色彩基础理论知识篇1

【关键词】色彩观念；设计色彩；色彩构成；设计意识

一、色彩观念的演进与发展

色彩观念的演变过程实际上就是西方艺术史的发展过程，概括为古典色（固有色）向再现色（环境色）、主观色（情感色）的发展。

西方传统的古典绘画色彩是附属于素描关系之上的，总是以素描带动色彩的呈现，也就是色彩依附在形体结构之上。古典作品，即便是描绘室外景象，也大多是在室内完成的。

印象主义者大反其道，坚决到室外直接面对大自然写生，力求把阳光下闪烁颤动的光色之美描绘出来，使画家们认识到所有的色彩都是由照耀在它们之上的光线决定的，因而并不存在某种本身固有的特定色彩。印象主义画派一反传统的将轻素描而重色彩的方法作为绘画在形式语言构成上的主要思路。印象派的造型是以光线作用下的色彩明度和固有色在转折面上的冷暖倾向来完成的，将传统的素描造型模式进行弱化，而以色彩的固有色倾向关系取而代之。

抽象艺术的出现标志着艺术家从精神上到形式上有进一步的解放和自由。抽象艺术不再以客观形象为指标，而是转向艺术内部，探索艺术自身要素的运用。在此之前，野兽派只提供了色彩抽象因素，立体派只提供了造型抽象因素，而表现主义提供的是在具体主题中的精神抽象因素。对此后整个人类活动诸多领域产生久远的影响，如建筑、设计、环境——成为20世纪创造实践中的基本因素之一。

近现代的美术，其特点在于它的综合性、模糊性和实验性。色彩，作为现代艺术形式中的感性因素，通过具象写实抽象、写实精神具象、精神抽象等等，多媒介多维度的展现着其魅力。

二、我国现阶段的设计色彩教学观念

目前我国艺术院校的设计色彩教学，主要有两种类型，我们暂且称之为“实践型”教学和“理论型”教学。

“理论型”的学者一般都有较为扎实的色度学基础，有很强的自然科学家的意识。他们注重颜色生成的原因、性质、特征和颜色基本概念形成、以及色彩现象的成像原理的探究；注重科学实验；在应用层面的研究是建立在色立体学说基础上展开的，它包括色立体空间结构、色域的分布、和谐色群的秩序链关系与颜色心理学方面的关系及其应用理论的研究。

“实践型”的学者，主要是教师、设计师和画家组成，他们注重实践和个性语言的表现，研究起步于色彩表现实践中遇到的问题，从应用的立场来探索色彩学的规律。认识与研究色彩应该是要看依附的具体事物，同时必须考虑它所带有的审美意味。因此相比之下，“实践型”学者更重视直觉，注重视觉对当下眼睛看到的客观物色结果的研究，而且其研究结果更具有实用性。

两种方式共同的特征都是以建立在实证的基础上进行研究的，即都有各自选择的对象物色。所不同的是两种立足点不同。理论型更注重对色彩原始本质的理性分析；而实践型更注重对色彩现象的感性分析。就构成训练而言，其方法也是有差异的。理论型注重定位色谱构成训练，而实践型的训练就更为直观更趋于实用化。

就笔者个人教学体会而言，这两种类型都各有其长短；既难相互兼容，也难相互替代。因此，如何在这种似乎不可兼容的两类方法中，寻找到它们内在的联系，并以此为基石来展开兼收并蓄的研究，从而构筑更加完善的教学体系，是教师面临的新课题。

三、构建完善的设计色彩教学体系

在我国，目前大多数艺术设计专业的色彩教学，第一堂课的内容基本都是由色彩的基本原理与变化规律开始的，然后进行绘画性色彩写生，依然重复着高考前的写生内容。实践过程中，学生们逐渐开始迷恋表现技法，追求个性表达语言，而往往忽略了色彩与艺术设计的关系。“色彩写生”以后紧接着是“色彩构成”的课程，依旧是从色彩的基本概念讲起，然后画色表，再做一些抽象形态的色彩构成练习。这期间的学习过程中，由于学生是从具象的造型意识及色彩观念突然转变为抽象的色彩观，所以多数学生是在迷茫和烦躁中捱过这个过程，并不确知其必要性究竟何在。

“色彩写生”与“色彩构成”课程的设定，其目的是希望将感性思维与理性思维相结合、客观分析和主观表现相结合、自然形态与抽象形式相结合，借以培养创新能力与设计意识。但创造性思维与设计意识的培养，需要一个转化过程，即应在“色彩写生”与“色彩构成”之间架设一座桥梁，并将课程重心建立在与“色彩构成”课程衔接的过程中。“设计色彩”的课程体系就是由这座桥梁与“色彩构成”课程有机融合共同建立的。

“设计色彩”的课程内容虽然有一部分概念原理性的知识，但教学方法不能像军训走操那样刻板、机械。应该从感性的启迪引导开始，强调视觉的观察感受，削弱技巧和程序。学生们才会主动地寻求从理性的知识上解决问题。

设计基础教学的目的是设计意识的培养与创造性思维的建立，“设计色彩”课程作为设计基础教学体系的重要组成部分，也应遵循这个教学理念。所以在每个教学环节都应涵盖观察体悟（眼）、归纳总结（脑）、提炼转化（心）、综合表现（手）的训练环节，只是在每个单元的针对性有所不同。设计色彩的教学应以自然现象与形式为切入点，以视觉色彩为特定角度，结合设计素描的形态学内容，围绕着自然色彩的结构和形式法则，通过与视觉的不同形式转化及表现材料的综合而充分展开。

在艺术设计学科里，创造性思维的建立离不开两类形态不同的知识内容，即概念原理性的知识与实践过程性的知识。概念原理性知识表达某种研究经验与探索结果，而所谓实践过程性知识，无论表述与描绘得多么完备，总是表现为一种过程性、开放性、实验性的存在，是可供操作的。

如何将课程内容的原理、规则、方法等知识要素转化为可操作的课题，设计成可实施的作业，是课程形态得以呈现的本体方式，是课程内容进一步得以深入的表现形式，也是课程优化的具体途径。

参考文献：

[1]葛鹏仁.《西方现代艺术·后现代艺术》.吉林美术出版社，2000年10月

[2]河清.《现代与后现代》.中国美术学院出版社，2004年2月

[3]陆琦.《从色彩走向设计》.中国美术学院出版社，2004年2月

作者简介：

色彩基础理论知识篇2

受传统美术教育思想的禁锢，色彩基础教学常被片面地认为［2，4］:色彩基本功等于训练色彩技法．然而，殊不知这样单纯地训练，使得美术专业学生的色彩感觉逐渐受到限制并逐渐消退，其审美能力与创造性思维已被死板的教学模式所磨灭;学生也热衷于死记硬套一些色彩关系变化的公式，失去了对作品的鲜活感受与主观思考，正确认识绘画色彩的本质并汲取其中的精华更无从谈起．

由此可见，色彩教学应该拥有两大任务［2，4］:一方面专业色彩技术技巧的训练，即需要掌握色彩的理论知识、观察方法、表现技巧、色彩造型等技能;另一方面是色彩审美能力的训练，即色彩的审美意识以及智能的培养．因此，如何在色彩基础教育中训练美术专业学生的色彩技能和思维方式，提高学生的审美能力，激发学生的创作灵感，是十分必要的，也是一个值得美术教育者深思的问题．

色彩教学中培养学生审美能力的基本思路

1树立正确的色彩观

教育的关键在于:重视基础，转变思维，强化素质［3］．努力转变学生对色彩的思维方式和思维角度、培养学生审美能力与创新思维首要的是教师教育观念的改变．教师要对物象的固有思维发生转变:色彩通过对空间关系和对光的表现，塑造物体的明暗关系，是物象主题的升华［1，2］．就美感而言，色彩最大的魅力在于:色彩是情感的共鸣，是直接的抽象审美;而审美本身就是超越现实的抽象过程．因此，色彩教学的关键在于把握色彩的情感实质［4］．教师应当把对物象的感触融入到学生专业知识与技能的训练中，以提高学生的审美素质与创造能力为重点和突破口，转变学生的习惯思维定性，树立正确的色彩观．

2了解学生的审美欲望和趣味

一般而言，“爱美之心人皆有之”，但是，并非每一个人随时随地地拥有对色彩的审美欲望;也并不是每一作品都符合每个人的审美能力和趣味．传统的课堂教学模式和古板落后的教科书，制约了学生的审美需要、能力和趣味，无法让学生真正地进入审美状态;学生也只好一味地顺应现状，将自己的审美活动限制在教科书与教学进度中，创新思维能力也被锁在牢笼中不得施展［5，6］．因此，如何选择适合不同学生审美欲望和审美趣味的美术作品呢?首先，上课的第一阶段先进行“热身”活动，尽可能诱发每一位学生对色彩的审美热情或欲望;然后，教师可以创造条件利用现代手段，让每位学生都有一个选择作品的机会，在一定范围内选择适合自己审美能力和趣味的作品．例如可以考虑:利用多媒体或创造其他条件，创建一个共同的作品“仓库”，让学生亲自在放映的过程中提取自己喜爱的作品，以此构建美术专业学生的审美意识和审美修养［7，8］．

3养成学生随时随地观察色彩的习惯

色彩教育主要以颜色变化的规律性为基础，借助美术活动，提高学生认知颜色的能力，有助于学生审美能力和艺术修养的培养．大多数美术专业的学生缺乏色彩的专业理论知识，对固有色的观念又比较牢固，这是形成了色彩教学的一大障碍［9，10］．因此，要取得好的教学效果，首先，就要使学生认识大自然中的色彩，明确其产生的原因．这便要求学生在日常生活中，随时随地都要感觉色彩的变化，养成随时随地观察色彩变化的习惯．色彩的认知源于生活［10］，它使得美术专业学生的写生训练得到了情感的升华，增强了学生的审美意识，极大地调动了学生学习的积极性．其中，教师还需要引导学生对色彩的正确理解与恰当运用，提高学生对色彩的概念认识和情感认识，可以帮助学生将自己的感情转换成不同的色彩，使作品富有情趣并展现生活之美．

色彩教学中培养学生审美能力的方法

众所周知，色与形构成了美术形象与物象表现的两个基本要素，因此，要使学生在比较有限的课堂内更好地掌握色彩理论知识和过硬的专业基本功，高效地培养学生审美能力，不是一个简单的过程，需要美术教师采用灵活多样的教学方法，需要学生长期的训练与实践．

1色彩欣赏训练

欣赏是美术活动的重要组成部分，在色彩的教学中也不例外．色彩在绘画中的表现方式可以说是丰富多彩的．各类艺术门派、艺术风格通过细腻逼真的色彩表现出的不仅是其对色彩的理解与表现技法的娴熟，更主要的是蕴含着不同意义的美，体现的是审美价值取向．所以，课堂上教师可以经常开展美术名家作品欣赏活动，让学生在了解欣赏作品、绘画背景、画家经历的基础上充分理解作品美的意义所在．比如，达•芬奇色调单纯又带有几分神秘，表现的艺术形象独树一帜，令人信服．莫奈的《睡莲》对大自然的光与色进行了敏锐的捕捉，让人们领略到色彩自然组合所带来的美［5］．

2色彩写生训练

长期课堂内的写生，影响了学生从自然物象获得色彩感受的能力，约束了学生对色彩的创造能力及个性化设计［9］．因此，在平时的写生训练中，要加强学生自然色与环境色的认识与理解．最好的方法便是带领学生走进大自然．正所谓，登山者最能欣赏高山，涉水者最知河流深浅．真正地融入自然，是让学生主动感受大自然的色彩［7］．受到一定背景、知识等一些理性信息的影响，学生便很容易进入审美状态．总之，大量的写生训练、强化训练有助于学生对色彩的感受能力，可以较快有效地培养审美意识．

3色彩创作训练

色彩基础理论知识篇3

[关键词]艺术设计色彩基础色彩构成归纳色彩设计色彩

约翰·伊顿指出：色彩就是生命，因为一个没有色彩的世界，在我们看来就像死的一般。色彩具有强烈的情感表现力，只有热爱色彩的人，才能领会色彩的美及其内在的实质。色彩可供所有的人使用，然而只向热心研究的人显示其更深的奥秘。在视觉艺术的形式语言中，构图、造型、色彩是三大要素。在视觉设计中，色彩作为给人的第一视觉印象的艺术魅力更为深远，常常具有先声夺人的力量。人们观察物体时，视觉神经对色彩的反应最快，其次是形状，最后才是表面的质感和细节，因此色彩在艺术设计中具有极其重要的意义。艺术设计师总是通过色彩这一重要手段在设计作品中赋予特定的情感和内涵，为人们创造着美好的生活，诠释着美的真谛。

在大学本科的艺术设计专业的基础色彩教学中主要开设的课程有色彩构成、归纳色彩、设计色彩等，课程设置的侧重点不同，主要是研究如何让学生们从绘画性色彩转移到设计性色彩上来，使设计专业的色彩基础课程一步步走向设计专业的轨道，为学生们以后的设计活动打下坚实的基础。色彩构成侧重于理论，归纳色彩是从对物的观察、体会去表现和创造，设计色彩侧重主观色彩的表达和运用，通过这些课程把色彩一步步引向深入。

对于刚入校的设计专业的学生来说，色彩知识非常有限，对于色彩仅限于高中时期对于风景及静物写生的绘画色彩，强调再现性，重视物体的固有色、条件色和环境色，色彩讲求微妙、客观、空间和写实。而艺术设计教育中对于色彩的要求是与人的情感密切相关，还要具有科学性和实用性，讲求强烈、构成、平面和写意。所以对学生必须在认识上要求一个重要的转变，就是思维方式的转变。观察方法由静止变为运动，认知方式由常规变为主客观的结合，思维方式由形象思维变为逻辑思维和辩证思维的结合。以下具体从这三大色彩基础课程的核心展开说明。

一、色彩构成

色彩构成是从理论上研究不同配色的调和，表情及其对形态和空间的影响。在这门课程中，学生们最易在琐碎的调色中迷失方向，很多学生会问：我们这样不断练习各种配色就能掌握普遍的色彩规律吗？这些练习对以后的设计会起作用吗？对于这个问题，伊顿早就有过回答：如果你能不知不觉地创作出色彩的杰作来，那么你创造时就不需要色彩知识。但是，如果你不能在没有色彩知识的情况下创作出色彩的杰作来，那你就应当去寻求色彩知识。为了避免学生们一开始的无目的性，在讲述了三属性的基础理论之后，可以安排色彩的采集、重构和转移的课题。在这个课题中，首先可以让学生们了解优秀配色的条件和面貌，分析优秀配色的主要色彩关系，色彩面积的比例关系，三属性的特点，从而抓住色谱组成的本质，然后以色轮为参照，举一反三可以发展新的色彩形象，产生不同的心理效应。

在这个课题结束之后，学生们对于色彩三属性的认识、调色的经验、配色的规律都会有一个基本的认识，之后可以进行色调和色彩形象的研究，把色彩的配置与人的情感相联系，不再从色相或明度、纯度上做简单的色调练习，可以分别布置几组形象联系，构图和造型可以依据形象做抽象的点线面组合。如最经常训练的对“四季”的色彩感受，对“自己的形象”的色彩表达，对“情绪”的表达都可以分组进行，在这里会出现两个问题：一个是会发现学生们的色彩偏爱，在色彩构成的课程里是对基础色彩知识的学习和运用，因此对色彩偏爱要加以限制，应该让学生们尝试所有的色彩面貌，这些新鲜的面孔可能会产生新的不可预知的创造力；另一个是会发现学生们虽然感受体会各有不同，但对于季节的描绘都会有非常准确的表达，从这里我们可以让学生们明确，艺术不能只停留在只可意会不可言传上，而要客观地了解掌握所有的配色规律和表情，用训练有素的色彩思路和色彩基础知识去指导我们的设计实践活动。

转贴于二、归纳色彩

有了色彩构成的理论基础，在转入归纳色彩的学习时就会轻松些。色彩归纳是艺术设计专业中十分重要的一门课程，该课研究和探讨新的绘画写生方式，以建立绘画写生与艺术设计之间的关系，在观察方法、思维方式以及表现形式上均构成了独自的指向。在高中的色彩写生中，多强调直觉和感性认识；色彩归纳写生则是在面对客观物象的感性基点上，强化了主观表现和理性的设计意识，它不以描绘对象的客观存在状态为目的，而是以设计专业的造型需要和思维发展为取向，其训练的目的在于为艺术设计服务，在进行写生练习时，面对同样的一组静物，每个学生都会有不同的感受，鼓励他们把这种新鲜的感受记录整理，概括或者依据需要夸张表现，你会发现每个学生都会有创造性的表达。正如马蒂斯所说，色彩问题不是一个量的问题，而是一个选择的问题。

三、设计色彩

在色彩构成、归纳色彩结束之后，就进入到设计色彩课程的学习了。设计色彩是在探索自然色彩中获取色彩内在表现力，超越色彩表象的模仿，达到主动地认识和创造。真正的把色彩应用到设计中去，使色彩通过这样三个步骤真正成为学生驾驭设计的一个重要部分。

这三门课程环环相扣，从不同角度诠释色彩知识，根据认识掌握色彩普遍规律的方法，由浅入深，由表征到应用的学习了色彩这一重要的是设计元素，为学生们以后的设计道路打下坚实的基础。

参考文献

[1]赵云川，安佳.色彩归纳写生教程.辽宁美术出版社，2000年10月.

[2]赵勤国.色彩形式语言.山东美术出版社，2002年8月.

[3]伊顿.色彩艺术.上海人民美术出版社，1996年8月.

[4]辛华泉.色彩构成.湖北美术出版社，2002年8月.

色彩基础理论知识篇4

关键词：设计色彩教学现状创新

在艺术设计人才的培养和输出方面，专业美术院校、综合性大学、师范大学、工科院校的艺术设计院系起到很大的作用。他们对学生色彩理论知识进行了较为系统的训练，使学生对色彩的认识由以前的感性上升为理性，从以前随意而盲目地使用色彩上升为有目的、有规划地应用色彩，使之打好坚实的色彩知识基础，以至在今后的学习与工作较好地运用色彩，最大限度地发挥色彩的独特效能。然而，从目前高校色彩教学的执行情况来看，色彩教学改革在取得一定成效的同时，也或多或少地存在这样或那样的问题，下面就存在的具体问题进行具体的分析。目前，我国各美术及设计院校所采用的设计色彩方式大多是前苏联美术教育体系与法国印象主义光色理论相结合的综合体。而设计色彩是从自然中提炼而感悟生发的，它是对精神内涵的一种挖掘，是在探索自然色彩中而获取色彩内在的表现力，从而超越色彩对表面的模仿与描绘，达到主动性的认识和创造，更加完整地把色彩的基础训练和专业设计有机地结合起来的一种表现。今天的艺术设计院校已不再是传统技能的传授之地，而是新思想、新观念的诞生交流场所。设计色彩课程应以如何摆脱旧的基础训练模式和如何引导启发学生创造性思维为中心，这是设计色彩学习者的责任和义务。相对于西方以否定的方式求发展的教学和创作体系，设计色彩教育则显得过于偏重继承而缺少创新。这就大大阻碍了学生的多元化思维的发展，束缚了学生艺术个性的发挥，为以后培养出具有开拓性、艺术性、创造性的高素质综合艺术设计人才设置了障碍。

造成这种现象的原因很多。一是教学内容单一，教学手段落后。不少学生还存在“学而无用”的想法，没有正确的学习态度，甚至还有些学校因此减少基础色彩课的课时。色彩课是设计专业的必修课程，目的是提高学生的色彩造型能力，培养学生创造性思维的能力，为后续专业课程做准备，但现实中很多教师在“教”与学生的“学”都还建立在传统的绘画模式上，对色彩课程的理解存在着差异，导致这个课程形同虚设，学生怎么画都行。教师只是从中发现一些闪光点，这就很容易误导学生，即把学习色彩课程的目的定位于“怎样在画面上取得某种好的效果”。色彩课已不再是提高学生的色彩创造性思维能力，而是以完成一个“好”的画面为标准，这就把色彩训练的根本目标架空了，脱离了学生未来的实际需求。二是过于偏重对色彩理论的经验认知，多采用模式化教学与训练，如三要素对比（如明度对比、纯度对比、色相对比）和视知觉对比（如冷暖对比、面积对比）等。这些方法虽然有利于明确把握和积累颜料的色彩经验，但往往会使作业显得呆板、程式化，缺乏新意，同时也会大大降低学生学习色彩的积极性和主动性，无助于将精力和时间运用在更广阔的色彩领域，束缚了学生审美能力的提高。三是教师课堂讲授理论之后，学生以手绘形式完成作业，由教师评判成绩，然而随着数字化的发展，利用多媒体教学成为一种趋势，单一的传统模式显得相对机械和枯燥，如“色环”“明度九调”“色彩推移”等教学内容的手绘训练，在有限的教学时间内使学生投入过多精力在手工制作上，颜料手工制作作业费时、耗神，拉长了教学的实验课时，使学生把精力放在了画面的精工细做上，忽略了对色彩的研究与探讨，削弱了观察、思考和创新等思维方面的训练，其结果是“动手不动脑”，不利于对色彩创造性的深入思索。四是我国艺术类院校在招生过程中对专业有严格的要求，且考试科目大都为素描、色彩，所以选拔上来的学生一般都有较为扎实的基本功。据此，部分教师认为没必要再在有限的教学时间内进行重复的基础训练，于是把色彩课课时一减再减或武断地取消。殊不知，现今在高校扩招形式下的美术考生与以前的考生素质已不可同日而语，许多“速成班”出来的学生，他们的基础只是一种程式化的教学结果，根本不具备基本的艺术认知，更谈不上艺术修养。

这样的现状，给艺术设计专业的教学带来了极大的困难。所以，艺术设计专业的设计色彩教学迫切需要改革，需要以新的教学形式替代传统的教学方法，强化学生对色彩本质的认识能力、组织能力和创造能力，使他们能够恰当运用色彩语言表达设计思想，从而赋予设计对象以适合的色彩。

通过多年的教学实践，我认为，艺术设计专业的色彩基础教学，应在重视色彩基础理论知识与写实色彩一般表现形式的基础上，针对专业特点和学生实际能力，由浅入深、循序渐进地吸收各种表现形式，着重研究设计色彩的认识表现及应用，帮助和引导学生逐步构建一套较为实用的色彩体系，并给予宽泛而自由的色彩语言选择，表达自身的审美情感和富于个性的创造性的色彩设计思维空间，着力培养和提高学生的色彩素养与设计色彩的原创性审美能力。

（一）以写生为基础，培养主观色彩的形成。基础色彩教学离开了绘画语言特征的可操作性，教学思路容易出现混乱，学生也容易失去学习的方向。但是这种以色彩写生为形式的写生过程不同于传统的再现，而是要求学生以头脑和眼睛进行思考，以再创造为目的写生。因此在进行设计色彩教学中，必须强调教学可操作性的特点，采用以自然色彩为基础，以色彩写生为形式，有针对性的课题训练做支撑。在培养学生主观色彩形成方面，首先应该建立在对自然色彩的观察分析方法、认识规律和色彩写生实践等方面的基本思路上，着眼于指导学生把对于自然色彩的视知觉经验加以整理、发展，实现学生色彩经验的积累和色彩修养的升华。引导学生从理性的角度研究色彩造型的基本规律和色彩的组构方式，摆源色和环境色的影响，注重对色彩面积的大小、形状、位置和不同组织结构而产生的视觉变化，将自然物象的色彩和写生的色彩归纳、概括，强化画面的主观色调，从而超越一定的具象、客观的写实色彩，过渡到意象色彩、抽象色彩、情感表现性色彩、装饰性色彩等主观性色彩、表现性色彩。

（二）加强色彩与设计的内在联系。设计色彩课程教学介于绘画写生教学与专业色彩设计教学之间，既具备绘画色彩的特征，又蕴含用色彩进行设计的基本方法和思维，侧重运用物理学、生理学、心理学和美学的相关知识综合分析研究色彩的规律性，强调对构成色彩、装饰色彩、抽象色彩等的造型规律的研究。在教学中要通过讲解不同的色彩组合与视知觉的关系，使学生了解不同色彩所特有的性格和它们作用于人的视知觉会产生怎样的心理及情感。色彩具有自己特定的语言和语义，在形态相同、材质相同的情况下，不同的颜色会表达出或华丽、或朴素、或典雅、或秀丽、或庄重、或热烈的不同表情性格，从而给人以或喜庆、或舒适、或沉稳、或愉快、或严肃、或欢乐的多种知觉感受。通过教学，学生会认识到色彩在人的视觉感情中所起的重要调节作用，并逐步进入主动设计的层次，达到设计色彩课程衔接其他设计专业课程的目的。

（三）对设计色彩语言的表达应有明确的目标。艺术美的最高境界是内容与形式的完美结合，艺术设计也不例外。在教学过程中应该强调学生对色彩的认识与理解，并且深入研究色彩的视觉机能和特征。在与绘画色彩比较时我们不难发现，设计色彩有它固有的语言表达方式。设计色彩写生一方面要注重对客观物象的观察与表现，用科学的态度认识自然光色的变化，另一方面要注重对客观物象的理性认识，强调个人的主观感受，不局限于三维空间的界定，在艺术风格上做到多元化、个性化。所以教师在教学过程中不仅要向学生讲授色彩原理理论和绘画技法，还要向学生强调色彩的感觉、知觉、象征、联想、寓意等各方面的表现；追求色彩的平面、含蓄、简洁、夸张。应将学生对客观物象的感性观察引导上升到理性认识阶段；并侧重于对客体的表现、写意，注重对色彩面积的大小、形状、位置和不同组织结构而产生的视觉变化，强调主观感受；以现实主义作为基础，用夸张、虚构、幻想、象征、抽象的浪漫主义表现进行写生训练；从自然色彩中提炼、归纳、组合，采用色彩调和间隔法、空间混合法把绘画与色彩构成理论相结合完成设计专业色彩教学。只有这样，才能挖掘学生的求异潜能，启发学生的创新意识，培养学生独具个性的审美情操，改变以往教学中的机械化、程式化的绘画风格，为培养出更多优秀的设计人才而打下良好的基础。

（四）注重借鉴其他形式艺术。对于设计专业的学生来说，除了掌握色彩原理及色彩的造型能力外，借鉴传统色彩和对其他姊妹艺术精髓的吸收、借鉴，是进行色彩学习更有效的途径。借鉴前人的经验及成果，通过个人的感受和理解，使之转化为艺术的一种再创造，依创意所需有目的地选择、提炼、归纳、组构新的色彩形式。在教学实践中，教师有目的地选择中外优秀作品，详细分析其作品的色调和色彩的关系，以及色彩的构成元素等，使学生根据传统审美规律和从现代大师作品中悟出真谛，并从中感受审美表现的色彩语言技巧，在借鉴中启发学生的联想和激发创作的灵感。同时，自然为师，向大自然和多彩的生活学习，自然界四季变化和动植物变化万千的色彩为我们提供了色彩美的源泉，激发了遐想的空间，拓展了新的色彩思路，将大自然色彩元素进行提炼、归纳与重构，注入新的设计思维，使自然色彩转化为艺术美。另外，借鉴和学习民间艺术作品中具有纯真质朴和鲜艳浓烈的色彩特点，再按自己的想象及构思需要重新组构和表现，获得新的表达情感色彩。借鉴与重构是一个十分注重分析和再创造的过程，在借鉴色彩的学习时，教师要有意识地强调学生对其色彩的构成和表现形式的研究式学习，找到色彩的规律性和色彩特征，重在认识和理解，培养创造性构想的能力。使学生在色彩借鉴重构练习过程中变成一种有创造性的学习表现，充分发挥主动性、积极性和创造性，有助于色彩重构能力和创新能力的提高，增强对色彩的理解及色彩语言的表达能力。

（五）指导学生多读书，提高艺术修养。设计色彩是文化的载体，不是简单的技巧，不是表达事物，而是用形色表达对事物的认识。如果设计者没有很好的文化修养，就很难设计出思想深刻、形式感强的作品。形式是传递思想的外在媒介，是艺术修养的直接反映。技术虽然是艺术不可或缺的，但终不能代替艺术，若没有思想，则作品平淡庸俗。技术不能提高人的素质，素质是多方面的，是文化艺术修养的综合体现。只有具备一定的文化素养，技术才能得以升华，作品也才能被赋予深刻的内涵和极强的形式美。一般的师徒传承与高等设计教育存在最大的不同之处，就在于高等设计教育能提高学生全面的文化修养。目前招收来的设计专业的学生大多文化成绩相对差一些，所以，设计教育亟待解决的是提高学生文化素质。因此，在最初的设计基础教学中，教师指导性地向学生介绍和推荐一些有关中外设计史、中外画论和哲学、美学等人文科学知识的书籍，从低年级开始就构筑合理的知识结构，使他们能够依靠综合文化艺术理论修养解决实践中存在的深层的问题，为将来培养能独立思考、独立创造的专业设计人才，拓展和提升他们在艺术上的发展空间奠定基础。

总之，设计色彩作为艺术设计专业的基础课程之一，已深入艺术设计各个专业的教学。在设计色彩课程探索与研究中，教师应凸显探究意味，突破教学传统模式，引导学生站在生活的高度，由浅入深、循序渐进地研究设计色彩的特点、表现形式和应用，着力帮助学生逐步构建起一套较为完整的主观色彩表达和运用的设计色彩体系，并给予宽泛而自由的色彩语言选择表达自身的审美情感和富于个性、创造性的设计思维空间。相信经过锲而不舍的长期实践，学生的色彩设计素养和色彩审美能力一定会有明显的提高。

参考文献：

［1］冯进：设计色彩教学模式探索［J］.美术大观，2009，6.

色彩基础理论知识篇5

1框架清晰、重点突出，全面介绍服装设计中的美术知识

该书最大的特点就是框架清晰完整，全面介绍服装设计中的美术知识。全书目的明确，以循序渐进的方式引导读者进行服装美术设计能力的提升。编者以简单易懂的语言，素描写生、色彩写生的练习为主要任务目标，搭建起了极为扎实的服装设计美术基础。以色彩绘画章节为例，色彩是服装设计的重要内容，也是服装设计学习的基础环节，该书涵盖了色彩绘画的工具材料和特性、色彩基础知识、色彩写生等多个层面的内容，通过色彩的调配、色彩的观察等训练让读者充分掌握绘画色彩的特点。相关内容条理清楚、全面深入、层层递进，在帮助读者开展训练的同时又培养了服装设计的色彩体会。

2内容丰富生动，阐明了绘画色彩在服装美术设计中的重要性

服装设计中的色彩设计对服装的风格及特色影响极大，当代服装美术设计中大量地运用了绘画色彩的技法，两者之间的关系密不可分。两者相辅相成、相互作用，一方面，染织、刺绣甚至绘图等技术手段的运用，可以将绘画作品直接运用在服装上，展现直观的美感；另一方面，服装设计创意中并不直接体现绘画作品，而是含蓄地展示绘画作品中的色彩。无论是采用哪种方法，绘画色彩在服装美术设计中的重要性都可见一斑。全书共分成12个章节，其中前7章以素描基础知识、透视基本原理、素描写生为主，第8~12章则针对色彩绘画的内容对绘画色彩相关的内容进行重点讲解。作者围绕绘画色彩，介绍了色彩的产生、物体的基本色彩等知识点，围绕这些知识点设置了色彩的采集与重构等任务，对服装设计师的色彩运用给予了相应的帮助。实际上，书中无论是对色彩基础知识、色彩静物写生还是对色彩风景写生、色彩设计等内容的编排，都做到了循序渐进、生动清晰，极好地展示了绘画色彩涉及的基本知识和实践作画的要领，具有极强的可读性与实操性。

3可操作性强，体现了绘画色彩与服装美术设计的融合