能实现其最佳艺术呈现。当然，无论是艺术特点，还是具体的外在展示，都应该从两种艺术的基本功出发。对于油画来说，表现技法是其艺术效果呈现的基础与前提，而对于书法艺术来说，运笔的特点与力度，乃至风格等等，都是影响书法作品特征与风格的重要因素。

4多元艺术融合背景下油画艺术创作与书法运笔之间的借鉴机制

对于当前整个艺术创作来说，其精神内涵与人文特征的精髓是创新意识，因此，将书法艺术与油画艺术创作活动相结合，尤其是在油画造型艺术与色彩表达，甚至是油画题材构思与理念诠释等等各个方面，都有属于自身独特的美学价值理念与人文思维。在多元艺术融合发展的今天，结合具体的艺术实践看，油画艺术与书法艺术两者可以深度结合，将具体的汉字字形作为整个艺术创作过程中的“灵感”来源，从而探索出油画艺术中风格全新、审美内涵丰富的艺术形式，当然，也可以从书法艺术中，探究深层次的中国传统文化精神，实现书法艺术展示空间的全面延伸。对于当代油画艺术来说，融入书法运笔技巧，也为我国传统书法艺术的价值挖掘与艺术创造提供了新的发展动力。在当前油画艺术创作过程中，需要把握的精神理念与艺术内核，在于创新意识的诠释与表达。通过层次性探寻全新的油画创作主题与创作方法，深度挖掘油画艺术的美学内涵。大致上，表现为各种艺术之间的边界日益“模糊”，油画艺术的表现技法与创作理念，乃至具体的绘画内容等各种元素之间的交互性，日益转型。书法艺术在创作过程中，需要对传统的书法创作形式进行具体反思，结合时代特征，探究当前书法运笔、表达的全新形式，书法艺术要注重借鉴油画艺术这一方式，尤其是要注重融入油画表现技法理论与美学思想，通过融入多层次的审美因素，突出色彩与绘画艺术之间的重要性，进而满足当前大众的审美诉求。在当前艺术环境下，书法艺术表达与创作时，应该对传统审美理念与运笔技巧进行突破，通过从油画表现技法上寻找灵感，从而创造极具时代基因特色与文化内涵的书法艺术。书法艺术与油画艺术一样，通过笔法与技法的有效展示与诠释，从而实现最佳艺术状态的内涵表达。无论是表现技法，还是书法上的运笔，其中往往需要创作者将必要的情感内涵融入其中，通过深度包容与有效诠释，从而实现该艺术创作的最佳效果。对于该艺术的各种表现手法来说，在使用具体的表现技法时，要依据具体的绘画项目与诉求来具体实施。

艺术创作方法范文1篇11

【关键词】艺术歌曲；创作；本土性特征

中图分类号：J642文献标志码：A文章编号：1007-0125（2017）06-0095-01

中国艺术歌曲的创作植根于优秀的传统文化，在借鉴了西方音乐创作的基础上，与中国传统音乐进行了良好的结合，从而形成了具有中国特色的艺术歌曲创作。本文主要对中国艺术歌曲创作中的本土性特征进行分析。

一、音乐创作中蕴含着中华文化的深厚内涵

由于各民族长久以来形成的民族文化特点直接决定了其音乐艺术风格，因此，中国艺术歌曲作为在中华民族独有的文化背景之下产生的音乐艺术，中华民族的文化特征直接决定了中国艺术歌曲创作要具有本土性特征。

中国有着特定的传统文化背景，这就对中国艺术歌曲的创作提出了更高的要求。由于中国文化具有较强的含蓄性，并在农耕文明发展背景下，有着对自然的敬畏和依恋，因此，决定了中国艺术歌曲在创作中有大量的“借景抒情”“寄情与景”等内容。中国艺术歌曲中的歌词也主要以音乐性、文W性相融合的诗词为主，这些都为中国艺术歌曲的创作提供了大量的素材。例如，在作品的表达过程中，能够发现虚实相生、互相呼应的表现形式，这是作品的一种有效的处理手段。而《大江东去》正是借鉴了苏轼的《念奴娇・赤壁怀古》，虽然歌曲创作者使用了西方的作曲技巧，但是古诗词为其赋予了一种意境上的美感。

在中国艺术歌曲创作中，通过多种艺术表现手法体现中华文化的深厚内涵，使得中国艺术歌曲具有更强的艺术表现力，逐渐形成了具有中国本土特征的中国艺术歌曲创作。

二、音乐创作中音乐语言的使用具有民族化特点

音乐语言的民族化主要体现在两个方面。首先，在中国艺术歌曲创作中，运用了我国传统的音调和民族和声五声调式，并形成了具有我国特色的歌曲创作风格，这样的风格直接体现了本土性的特征。我国的很多艺术歌曲突破西方大小调以及较为传统的功能和声创作模式，通过我国传统音乐的调式体系，使歌曲具有浓郁的民族特色。

其次，作曲家以具有中国色彩的旋律为基础，对西方浪漫派和印象派的和声语言进行了大胆创新，形成了具有中国特色的旋律与音调和声，这样才更加符合中国大众的审美需求，并且具有极强的色彩和情感表达能力。

此外，中国的艺术歌曲在创作过程中，将中国传统民歌进行了改编，或将其以伴奏的形式出现，能够使中国艺术歌曲的创作呈现更加鲜明的本土性特征。

三、音乐创作中结构的安排表现出特有的意境化

中国的历史文化十分悠久，其中人文精神与西方的传统文化有着很大的差别。中国的艺术歌曲创作是基于传统文化背景之下的，其本身就表现出了十分明显的本土性特征。作曲家在艺术歌曲的创作过程中，在伴奏编配、歌词含义、曲式编排、情感表达、结构布局、作品内涵上无不体现出中国传统文化的精髓。

（一）歌词的内涵与伴奏进行巧妙结合。在艺术歌曲的创作过程中，伴奏与歌词处于同样重要的地位，因此创作者在创作过程中会同时对二者进行构思处理，使歌曲内容与时代精神具有一致性和统一性，并使伴奏与歌唱、音乐语言与歌词之间达到协调。

（二）歌曲的整体布局与所要表达的情感具有一致性。创作者在进行歌曲的整体布局和结构安排时，为了表达特定的情感，会改变传统的作曲手法，将本民族的审美特性与西方创作技法相结合。音乐则主要跟随情感走向进行延伸发展，这样形成了具有本土特征的中国艺术歌曲的创作形式。

（三）将人文内涵隐藏在歌曲编排中。中国艺术歌曲的创作，不仅表现了西方音乐的创作技法和表现形式，也将人文内涵隐藏在歌曲编排中，逐渐形成了具有中国特色的音乐风格，能够在歌曲高潮处将作品隐含的情感爆发出来，具有极强的感染力。很多艺术歌曲在创作中都会根据作品内容对歌曲编排、曲式结构进行调整，这是为了将人文内涵与歌曲进行紧密结合，更好地体现出中国艺术歌曲的本土性特征。

四、结语

综上所述，我国逐渐形成了具有中国特色的艺术歌曲的创作形式。这不仅是对国外先进的音乐艺术文化的融合，更是对我国艺术歌曲本土性特征的认同和发展。因此，中国艺术歌曲的创作必须要在中华民族优秀的传统文化之上进行创作，以不违背中国传统文化为基础，在多样化的艺术形式与表现手段中进行合理选择，使其能够符合中国听众的审美需求，使艺术歌曲具有鲜明的本土性特征。

参考文献：

[1]林娜.浅析中国近代艺术歌曲的创作特征[J].美与时代（下），2011，（11）：79-80.

[2]余鑫.论中国艺术歌曲创作的本土性特征[J].浙江师范大学学报，2005，（01）：89-92.

艺术创作方法范文篇12

关键词：艺术创作；微电影；叙事特征；视听语言特征

随着现代人生活节奏的加快，闲暇时间也越来越“细碎”；“快餐文化”也随之应运而生。[1]这也促使微电影在仅数年间，便在网络、新媒介的推动下以铺天盖地之势席卷中国，其影响力已远远超越了传统电影和广告。微电影受其门槛较低等因素影响，导致剧本创作、角色塑造、拍摄技巧、后期制作等方面均无法得到有效保障，进而也导致目前微电影的质量良莠不齐；尤其是在艺术创作方面，尚存在作品制作粗糙、无深意以及一些基本的影视语言、叙事手法等的运用均不理想的情况。[2]本文则结合相关理论来对微电影的艺术创作进行系统的阐述，以期为我国微电影艺术创作及未来发展提供一些参考。

1微电影艺术形式剖析

微电影作为一门视听艺术，其给予受众群体的第一印象就是形式，只有形式能够吸引更多的受众群体，受众群体才会去关注、聚焦微电影的内容。微电影与电影是相关的，其都是通过形式与内容来吸引受众群体的观看行为，这也是传统影视艺术的最终目的。因此，微电影创作者只有了解、掌握微电影的艺术表现形式才能在微电影创作过程中形成自己的艺术风格，并将真正的创作意图在微电影中表现出来。微电影的艺术形式可分为内在形式与外在形式。

首先，微电影艺术的内在形式。微电影艺术的内在形式就是其创作内涵的最高要求；也是其塑造、形成微电影艺术的价值与精髓所在。因此，微电影艺术的内在形式也就是引发观众心理活动并引起情感共鸣来表现出微电影的主旨、内涵以及社会价值。[3]

其次，微电影艺术的外在形式。微电影艺术的外在形式就是借助影视艺术形象来传达、表现的技术手段、语言特色以及结构技巧等。由于艺术作品本身往往是内外形式紧密结合在一起，并通过自身的艺术形式来表现其内涵的，微电影也同样如此，因此微电影艺术的外在形式主要涵盖了微电影的艺术结构、艺术语言、表现手法、表现体裁等几个方面。

2微电影艺术创作方法

2.1艺术创作方法的多样性

众所周知，传统电影的艺术创作方法是迥异的，是因人而异且多样化的。同样，微电影艺术创作的手法也因人而异，不尽相同；受微电影特征的影响，其艺术创作方法也尚无具体的、统一的创作规范，更没有具体的创作模式可以遵循，只能“借鉴”他人；这也是我国电影与好莱坞电影独具的创作模式和规律之间的差异。目前，我国微电影的门槛较低，平民化发展势头强劲，其创作者的创作思维、创作能力、艺术水平良莠不齐，同时，其在微电影创作过程中所运用的创作方式、表达技巧也不尽相同，这也直接导致微电影艺术创作方法具有多样性；其在微电影中所运用的表达方式与艺术技巧往往差异巨大。

2.2艺术技巧的个性化

微电影创作者往往是立足于自己的艺术修养之上，运用适合于自己的创作技术与方法进行微电影创作；因此，微电影创作艺术技巧也具有较强烈的个性化风格，这既与微电影创作者自身的理论修养、艺术修养、创作技巧、实践经验有着密切的关系，也与其选择的创作风格有着直接关系。另外，微电影在进行艺术创作过程中，既要对生活原素材进行艺术升华，又要让微电影作品的表现内涵高于生活，使之可以对原素材的表现得到更高层次的艺术升华；这种高层次的艺术升华则与微电影创作者自身对生活、对素材的理解能力有关。正是这种“理解能力”的差异，也直接导致微电影创作者在微电影整体艺术创作、处理过程中，其所表现出来的艺术技巧出现了更大的差异化，进而也产生了更多的艺术效果。

3微电影的叙事特征

叙事是微电影的核心。由于微电影与其他文本类叙事存在差异，微电影利用现代媒介材质运用光与影刻画出的光影运动更加生动、形象、立体、多维；其叙事也是一种多时空的综合运动艺术。因此，微电影的主要叙事特征有以下几方面：

3.1叙事方式

不同类型的微电影其体现出来的叙事方式也不尽相同；而不同的创作者所选择的叙事方法也是迥异的。同时，由于微电影的叙事方式既没有统一的、明确的标准，也没有严格意义的规律，这也直接导致微电影在创作实践以及叙事方式选择上可以不断地创新。

微电影势必要以“内容”取胜，其叙事内容往往也具有“较高”的碎片性与海量性。由于微电影的叙事时间相对较短，因此微电影更适合“开门见山”的叙事方式。另外，一些微电影的创作者还借鉴了传统影视的叙事方式，如以一个简单却没有结尾的故事为叙事铺垫，进而引出微电影所欲表达的主旨。也有一些微电影创作是按照主题、思想去进行叙事的，以进一步突出、提示主题内涵。但是，无论是哪一种叙事方式，均要求微电影的创作者在实际创作过程中，通过不同的叙事方式来突出主题、思想，让受众群体可以明确微电影的主题与思想内涵，并在创作过程中发挥出个人风格或艺术风格。[4]

3.2叙事视角

叙事视角就是用于叙述故事（或事件）的角度。微电影创作者的叙事视角的选取则完全取决于微电影创作者的个人意愿，而并非是受众群体的意愿。因此，从人称角度而言，在微电影艺术创作过程中，其叙事视度的选取，可分为创作者自身视角、受众群体视角以及旁观者视角进行叙事。